Há bandas que só fazem álbuns e concertos e há outras como os Os MДQUIИД. entram em combustão e fazem-nos a nós entrar também. São daquelas bandas que podes ver vinte vezes que o teu corpo vai sentir sempre o mesmo.

    Nos últimos dois anos, o trio lisboeta construiu uma reputação rara: concertos onde o palco deixa de ser fronteira e passa a ser epicentro. O público responde em cadeia, corpos projetados sobre a multidão, crowdsurfing, circle pits que parecem abrir crateras no chão, volume suficiente para transformar repetição em transe. Quem os viu ao vivo sabe que há qualquer coisa de físico na experiência. Como se a música deixasse de ser som para passar a ser impacto. Para nós a pergunta inevitável é: como se grava isso? e a resposta chama-se BODY TRANSMISSION.

    Editado pela londrina Fuzz Club, o segundo LP dos MДQUIИД. chega depois de um dos períodos mais intensos da carreira da banda. O caminho até aqui foi sendo desenhado através dos singles "pressure/pleasure" e "agony", da colaboração com o duo catalão Dame Area em "dança" e da estreia dos MДQUIИД. num tema totalmente instrumental com "simulation". O álbum reúne agora todas essas peças, mas revela uma transformação mais profunda:  o trio funde impulso das jams com a arquitetura da canção.

    Pelo meio, houve uma extensa digressão europeia, a primeira passagem pelo Brasil, uma atuação na icónica KEXP, integrada no Trans Musicales 2025, e uma sucessão de concertos em festivais como The Great Escape Festival, Festival Impulso, Basqueiral e Rock in Bourlon, em França. Em palco, o ritual repetiu-se noite após noite, culminando num dos momentos mais memoráveis da digressão, quando Silvia Konstance, metade do duo catalão Dame Area, subiu ao palco para interpretar "dança" com a banda.

    Mas BODY TRANSMISSION não é um souvenir dessa viagem. É a consequência dela.

"Obrigámo-nos a escrever canções em vez de apenas captar jams. Queríamos que soasse pesado, concentrado e dançável. É um álbum sempre a abrir."

    A frase parece simples. Na prática, redefine completamente a banda.

    Se PRATA (2024) respirava como uma massa viva, expandindo-se, contraindo-se e encontrando força na repetição, BODY TRANSMISSION funciona como uma máquina industrial perfeitamente calibrada, nada sobra, nada abranda. Cada riff entra exatamente quando deve. Cada batida parece empurrar a seguinte e cada silêncio existe apenas para tornar a próxima explosão inevitável.

    É um disco construído sobre fricção. Noise rock contra techno. Krautrock contra thrash metal. Industrial punk contra EBM. O motorik alemão encontra a violência de Arise, dos Sepultura; as sombras eletrónicas de Schwefelgelb cruzam-se com o ADN pós-punk dos Section 25 e a agressividade de Fugitive. Em vez de parecer um exercício de referências, BODY TRANSMISSION faz algo mais difícil: dissolve todas essas linguagens até formar um vocabulário próprio.

    As dez faixas, "4-to-the-floor", "collapsing", "dança", "agony", "bizarro", "valve", "simulation", "step on me", "out of fear" e "pressure/pleasure", comportam-se menos como capítulos independentes do que como uma única corrente elétrica. O álbum quase nunca oferece descanso. Quando parece perder intensidade, está apenas a ganhar impulso.

    Também nas letras existe uma ambição renovada. Temas como "agony" mergulham em questões como a desinformação, o conflito e a alienação, enquanto o restante disco aborda ansiedade, isolamento e a pressão constante da vida contemporânea. Mesmo quando o discurso se torna sombrio, a música recusa o imobilismo: há sempre um ritmo insistente a empurrar tudo para a frente.

    A receção inicial confirma aquilo que os concertos já deixavam adivinhar. BODY TRANSMISSION tem sido apontado por vários meios especializados como um dos lançamentos mais marcantes do ano no universo do noise rock e da música alternativa europeia, elogiado pela capacidade de transportar para estúdio a intensidade quase incontrolável que fez dos MДQUIИД. uma das propostas mais excitantes do circuito underground europeu.

    BODY TRANSMISSION não representa apenas uma evolução em relação a PRATA. É o momento em que os MДQUIИД. deixam de tentar documentar o caos e passam finalmente a dominá-lo. O resultado é um disco simultaneamente mais disciplinado e mais violento, onde a repetição deixa de ser apenas hipnose e passa a ser linguagem, e onde cada canção parece existir no instante imediatamente anterior ao impacto.

    É esse equilíbrio entre precisão e descontrolo que faz de BODY TRANSMISSION o trabalho mais conseguido da banda até à data. Não soa como um concerto gravado. Soa ao momento em que a eletricidade salta do palco para o corpo, antes mesmo de haver tempo para reagir.

Texto: Sofia Reis

Fotofrafia: Emmnuel Poteau

    A 12 de fevereiro, os BALEIA BALEIA BALEIA voltaram a servir arroz. Mas não aquele que sobra no fundo do tacho. Falamos de receita apurada, lume controlado e tempero próprio. OUTRA VEZ ARROZ, o quinto lançamento da dupla portuense e terceiro longa-duração de originais, é menos uma repetição e mais um statement. Quando a fórmula é tua, repetir é reivindicar território.

    Editado pela Saliva Diva, com o apoio da Fundação GDA, o disco chega em vinil e CD como um objeto físico que condiz com a ética da banda. Mãos na massa, suor no palco, zero verniz desnecessário. A pré-venda limitada do vinil reforçou a lógica de culto que o duo tem vindo a consolidar, baseada em proximidade, comunidade e fricção direta.

    O título pode soar a piada interna, mas funciona como tese. OUTRA VEZ ARROZ parte da metáfora culinária para falar de maturidade criativa. Se já encontraste o teu tempero, não precisas de reinventar a cozinha a cada prato. Manuel Molarinho, no baixo e voz, e Ricardo Cabral, na bateria e voz, mantêm a formação minimalista como arma estética. Não há camadas supérfluas nem distrações. Só músculo, repetição hipnótica e palavras que tanto mordem como piscam o olho.

    Sonoramente, o álbum encosta-se ao rock alternativo dos anos 90 sem lhe prestar vassalagem nostálgica. O grunge aparece na densidade crua das linhas de baixo e na aspereza emocional. O punk infiltra-se nas estruturas diretas e na urgência quase física. Há torções inesperadas, desvios rítmicos e um sentido de ironia que impede qualquer leitura saudosista. O caos aqui é ferramenta, nunca acidente.

    Liricamente, a banda continua a operar naquele território onde a sátira social se cruza com o comentário existencial. O quotidiano é desmontado com humor ácido, mas também com uma estranha ternura. A própria definição do disco, “a entrar na meia-idade sem queimar no tacho, malandrinho no trato, agulha no tempero”, revela essa consciência do tempo. Não se trata de abrandar, trata-se de saber exatamente quando aumentar o lume.

    Depois do homónimo de 2018 e de Suicídio Comercial em 2022, OUTRA VEZ ARROZ consolida uma linguagem que já não pede validação externa. É a reafirmação de uma identidade construída à margem, quilómetro após quilómetro, palco após palco. Repetir, aqui, é insistir até que a repetição se transforme em mantra.

    No dia 28 de fevereiro, o álbum ganha corpo ao vivo com a apresentação na Casa Capitão, onde o arroz promete ser servido quente, direto do tacho para a plateia.

Fotografia 1: @torstudio

Fotografia 2: Óscar Silva

    Há momentos em que uma banda deixa de olhar para trás e decide simplesmente avançar, sem mapa, sem rede, apenas com a convicção de que o próximo passo pode levá-la a um lugar inesperado. É exatamente aí que encontramos os Temples em “Bliss”, o novo álbum com lançamento marcado para 26 de junho.

    Se os trabalhos anteriores consolidaram a reputação do grupo como arquitectos de um psicadelismo elegante e meticulosamente construído, “Bliss” soa como a libertação desse mesmo ADN, mais físico, mais luminoso, mais imediato. Há uma sensação de movimento constante, como se cada faixa estivesse prestes a descolar da superfície. A própria banda descreve o processo como “pura alegria”, um reencontro criativo onde a regra principal foi não haver regras. Permitir-se largar. Permitir-se mudar. Permitir-se tornar algo familiar em algo completamente novo.

    O primeiro vislumbre desse universo chega com “Jet Stream Heart”, já disponível em todas as plataformas de streaming. A canção entra como um feixe de luz através de uma janela aberta, sintetizadores que cintilam como néon na madrugada, uma batida que pulsa com urgência contida, guitarras que flutuam entre o etéreo e o terreno. É expansiva sem perder foco, hipnótica sem se perder em si mesma. Uma viagem em câmara lenta que, de repente, ganha velocidade de cruzeiro.

    Há algo de cinematográfico em “Bliss”, uma sensação de estrada aberta, de vento no rosto, de transformação iminente. Não é apenas mais álbum, é um estado de espírito. Tal como diz a banda “Este álbum é sobre dar-se permissão para largar, para se mover e para se tornar algo inesperado!” Ao disponibilizar já a pré-venda do vinil, a banda convida os fãs a segurarem este novo capítulo nas mãos e a tornarem física uma experiência que nasce da liberdade.

    Se “Jet Stream Heart” é o primeiro frame, "Bliss" promete ser o filme inteiro, amplo, vibrante e impossível de ignorar.

    Com “Acetate” os Hetta dão o grande passo para se afirmarem como uma das bandas mais relevantes da nova vaga de música pesada em Portugal. O disco, marcado por uma urgência feroz e uma precisão incomum, apresenta o grupo num ponto de maturidade surpreendente para um projeto ainda jovem, capaz de equilibrar intensidade emocional e rigor instrumental sem sacrificar a identidade crua que os distingue.

    Ao longo do álbum, a banda demonstra que não está interessada em seguir fórmulas previsíveis dentro do hardcore e do screamo. Em vez disso, constrói um espaço sonoro onde caos e estrutura convivem em tensão permanente. As guitarras, ora cortantes, ora atmosféricas, desenham paisagens de desconforto calculado; a secção rítmica, sólida e impiedosa, funciona como o coração acelerado que impulsiona todo o disco; e a voz de Alex Domingos, sempre no limiar entre vulnerabilidade e explosão, guia o ouvinte através de um território emocionalmente denso, turbulento mas ao mesmo tempo catártico.

   O single “Twin Scissors”, já revelado antes do lançamento, funciona como cartão de visita desta nova era da banda: feroz, incisivo e emocionalmente carregado. É também um exemplo claro da abordagem mais consciente presente em “Acetate”. As músicas não dependem apenas da intensidade, mas da forma como essa intensidade é moldada. Mesmo nos momentos mais agressivos, sente-se uma intenção clara, quase coreográfica, que coloca o álbum acima da reação instintiva típica do género.

    Um dos pontos fortes do disco é a produção, que realça a dinâmica sem domesticar a energia do grupo. Há espaço entre os instrumentos, há contraste, silêncio e explosão, e há um cuidado evidente em preservar a honestidade sonora da banda, não escondendo imperfeições, mas transformando-as em caráter.

Tematicamente “Acetate” mergulha em conflitos internos, desgaste emocional e na sensação omnipresente de estar prestes a rebentar. Não há respostas fáceis, nem mensagens suavizadas. O álbum, tal como a própria banda, recusa o conforto. O que oferece é autenticidade, um retrato cru de inquietações contemporâneas, entregue com a intensidade de quem não tem tempo a perder.

    Se os Hetta já eram conhecidos pela devastadora energia ao vivo, “Acetate” é o sinal de que conseguem transportar essa força para estúdio sem perder impacto. Mais do que um simples lançamento, o álbum funciona como uma espécie de manifesto ou de uma prova de que o hardcore português pode ser tão inovador, emotivo, impactante e poderoso, como qualquer cena internacional e nós nem gostamos de falar de música com este rótulo, porque para nós, música é música a sua nacionalidade tanto faz, mas infelizmente ainda há por aí muita gente que valoriza bastante esse rótulo.

    Queremos com tudo isto dizer que “Acetate” não é apenas um disco promissor, ou mais um disco novo, é um dos trabalhos mais urgentes e genuínos surgidos recentemente no panorama nacional. Uma afirmação poderosa de uma banda que, ao que tudo indica, está apenas a começar.

    Vais poder ouvi-lo a partir de amanhã em todas as plataformas ou melhor ainda compra-lo à banda. 

    Deixamos-te aqui a agenda de concertos para o lançamento do álbum e temos a certeza que não vais querer perder, vê onde estás mais perto se de Lisboa na Casa Capitão dia 4 Dezembro, pelas 20:00, com concertos de Cave Story, Reia Cibele e Prado, ou Porto no Espaço Lovers & Lollypops dia 18 dezembro às 19:00 com concerto de Idle Hand ou Cadima na Lucia-Lima dia 19 dezembro às 22:00. 

Texto: Sofia V.

Fotografias: Francisco Fidalgo

    No dia 31 de outubro, a banda lisboeta Escárnio revelou os dois singles do EP “Dia dos Mortos” — “Faça e Queijo” e “A Espelho Meu” — reafirmando-se como uma presença única na cena alternativa portuguesa. O som da banda é uma mistura explosiva de fúria punk e elegância glam, um rock direto e cru que combina energia, atitude e mensagem sem nunca perder autenticidade.

    No centro deste fogo está Violeta Luz, cuja poesia cantada é das mais intensas e sinceras que se ouvem atualmente no punk rock feminino. Cada letra é um desabafo, um confronto com os seus próprios demónios, carregada de resistência feminina, introspecção e afirmação pessoal. É impossível ouvir as suas vozes sem sentir cada palavra atravessar-te, como se a banda estivesse a arrancar-te do sofá e a colocar-te no meio do palco.

    A banda completa o quadro com os riffs e coros de Pedro Treno, guitarras e harmonias de André Amado e a bateria pulsante de Alexandre Bandola. Gravado, misturado e masterizado por André Isidro, o resultado é um som intenso, honesto e cativante, que te prende do primeiro ao último segundo.

    Mesmo com apenas dois singles, “Dia dos Mortos” mostra que Escárnio não está aqui para fazer rock por fazer: cada acorde, cada palavra e cada batida é uma declaração de força, atitude e verdade. É punk rock feminino com presença, identidade e coração, e uma prova de que Violeta e a sua banda estão entre as vozes mais firmes e genuínas da música alternativa portuguesa de hoje.

 Há estreias que se ouvem como promessas e outras que se sentem como declarações. “Low Expectations” o primeiro álbum das Mild Discomfort, pertence claramente à segunda categoria. O quarteto lisboeta apresenta um disco de estreia com apenas três temas, mas cada um deles transporta uma intensidade que dispensa qualquer ideia de brevidade. É um trabalho coeso, cru e emocionalmente directo, uma estreia há muito esperada depois do concerto delas que vimos no Musicbox. 

    Gravado entre a Waahs Records e Filipe Marino, “Low Expectations” capta o espírito da banda em estado puro: sem artifícios, sem retoques desnecessários, mas sim com a energia viva de quem grava de corpo inteiro e sobretudo com a alma completa. O trabalho de mistura e masterização ficou a cargo de Dan Luscombe, músico e produtor australiano conhecido pela sua abordagem intensa e cinematográfica do som. A identidade visual do álbum, assinada por Cash & Carry Studio, que complementa a estética: uma imagem limpa, minimalista, mas carregada de tensão, o reflexo gráfico da música que encerra.

    As Mild Discomfort formaram-se em Lisboa no final de 2023 e são um quarteto feminino que cruza o pós-punk e o grunge, com ecos do indie-rock mais sombrio. As canções respiram tanto raiva como contenção, vulnerabilidade e ironia. As guitarras soam afiadas e densas, o baixo guia cada tema com firmeza, a bateria pulsa com urgência e a voz, ora doce ora cortante, dá o rosto a um conjunto de emoções contraditórias, entre o tédio e a explosão.

    Em “Low Expectations”, começamos com “Mouth Breather”, que é uma descarga directa e sarcástica, um retrato da apatia contemporânea feito de riffs e sarcasmo. “Get It” segue com uma energia crua e impaciente, quase punk, que transforma a frustração em movimento. Por fim, “Dust to Dust” encerra o disco num tom mais introspectivo e melódico, com uma reflexão sobre o desgaste e a efemeridade, sem nunca perder o peso emocional que atravessa todo o registo.

    Apesar de conter apenas três temas, “Low Expectations”. soa a álbum completo. A coerência estética é evidente, a produção é honesta e o som é fiel à identidade da banda: directo, sem verniz, carregado de verdade. O título, Low Expectations, pode soar a ironia ou provocação, mas o que aqui se ouve é o contrário da resignação: é uma afirmação de força.

    Com este disco, as Mild Discomfort mostram que o rock português ainda tem muito para dizer e que a inquietação pode ser, afinal, o motor mais autêntico da criação. “Low Expectations” é a prova de que a sinceridade e o desconforto podem coexistir, e que, às vezes, são precisamente as expectativas mais baixas que dão origem às revelações mais altas.

📷 Gentilmente cedidas pela Banda 

    Há artistas que se apresentam de rompante. E há outros que, em vez de anunciar a sua chegada, surgem como quem acende uma vela no meio da tempestade. Femme Falafel, alter ego de Raquel Pimpão, pertence a esta segunda categoria, uma trapaceira nobre de coração em brasa, criada na terra das águas termais e dos bibelôs sugestivos, que transforma dores pequenas e grandes num espetáculo de ironia bem afinada.

    Apaixonada por acordes malandros, trocadilhos de mãe jovem e petit gâteau, escreve canções que servem de escudo contra os tropeços da vida. Nos seus temas, o humor não é ornamento, é uma arma precisa, de lâmina leve. O seu universo move-se entre o desajeitado e o elegante, sempre com uma flecha apontada ao elogio da tolice.

    Agora, esse mundo ganha forma em “Dói-Dói Proibido”, o seu álbum de estreia. Uma coleção de dez faixas que, depois de muito tempo a ferver em lume brando, decidiram soltar-se para o mundo. Aqui, a dor não é silenciada, mas reinventada: é filtrada por fantasia e humor, com um véu transparente de ironia a servir de antídoto possível para o marasmo existencial.

    As canções atravessam territórios inesperados — hip-hop, jazz, disco, house e MPB — como quem percorre ruas conhecidas mas pinta cada esquina com uma cor nova. A bússola estilística aponta para onde quer, livre de regras e amarras. No centro de tudo, está a escrita singular de Femme Falafel: metáforas improváveis para crises climáticas, problemas cardiovasculares, mitras intelectualizados, depressões amazónicas ou até a ansiedade de montar um prato num restaurante demasiado moderno.

    É nesse olhar que vive o encanto do disco, um humor que não foge da dor, mas dança com ela. Entre arranjos ambiciosos e harmonias caprichosas, a artista constrói um retrato tragicómico e lúcido do seu universo sentimental.

    “Dói-Dói Proibido” é, talvez, um lembrete de que nem sempre é preciso dramatizar para falar a sério. Por agora, o dói-dói permanece interdito, mas o resultado é uma viagem criativa, ingénua e certeira, feita para rir com os olhos e pensar com o coração.

O concerto de apresentação será dia 19 de novembro no B.Leza.

📷 Inês Condeço

✍🏻 Vox Pop Music Zine

    Quando os IBSXJAUR pisaram o palco do Festival Emergente 2024, algo ficou imediatamente claro para nós, não eram apenas mais um nome a surgir na cena eletrónica nacional, ou uma presença tipo lusco fusco, eram sim uma força a ter em conta. Desde esse momento inaugural, ficou evidente que, com o suporte certo, este duo tinha a energia, o talento e a visão necessários para deixar marca.

    Agora, com "SANITY", o seu álbum de estreia lançado pela editora Cuca Monga, os IBSXJAUR apresentam-se de corpo inteiro, profundo, intenso e sem filtros. Um disco que desafia géneros ao fundir drum and bass, techno, trap e hyperpop, e que se assume como uma reflexão urgente sobre as tensões da saúde mental no século XXI.

    Mais do que um exercício sonoro, "SANITY" é um manifesto, são 12 faixas que canalizam o caos emocional e o ruído interior de uma geração marcada pela aceleração digital, pelo burnout social e por identidades em fragmentação. Temas como a ansiedade, a depressão, a pressão da imagem e a criação de alter egos são abordados com frontalidade, mas também com uma ironia burlesca que confere ao disco um tom singularmente teatral, quase como se a dor dançasse, vestida de néon, numa rave subterrânea.

    A sonoridade é densa e cortante: sintetizadores distorcidos, batidas industriais, vozes ora sussurradas ora gritadas, tudo ao serviço de uma identidade estética que bebe da cultura DIY, do espírito das free parties e de um imaginário visual vincado e provocador. Referências como Sophie, Massive Attack ou Paramore são invocadas, mas nunca copiadas, pois o som dos IBSXJAUR é definitivamente o seu. Tal como mencionamos á banda quando fala os por altura do Emergente, lembram-nos projetos de Berlim, Londres, clubes underground que adoramos e é algo pouco comum cá, vimos de imediato que tem tudo para algo grandioso, irreverente e diferente.

    Ao vivo, o duo tem vindo a conquistar terreno com atuações cruas, intensas e magnéticas. Já passaram por palcos como o Westway Lab, o Festival Curva, o Ti Milha, e claro, o próprio Festival Emergente, onde tudo começou.

    Agora, com "SANITY" nas mãos, os IBSXJAUR lançam-se estrada fora com a Tour Emergente, que arranca em novembro, em Penafiel e percorre o país de norte a sul. A apresentação oficial do disco acontece em Lisboa, a 22 de novembro na Sala LISA, num concerto onde o álbum será tocado na íntegra, um evento que promete ser tão catártico quanto inesquecível.

    Bruno Monteiro, conhecido desde os tempos em que brilhava atrás da bateria dos Stone Dead, revela agora sob o nome de Mr. Gallini uma faceta mais desarmada e profunda, estreando-se na composição em português com um disco que é simultaneamente uma confissão e um manifesto. "Já Ninguém Vai Mudar o Mundo" não é apenas um título — é um eco dos tempos turbulentos que vivemos, um suspiro melancólico que se mistura com a fúria e a urgência de quem sente o mundo a arder à sua volta.

    Acompanhamos o percurso de Bruno desde aqueles primeiros compassos nas baquetas até aos seus discos a solo, e neste novo trabalho ele expande ainda mais o seu universo musical, construindo uma tapeçaria sonora que combina o pulsar intenso do punk e a ginga inebriante do rock’n’roll com a delicadeza quase táctil da folk rústica e a suavidade dos sopros instrumentais. Em “Pano Verde”, uma brisa brasileira atravessa as cordas acústicas, derramando calor e uma melancolia doce que contrasta com a raiva crua de temas como “Fogo no Cu” ou “Primavera”. É esta dualidade — entre o fogo e a brisa, a revolta e a ternura — que torna o disco tão vívido e humano.

    A voz de Bruno é o fio condutor que atravessa esta jornada caleidoscópica: canta com uma franqueza desarmante, não teme expor os seus dilemas, medos e ânsias, transformando-os em pequenos hinos para os desajustados e os sonhadores deste verão abrasador. Cada canção é um fragmento de alma, lapidado com uma precisão e uma intensidade que tornam impossível ficar indiferente.

    Depois de explorar territórios tão distintos como a pop psicadélica caseira de "Lovely Demos" e a eletrónica abstrata de "The Organist", Mr. Gallini entrega agora um trabalho mais robusto e multifacetado, fruto de uma colaboração cuidada que adiciona camadas de riqueza sonora a cada faixa. Este é um disco que cresce a cada audição, revelando detalhes escondidos e texturas inesperadas que convidam a uma imersão profunda.

    "Já Ninguém Vai Mudar o Mundo" não se limita a captar o espírito da época — é também uma promessa sussurrada entre o caos: a música ainda pode ser um refúgio, uma forma de resistência, uma chama que, mesmo pequena, aquece e ilumina. Bruno Monteiro sabe que talvez não consiga mudar o mundo, mas com estas canções oferece-nos algo ainda mais valioso: um pedaço de verdade, um momento de beleza, uma razão para continuar a acreditar.

    Em "Night Walks", Parcels não só regressam com um novo álbum, como revelam uma faceta mais introspectiva e cinematográfica da sua sonoridade. Se o trabalho anterior da banda já nos mostrava a sua destreza em fundir funk, disco e pop de uma maneira sofisticada, neste novo capítulo, os australianos aprofundam-se num território onde a melancolia e a celebração se misturam, criando uma experiência musical de rara complexidade emocional.

    Desde o início, "Night Walks" sente-se como um passeio através de uma noite sem fim, onde o passado e o futuro se entrelaçam e as fronteiras entre o real e o imaginário desaparecem. A primeira musica, "The Road", é o ponto de partida perfeito para essa jornada: começa suave, com uma melodia contemplativa e uma produção limpa, quase etérea, mas rapidamente ganha uma intensidade suave, que nos vai conduzindo para a imersão no álbum. É uma viagem, e como qualquer boa viagem, começa lentamente, mas à medida que as musicas vão passando, a banda leva-nos para diferentes paisagens sonoras, explorando sons que vão desde o funk de grooves envolventes até as vibrações mais introspectivas da electrónica. O equilíbrio entre a euforia e a introspecção é uma das maiores forças do novo álbum. 

    Enquanto o som da banda continua a ser dançante e sedutor, há uma nuance de vulnerabilidade nas letras e na produção que traz um toque mais humano e introspectivo. "Talk To Me", por exemplo, carrega uma carga emocional que se desvia do usual otimismo das canções anteriores da banda. Aqui, as letras são mais delicadas, quase fragilizadas, como se a banda estivesse a convidar o ouvinte a entrar num momento de diálogo íntimo, onde as palavras são tão importantes quanto as melodias (na verdade para mim é sempre assim).

    Ao longo do álbum, continuam a explorar o seu gosto pela estética retro, mas de forma mais refinada, mais madura. A sonoridade disco e funk, tão presente nos seus trabalhos anteriores, cede agora lugar a um som mais experimental, que mistura camadas de sintetizadores brilhantes com guitarras suaves e percussões subtis, criando uma experiência musical que é ao mesmo tempo familiar e nova. É como se a banda tivesse encontrado uma nova linguagem para expressar as emoções que exploram nas suas letras: uma mistura de nostalgia com o poder de se reinventar.

    A produção de "Night Walks" é refinada e luxuosa, uma obra-prima que sublinha o talento de Parcels para criar atmosferas que transportam o ouvinte para diferentes estados de espírito. Cada faixa é meticulosamente construída, com detalhes subtis que vão se revelando a cada audição. A utilização de espaços sonoros (momentos de silêncio, de sons ligeiramente distantes) confere ao álbum uma sensação de profundidade, como se estivéssemos a caminhar por um ambiente noturno onde cada passo ressoasse com uma força delicada.

    No final, "Night Walks" é mais do que apenas um álbum. É uma noite inteira condensada em música: uma noite de reflexão, de celebração e de uma beleza efémera que se perde nas estrelas. Parcels não estão apenas a construir canções; estão a criar momentos, experiências sonoras que nos fazem sentir e pensar sobre o que nos move, o que nos emociona e o que nos liga uns aos outros. O novo álbum é uma prova do quanto a banda evoluiu, mantendo a sua capacidade de nos fazer dançar, mas agora com um toque de introspecção que torna a experiência ainda mais profunda.

    Felizmente Parcels são uma das bandas do cartaz do Primavera Sound Porto, e quando subirem ao palco a noite vai ganhar uma nova dimensão. O novo álbum é uma declaração de intenções: mais introspectivo, mais cinematográfico, mais imersivo. Ao vivo, essa aura quase onírica vai se materializar em batidas pulsantes e sintetizadores etéreos, como se cada canção fosse uma paisagem sonora que se desenrola à medida que o público se perde na vibração do momento.

Se há algo que a cena musical portuguesa tem sabido fazer muito bem nos últimos anos, é surpreender-nos com bandas que redefinem fronteiras sonoras. Uma dessas promessas que tem conquistado os corações de quem aprecia boa música é Marquise. A banda do Porto composta por Mafalda Matos (voz), Miguel Azevedo (baixo), Matias Ferreira (bateria) e Miguel Pereira (Guitarra), criaram o projeto em 2022 e em 2023 lançaram o seu EP de estreia homónimo que rapidamente se destacou e consolidou a banda no panorama musical português. Depois de um ano em concertos a banda lança o seu primeiro LP “Ela caiu” com uma tour de apresentação pelo país.

Desde a sua formação que Marquise se tem destacado pela capacidade de explorar diferentes texturas sonoras, criando uma música que soa fresca e contemporânea, mas que também nos remete a uma atmosfera nostálgica. A banda é capaz de combinar a intensidade com a suavidade, criando melodias que não só entram facilmente na cabeça, mas que também nos tocam emocionalmente. Com um vocal expressivo e arranjos sofisticados, conseguem transitar com naturalidade entre o introspectivo e o explosivo, mantendo uma identidade sonora bem própria.

Comprometidos em desafiar-se constantemente, explorando novas sonoridades e mantendo-se fiel a uma autenticidade que se reflete em cada acorde. As suas letras, por vezes poéticas, por vezes cruas, abordam temas universais como a busca pela identidade e as complexidades das relações humanas, enquanto a música nos leva a lugares inesperados, tanto sonoramente como emocionalmente.