Há uma América Latina que não cabe num mapa, que atravessa fronteiras e encontra nas pistas de dança uma língua comum. É nessa dimensão, entre ritmos que carregam décadas de história e máquinas que parecem apontar para outra dimensão, que se movimentam os Lambada da Serpente. Formados em Brasília por Son Andrade e Ramiro Galas, o duo brasileiro cruza tradições musicais do Brasil e de outros pontos do continente com eletrónica, sintetizadores e percussão, construindo um universo sonoro tão ligado à memória como à vontade de a reinventar.

    A história do projeto começou a desenhar-se a partir de um encontro entre músicos que já conheciam o trabalho um do outro. Son Andrade, percussionista e investigador de sonoridades brasileiras e latino-americanas, encontrou em Ramiro Galas, produtor e DJ ligado ao projeto Forró Red Light, um parceiro com quem partilhar referências e experimentar novas combinações. O que começou a partir de um convite para trabalhar num espetáculo transformou-se num projeto próprio, alimentado pela curiosidade musical de ambos e por uma vontade de aproximar linguagens que, apesar das suas diferenças, partilham ritmos, acentos e histórias.

    O nome Lambada da Serpente transporta já parte deste imaginário. Inspirado na canção homónima de Djavan, convoca um ritmo profundamente associado à memória musical brasileira e uma figura que atravessa mitologias e culturas de diferentes geografias. Como se o próprio nome antecipasse a natureza do projeto: uma música que se contorce, muda de direção e encontra novas formas de movimento sem perder o contacto com as suas raízes.

    É também assim que Son Andrade e Ramiro Galas trabalham o som, a cumbia, o carimbó, a lambada, a guitarrada, o brega, o forró e o baião cruzam-se com batidas eletrónicas, samples e sintetizadores, criando uma linguagem que o duo descreve como música latino-americana futurista. A expressão não aponta para uma tentativa de apagar o passado em nome da modernidade, mas para a possibilidade de transportar tradições populares para outros contextos, deixando que se transformem no contacto com novas tecnologias e formas de produção.

    Em agosto de 2025, os Lambada da Serpente apresentaram o seu primeiro EP, homónimo, composto por quatro temas que funcionam como diferentes entradas neste universo. «Salve!» abre o percurso com uma pulsação marcada pela cumbia e por sintetizadores de carácter retro, enquanto «Cúmbia do Médio Oriente» aproxima ritmos latino-americanos de melodias e ambientes que evocam outras geografias. «Brega Sintetizado» e «Melozinha» exploram diferentes relações entre percussão, melodias eletrónicas e balanço, mostrando como elementos aparentemente distantes podem encontrar um ponto de contacto sem perder a sua identidade.

    O disco nasceu de um processo de criação aberto, feito de trocas de ideias, gravações caseiras, samples, melodias e sons recolhidos no quotidiano e durante viagens. Son e Ramiro trabalham tanto presencialmente como à distância, enviando materiais um ao outro e desenvolvendo as ideias a partir das contribuições de cada um. Essa forma de composição permite que as canções cresçam por acumulação e transformação, sem ficarem presas a uma única maneira de fazer música. O resultado mantém uma dimensão orgânica, mesmo quando os computadores e os sintetizadores ocupam o centro da construção sonora.

    Ao vivo, esse diálogo ganha outra escala. A combinação de instrumentos de percussão, teclados, computadores e elementos eletrónicos transforma o repertório numa experiência pensada para o movimento, onde a repetição rítmica e a improvisação têm espaço para se desenvolver. O duo parte de tradições que nasceram em contextos específicos, mas não as trata como peças de museu. Pelo contrário, coloca-as em circulação, aproximando sons brasileiros, andinos e caribenhos numa espécie de cartografia musical que se desenha à medida que a música avança.

    A identidade dos Lambada da Serpente também se constrói a partir das relações que estabelecem com outros músicos. Entre os artistas com quem têm desenvolvido colaborações encontram-se Felix Robatto, Layse, Felipe Cordeiro, Muntchako e Esdras Nogueira, nomes ligados a diferentes vertentes da música brasileira contemporânea. Essas ligações ampliam o universo do duo e reforçam a ideia de que o projeto não procura fechar-se numa definição rígida, preferindo crescer através da troca, da pesquisa e do encontro entre diferentes experiências musicais.

    Há uma dimensão cultural nesta música que ultrapassa a vontade imediata de fazer dançar. Ao aproximarem tradições brasileiras e latino-americanas, Son Andrade e Ramiro Galas colocam em diálogo repertórios que muitas vezes são apresentados separadamente, apesar das ligações históricas e rítmicas que os atravessam. A eletrónica funciona como ferramenta de aproximação, criando novas possibilidades para sons que continuam a transportar as marcas dos lugares, das comunidades e das gerações que os fizeram chegar até aqui.

    Os Lambada da Serpente encontram-se, assim, em permanente transformação, onde o passado não serve apenas de referência e o futuro não aparece como uma promessa distante. Cada ritmo traz consigo uma história, mas também a possibilidade de seguir outro caminho. Entre a percussão, os sintetizadores e os balanços que atravessam o continente, o duo constrói uma música que prefere as fronteiras abertas às categorias fechadas, convidando o ouvinte a descobrir as ligações entre sons que, à primeira vista, poderiam parecer pertencer a mundos diferentes.

    No universo dos Lambada da Serpente, a tradição não fica quieta e a tecnologia não precisa de apagar aquilo que veio antes. As duas encontram-se, transformam-se e seguem juntas, num movimento que faz da pista de dança um espaço de descoberta, numa espécie de viagem sonora que não procura reproduzir uma América Latina idealizada, mas imaginar aquilo que pode nascer quando as suas múltiplas vozes começam a dançar umas com as outras.

Dia 9 poderás ir dançar ao seu som no Festival MIL Lisboa.

    Os Hause Plants começaram em Lisboa, encontraram novos caminhos em Brooklyn e foram construindo uma identidade que hoje se estende por palcos e cidades de diferentes geografias, tal como muitas outras bandas, afina de contas a musica, a sua composição e escrita de leras é feita de experiências. Entre guitarras de espírito indie, melodias que ficam a pairar e uma crescente vontade de explorar ritmos mais dançáveis, a banda portuguesa tem vindo a transformar as experiências acumuladas ao longo do percurso numa linguagem cada vez mais própria. O resultado é um projeto que não se prende a uma única sonoridade e que parece encontrar na mudança uma das suas principais forças.

    No centro desta história está Guilherme Machado Correia, que começou por desenvolver as primeiras ideias através de gravações caseiras. O projeto cresceu progressivamente até se tornar uma banda, levando os Hause Plants a atravessar o Atlântico em 2022, quando se mudaram para Brooklyn. A experiência aproximou-os de uma nova comunidade musical e abriu portas a circuitos independentes que dificilmente se resumem a uma única cidade. Entre concertos, encontros e referências vindas de diferentes contextos, o grupo foi alargando os seus horizontes sem perder a ligação a Lisboa, o lugar de onde partiu.

    A discografia foi crescendo ao longo desse caminho. Entre 2021 e 2024, os Hause Plants editaram quatro EPs, explorando diferentes possibilidades dentro do universo alternativo que foram construindo. Film For Color Photos, Sleeping With Weird People e Field Trip To Coney Island acompanharam as primeiras etapas do projeto, enquanto Não Sou De Cá, lançado pela editora lisboeta Cuca Monga, marcou uma aproximação mais direta à língua portuguesa. Este último lançamento acrescentou outra dimensão à identidade da banda, mostrando que a mudança de idioma também podia abrir espaço para novas formas de expressão, sem exigir uma rutura com o som que os tinha dado a conhecer.

    Entretanto, o percurso ao vivo ganhou uma dimensão internacional, os Hause Plants passaram por mais de quinze países e partilharam palcos com artistas como Dehd, Ducks Ltd., Cola e The Haunted Youth. Marcaram também presença em festivais como o SXSW, o Eurosonic Noorderslag e o FOCUS Wales, além de integrarem cartazes de eventos em Portugal, incluindo o Super Bock Super Rock e o MEO Kalorama. Em junho de 2026, abriram o concerto dos Two Door Cinema Club no Coliseu dos Recreios, em Lisboa, um momento que colocou a banda perante um público mais vasto no seu próprio país. É um percurso que se construiu através da continuidade, da circulação e da capacidade de levar as canções para fora do contexto em que nasceram.

    Mas a história dos Hause Plants não se faz apenas de quilómetros percorridos. A mudança mais evidente está na música que têm vindo a desenvolver. Em 2025, Guilherme começou a experimentar novas ideias com sintetizadores, drum machines e pedais de guitarra, procurando outras formas de trabalhar o ritmo e a textura das canções. Essas experiências acabaram por regressar à sala de ensaio, onde foram transformadas em música tocada pelos quatro elementos da banda. O interesse pelas guitarras mantém-se, mas passa agora a conviver com uma pulsação mais eletrónica e com uma energia que aproxima algumas das novas composições do dance-punk.

    Os singles Do It Like This e Pleasure, editados em 2026, oferecem os primeiros sinais desta direção. As batidas assumem um papel mais evidente, os baixos ganham peso e os sintetizadores acrescentam novas camadas a uma sonoridade que continua a preservar a espontaneidade de uma banda a tocar em conjunto. Há uma tensão interessante entre a aspereza das guitarras e a vontade de criar música para dançar, como se os Hause Plants estivessem a descobrir o que acontece quando o seu passado indie se encontra com uma abordagem mais física e rítmica. Não se trata de abandonar o que fizeram até aqui, mas de perceber até onde o podem levar.

    É neste contexto que surge Shake The Empty Feeling, o primeiro álbum de longa duração da banda, com lançamento previsto para 2026. Gravado nos Eiger Studios, em Leeds, e produzido por Gordon Raphael, conhecido pelo trabalho com os The Strokes, Regina Spektor, Hinds e The Cribs, o disco foi registado com os quatro músicos a tocar em simultâneo na mesma sala. A escolha reforça a dimensão coletiva do projeto e a vontade de preservar a energia do momento, mesmo numa fase em que a eletrónica começa a ocupar um lugar mais importante na composição. Depois de vários EPs e singles, o álbum representa um novo formato para apresentar o trabalho da banda, não um começo do zero.

    O percurso dos Hause Plants mostra como uma identidade musical pode desenvolver-se sem depender de uma única fórmula. Lisboa continua a fazer parte da sua história, Brooklyn deixou marcas no caminho e as experiências acumuladas em diferentes palcos parecem ter alargado as possibilidades do projeto. Ao longo dos lançamentos, a banda foi encontrando maneiras de transformar referências e experiências em canções, mantendo uma relação próxima com o circuito independente e uma vontade persistente de experimentar.

    Agora, com dois novos singles a anteciparem o primeiro longa-duração, os Hause Plants encontram-se num momento de transformação que não apaga o caminho percorrido. Os quatro EPs anteriores já desenharam uma discografia própria, enquanto os concertos e as digressões ajudaram a consolidar uma presença internacional. O álbum que se prepara para chegar acrescenta outra dimensão a esse percurso, reunindo novas ideias e abrindo espaço para perceber como a banda quer soar daqui para a frente.

    Entre guitarras, sintetizadores e ritmos cada vez mais dançáveis, continuam a avançar sem a necessidade de fixar definitivamente o lugar de onde vêm ou o som que devem fazer. Esta curiosidade, coragem de se ir moldado e a inquietação mantém o projeto em movimento: a capacidade de reconhecer o que já construiu e, ainda assim, continuar à procura de outras possibilidades. O próximo capítulo já está a caminho, mas a história da banda começou muito antes de o primeiro LP ganhar forma.

    Atuam no Festival MIL Lisboa dia 9, se nunca os viste passa por lá, se já os viste aproveita para ver novamente, são daquelas bandas que nunca nos fartamos de ver ao vivo.

    Há com que uma magia cinematográfica na música de Bianca Steck, como se as suas canções fossem feitas de lugares atravessados, pensamentos que ficam por dizer e momentos que só ganham significado quando já passaram. Nascida em Barcelona, de ascendência britânica e atualmente a viver em Bruxelas, a cantora e compositora constrói um universo onde o indie pop e o folk se encontram em melodias delicadas, arranjos atmosféricos e uma escrita que procura significado nas pequenas coisas. A sua música não precisa de levantar a voz para deixar marca, aproximar-se devagar, como uma conversa que começa quase por acaso e acaba por ficar connosco durante muito mais tempo do que esperávamos.

    A formação clássica em piano e clarinete está presente na forma como Bianca pensa as suas canções, dando-lhes uma sensibilidade particular para os detalhes, os silêncios e os espaços entre notas. Mas é na combinação dessa base com uma produção envolvente e uma escrita profundamente introspetiva que começa a ganhar forma a sua identidade. Existe uma delicadeza que atravessa o seu trabalho, sem que isso signifique que as canções se fechem sobre si mesmas. Pelo contrário, parecem feitas para acompanhar o movimento, observar o mundo e encontrar alguma familiaridade naquilo que, à primeira vista, parece distante.

    Em 2025, Bianca lançou The Joy of Coincidences, o álbum de estreia pela editora Unday Records, um primeiro retrato de um projeto que encontrou na observação do quotidiano uma forma de olhar para dentro. O título sugere encontros inesperados, pequenos acasos e momentos que, sem aviso, acabam por alterar a maneira como vemos as coisas. É uma ideia que combina com a sua música, onde as emoções raramente surgem isoladas do ambiente que as rodeia. Ao longo do primeiro ano, o disco ultrapassou um milhão de reproduções no Spotify, recebeu atenção de publicações como Mondo Sonoro, Vanity Teen, HUMO, De Standaard e Knack, e chegou a várias estações de rádio europeias.

    Entretanto, as canções começaram a viajar para lá do disco. Bianca acompanhou Hania Rani e Tom McRae em digressões, passando por salas como a KOKO, em Londres, a La Cigale, em Paris, o TivoliVredenburg, em Utrecht, e o Columbia Theater, em Berlim. São palcos que assinalam o crescimento de uma artista que tem encontrado no formato ao vivo uma forma de alargar o seu universo sem perder a proximidade que caracteriza as gravações. Entre concertos, showcases e apresentações próprias na Bélgica e em Espanha, o percurso tem vindo a desenhar uma presença cada vez mais internacional, com passagens pelo MMVV, em 2025, e estará no Festival MIL Lisboa.

    O reconhecimento chegou também através da indústria musical, depois de vencer o concurso belga Sound Track, Bianca integrou a seleção 100 Artists to Watch, da IMPALA, em 2025, e foi nomeada para o prémio UPBEAT Best New Talent de 2026. Mais do que pontos de chegada, estas distinções acompanham um projeto que continua a crescer a partir de uma linguagem própria, feita de contenção, sensibilidade melódica e uma atenção particular à forma como as experiências individuais se transformam em canções.

    O próximo capítulo começa a ganhar forma a 26 de fevereiro de 2027, data anunciada para o lançamento do seu segundo álbum, novamente pela Unday Records. A estreia será acompanhada por uma digressão internacional, com passagens previstas pela Polónia, Alemanha, Dinamarca, Países Baixos, Bélgica, Espanha e Portugal, antes da temporada de festivais europeus. Ainda sem revelar os detalhes do novo trabalho, Bianca prepara-se para regressar com mais espaço para desenvolver um universo que tem vindo a encontrar ouvintes em diferentes geografias.

    A música de Bianca Steck reside precisamente nessa capacidade de transformar o aparentemente banal em alguma coisa que merece ser escutada com atenção. Uma coincidência, um lugar, uma memória ou um instante podem ser suficientes para abrir uma canção e deixá-la seguir o seu próprio caminho. Entre a intimidade do primeiro álbum e a expectativa de um novo disco, Bianca continua a construir uma obra que não procura respostas imediatas, preferindo ficar algum tempo dentro das perguntas. E é nesse espaço, entre o que acontece e aquilo que fazemos dele, que as suas canções encontram lugar.

Como já mencionamos, ela atuará no Festival MIL Lisboa, dia 9 deste mês, e é mais uma das nossas sugestões a não perder.

    As Manga Cava parecem ter nascido antes do verão, naquele intervalo estranho da primavera em que os dias começam a ficar maiores, mas o calor ainda não chegou. Há sombra, mato e silvas pelo caminho, guitarras ao colo e uma vontade quase infantil de inventar qualquer coisa antes que alguém apareça para dizer como deve ser feita. As melodias podem ser sussurradas ou gritadas, as tardes podem durar horas e correr sem destino é uma atividade perfeitamente legítima.

    É a partir desse lugar que Joana, Maria Marta, Pires e Maria estão a construir uma das propostas mais recentes e singulares do circuito independente português. As Manga Cava fazem aquilo que elas próprias descrevem, com uma boa dose de humor, como “girly indie pop punk rock tuga do mato”. A expressão parece uma piada, mas acaba por funcionar como uma espécie de manifesto. Há indie pop, há punk, há rock, há uma energia assumidamente feminina e há, sobretudo, uma relação muito física e despreocupada com o espaço onde a música acontece.

    As canções vivem entre a doçura e o ruído. Podem começar quase em segredo e acabar num grito, mantendo pelo caminho uma espécie de fragilidade deliberadamente imperfeita. As vozes não procuram uma polidez excessiva e as guitarras não parecem interessadas em esconder as suas arestas. Existe uma espontaneidade lo-fi que aproxima a banda de quem está a ouvir, como se a música pudesse ter sido inventada numa tarde qualquer entre amigos e, por alguma razão, tivesse decidido ficar.

    Essa sensação de proximidade não é acidental. As Manga Cava nasceram da amizade entre Joana e Maria Marta, ambas na guitarra e nas vozes, em meados de 2025. No final desse ano juntaram-se Pires, no baixo, e Maria, na bateria e voz, e aquilo que começara como uma relação entre duas pessoas transformou-se num quarteto. Desde então, a banda tem percorrido diferentes cidades do país, passando por Viana do Castelo, Coimbra, Lisboa e Porto.

    O percurso ainda é curto, mas já existe nele uma característica importante: movimento. As Manga Cava parecem estar a construir-se enquanto tocam, aprendendo a banda ao mesmo tempo que aprendem as próprias canções. Cada concerto acrescenta qualquer coisa ao projeto e cada cidade abre mais uma porta dentro de um circuito independente onde as relações pessoais, os pequenos palcos e a circulação de música entre comunidades continuam a ter um peso enorme.

    É difícil ouvir as Manga Cava sem pensar na liberdade. Não necessariamente na liberdade como conceito político ou manifesto, mas naquela liberdade mais simples e física de uma tarde sem planos. De andar de braços ao léu, de dormir uma sesta a meio da tarde, de correr apenas porque há energia a mais no corpo. A música parece nascer dessa mesma vontade de não transformar tudo numa questão demasiado séria.

    Mas há uma dimensão agridoce por baixo dessa leveza. As melodias podem ser doces, mas existe sempre qualquer coisa a ameaçar interrompê-las. O punk aparece precisamente nesse ponto, quando a delicadeza já não chega e é preciso aumentar o volume. O resultado é uma música que pode ser divertida sem ser superficial e despreocupada sem ser vazia.

    Entre as referências que atravessam o projeto estão as Pega Monstro, uma influência que as próprias Manga Cava reconhecem tanto de forma consciente como inconsciente. A proximidade não está apenas na combinação de guitarras, pop e uma certa liberdade punk, mas também na capacidade de transformar experiências íntimas e quotidianas em matéria para canções. Ainda assim, as Manga Cava estão a começar a criar uma identidade própria, mais ligada à ideia de mato, verão, amizade e descoberta.

    No dia 22 de agosto, essa identidade ganhou o primeiro registo físico com o lançamento de Retrato da Menina Abandonada no Lixo. O título parece conter toda uma pequena novela dentro dele, entre o absurdo, o humor e alguma coisa de estranhamente melancólica. O EP começou entretanto a circular pelo circuito independente português, funcionando como o primeiro retrato de uma banda que ainda está a descobrir o tamanho do seu próprio universo.

    Ainda não existe uma fórmula fechada, nem parece haver vontade de a encontrar. Há quatro pessoas, instrumentos, amizade, canções e uma série de cidades por onde passar. Há a vontade de experimentar, de errar, de fazer barulho e de continuar a tocar.

    Dia 8 de outubro, esse percurso chega novamente a Lisboa, desta vez através do Festival MIL. Às 19h15, no Unicorn Stage, as Manga Cava vão levar para o palco essa mistura de guitarras, melodias, energia punk e uma certa despreocupação solar que parece acompanhar tudo o que fazem.

    
Talvez seja demasiado cedo para saber onde vão chegar. Por enquanto, parece mais interessante acompanhar o caminho. As Manga Cava ainda estão algures entre a primavera e o verão.

Fotografia: Maria Valente

    Há algo de inquietante nos OkA, não é apenas o volume, nem a distorção, nem a velocidade com que uma bateria pode transformar uma sala. É a sensação de que, dentro daquela formação reduzida a guitarra, bateria e voz, existe muito mais espaço do que seria suposto. O trio lisboeta trabalha precisamente nesse território onde o silêncio pode tornar-se tão importante como o ruído e onde uma música aparentemente caótica revela, quando se escuta com atenção, uma arquitetura própria.

    Os OkA usufruem da sua linguagem parte do noise punk, mas rapidamente começa a escapar pelas margens. Há dissonância, polirritmia, distorção e uma intensidade física que aproxima o projeto de nomes como Melt-Banana, Deerhoof ou Lightning Bolt, mas também existe uma dimensão experimental e quase lúdica que impede a música de se tornar previsível.

    É uma questão de equilíbrio, a guitarra pode soar como se estivesse prestes a desintegrar-se, enquanto a bateria mantém uma precisão quase matemática. A voz não surge necessariamente como uma camada separada, mas como mais um elemento rítmico, misturado com o corpo da música. O resultado é uma espécie de organismo em permanente movimento, em que cada elemento parece empurrar os outros para descobrir até onde podem ir.

    Essa abordagem está já presente em ombu, o primeiro EP dos OkA. Auto produzido pela banda, com mistura e masterização de João Galvão, o trabalho condensa em poucos minutos uma quantidade considerável de tensão. O ruído e a distorção convivem com estruturas rítmicas complexas, enquanto a dissonância não aparece como um fim em si mesma. Existe composição por detrás do caos e, sobretudo, existe uma vontade de experimentar sem perder a dimensão física da música.

    O experimentalismo não os afasta do corpo, pelo contrário, a música parece construída para ser sentida antes de ser explicada, aliás nem precisa ser explicada. O baixo peso da guitarra, a bateria quase convulsiva e as vozes transformam-se numa experiência que acontece tanto nos ouvidos como no espaço à volta. É música que pede volume, proximidade e movimento.

    Ao vivo, essa dimensão torna-se ainda mais evidente. A formação de três elementos poderia sugerir contenção, mas nos OkA acontece precisamente o contrário, funcionam como partes de uma mesma máquina, alternando entre momentos de tensão, explosão e suspensão. O palco torna-se um laboratório onde as estruturas podem ser esticadas até ao limite, sem nunca perder completamente o sentido de ritmo e de melodia.

    É também aí que se percebe por que razão a banda consegue habitar simultaneamente o punk e a experimentação. Existe uma atitude punk na recusa de complicar a formação e na vontade de tocar sem filtros, mas existe também uma curiosidade que os leva para territórios menos previsíveis. A música pode ser agressiva sem ser simplesmente agressiva, estranha sem ser inacessível e ruidosa sem deixar de ser profundamente rítmica.

    Depois de apresentarem ombu em diferentes palcos, incluindo a ZDB, em Lisboa, os OkA continuam a desenvolver uma identidade que ainda está longe de estar fechada. Um novo álbum está previsto para 2027, abrindo espaço para perceber como este primeiro universo poderá crescer quando transportado para um formato mais longo.

    Por agora, é no presente que vale a pena encontrá-los. No ruído, na guitarra, na bateria, na voz e naquele momento imprevisível em que uma estrutura parece estar prestes a partir-se e, em vez disso, encontra uma nova forma.

    Dia 8 de outubro, os OkA apresentam-se no Festival MIL, em Lisboa, onde poderás conhecer o seu universo e perceber o que aqui descrevemos.

    Elsa, Natalia e Cecilia têm qualquer coisa de difícil de domesticar, juntas, formam Las Petunias, um trio que encontrou na colisão entre a raiva do punk e as melodias pop numa linguagem própria, feita de guitarras, energia e uma vulnerabilidade que nunca aparece como fraqueza. As suas canções falam de ansiedade, romances, inseguranças e do vertiginoso processo de crescer, mas fazem-no sem solenidade. Há humor, irreverência, doçura e uma vontade evidente de transformar aquilo que dói em qualquer coisa que também se possa cantar e dançar.

    A juventude é o território onde tudo isto acontece, estar nos vinte anos significa, para Las Petunias, viver entre expectativas e incertezas, entre a sensação de que tudo é possível e a suspeita de que nada está verdadeiramente no lugar certo. As suas letras partem desse lugar íntimo e transformam experiências pessoais em algo coletivo. Uma guitarra torna-se descarga, uma melodia transforma-se em confissão e um refrão pode ser, ao mesmo tempo, um grito e um abraço.

    Essa identidade ganhou a sua primeira grande forma em “Creo que soy de porcelana”, o álbum de estreia lançado em 2024. O título funciona quase como uma chave para entrar no universo do trio. A porcelana evoca delicadeza e fragilidade, mas também algo precioso, resistente e capaz de sobreviver durante décadas. O disco percorre ansiedades, romances e o vertigem de ser jovem, combinando letras íntimas com uma energia desenfreada. Entre momentos de maior agressividade e outros de inesperada doçura, Las Petunias deixam claro que mostrar as próprias fragilidades pode ser uma forma de força.

    A música não é, contudo, apenas um espaço de confissão. Existe uma atitude por detrás dela. Las Petunias não parecem interessadas em corresponder às expectativas que lhes são colocadas nem em suavizar aquilo que têm para dizer. A sua irreverência faz parte da linguagem, tal como a raiva, o humor e a intensidade. É essa combinação que as colocou entre os nomes mais estimulantes da nova vaga underground espanhola.

    Depois do álbum de estreia, o trio continuou a expandir esse território com “Ahí te pudras, maldita”, EP que aprofunda a sua linguagem e mostra uma banda em movimento. Temas como “Historias de mi madre”, “Poeta en NY” e “Tirant lo Blanc” acrescentam novas personagens, referências e estados de espírito a um universo que nunca parece completamente fechado. O punk continua presente, mas as melodias pop e a dimensão emocional das canções impedem que a música seja reduzida a uma única etiqueta.

    É no palco, porém, que toda essa energia encontra a sua forma mais física, ao vivo, Las Petunias são um torvelinho. Elsa, Natalia e Cecilia ocupam o espaço com carisma e uma atitude sem complexos, transformando as canções em momentos de descarga coletiva. A distância entre quem está em palco e quem está a assistir rapidamente desaparece. O público entra nas histórias, responde aos refrões, dança e acaba por fazer parte da própria dinâmica do concerto.

    Essa dimensão performativa ajuda a explicar o lugar que Las Petunias têm vindo a conquistar na cena independente espanhola. A música tem a urgência do punk e o imediatismo do pop, mas é a honestidade emocional que lhe dá profundidade. Não há qualquer tentativa de esconder as arestas ou de transformar a vulnerabilidade numa pose. Pelo contrário, as inseguranças, os romances falhados, a ansiedade e a confusão de crescer são assumidos como matéria artística.

    Há qualquer coisa de delicado na imagem de uma flor, mas a música do trio está longe de ser frágil. As suas petúnias crescem entre o ruído, o excesso e a inquietação, florescendo precisamente onde seria mais fácil desaparecer. A delicadeza e a ferocidade não aparecem como opostos, mas como duas partes da mesma identidade.

    É esse universo que Las Petunias trazem a Lisboa no dia 8 de outubro, para uma atuação no Festival MIL. Será uma oportunidade para conhecer ao vivo uma das propostas mais vibrantes da nova cena underground espanhola e perceber o que acontece quando três jovens artistas transformam a vulnerabilidade em guitarras, melodias e pura energia.

    Las Petunias não estão interessadas em parecer invulneráveis, preferem fazer daquilo que pode partir-se a matéria com que constroem as suas canções.

    Há qualquer coisa de anacrónico em Paco Pecado, um personagem que parece ter escapado de uma fotografia dos anos 70, atravessado uma bodega, passado por uma verbena e chegado ao presente. Bon vivant com espírito de bandoleiro, Paco move-se confortavelmente entre o kitsch, o retro e o vetusto, entre o excesso e a fragilidade, entre a celebração e o melodrama. Pode ser o Rei da Festa ou, no instante seguinte, o intérprete mais vulnerável de uma canção de amor.

    É precisamente nessa contradição que começa a ganhar forma o seu universo musical. A sua música recupera linguagens populares, a rumba, o bolero, a cumbia, o folclore e cruza-as com a tradição da canção de autor, sem qualquer preocupação em esconder as suas referências. Há nela qualquer coisa de bodega e de salão de baile, de romance antigo e de festa que se prolonga até de madrugada. Mas, por detrás da aparência festiva, existe também uma dimensão sentimental e melancólica. Paco canta o amor, o desamor, a solidão e as pequenas contradições humanas como quem sabe que a melhor maneira de falar de coisas sérias pode ser, justamente, dançar sobre elas.

    Essa tensão entre a festa e a vulnerabilidade está no centro de “Entre Bodegas y Ferias”, o álbum com que Paco Pecado encontrou uma nova direção no início de 2025. O título funciona quase como uma declaração de princípios: de um lado, a bodega, espaço de intimidade, excesso e conversa; do outro, a feira, lugar de espetáculo, encontro e celebração. Entre os dois mundos constrói-se uma personagem e, sobretudo, uma linguagem própria.

    O disco combina as suas influências retro com letras sinceras e uma dimensão visual inseparável da música. Paco não parece interessado em separar canção, personagem e imaginário. Tudo faz parte do mesmo universo: as roupas, as referências populares, o humor, o romantismo, os excessos e uma certa nostalgia por um mundo que talvez nunca tenha existido exatamente como ele o imagina. O resultado é um exercício de folclore kitsch que consegue ser simultaneamente irónico e genuíno.

    A aposta teve consequências. Entre “Bodegas y Ferias” marcou um ponto de viragem na carreira de Paco Pecado e valeu-lhe, em 2025, o Primeiro Prémio dos Rock Villa de Madrid, um dos mais importantes concursos espanhóis dedicados à descoberta de novos talentos. Entre cerca de mil propostas, foi o seu universo singular, entre a música popular, o folclore e a estética kitsch, que acabou por se destacar.

    Mas é sobretudo ao vivo que esta personagem ganha outra dimensão. A festa deixa de ser apenas uma ideia presente nas canções e passa a ser uma experiência partilhada. Paco assume o palco com uma presença carismática e teatral, transformando o imaginário das suas músicas num espetáculo que tanto convida à dança como à contemplação. O público pode entrar pela porta da festa e acabar, quase sem dar por isso, dentro de uma história de amor, de uma memória ou de uma ressaca emocional.

    É também por isso que a proposta de Paco Pecado encontra o seu lugar natural na atual cena alternativa em castelhano. Num momento em que tantos artistas procuram reconstruir a relação entre tradição e música contemporânea, Paco não tenta modernizar o folclore apagando aquilo que nele existe de excessivo, popular ou sentimental. Faz precisamente o contrário: abraça essas características e transforma-as em matéria artística.

    Agora, com um segundo álbum previsto para o outono de 2026, Paco Pecado prepara-se para aprofundar esse caminho. A promessa é consolidar uma identidade autoral assente nesse particular folclore kitsch que já se tornou a sua assinatura. Se Entre “Bodegas y Ferias” apresentou o personagem e abriu as portas do seu universo, o próximo capítulo poderá revelar até onde é possível levar essa mistura de nostalgia setentista, romantismo, humor, tradição popular e excesso.

    No fundo, achamos que a maior força de Paco Pecado seja precisamente não escolher entre ser festa ou melancolia, personagem ou compositor, passado ou presente. Preferir viver no espaço intermédio, aquele lugar onde ainda se pode dançar enquanto o coração parte.

    Poderás vê-lo ao vivo no MIL LISBOA dia 8

    London has always been a city of crossings: people arrive with different histories, accents, references and ideas, and the music tends to absorb all of it. It was here, in that constant state of movement, that Hate Moss took shape. Tina, from Italy, and Ian, from Brazil, began working together in 2017, initially through Stock-a Records, an independent label they founded as a space for their own work and for the artists around them. Over time, the label developed into Stock-a Production, an artistic collective whose activity would extend beyond releases into production, live performance, collaboration and the creation of an international network.

    In 2018, their collaboration became a musical project in its own right. Hate Moss emerged with “Honey”, their first single, and almost immediately the relationship between recorded music and live performance became central to the project. The duo began touring across Brazil, Italy and the UK, building a body of work through movement and experience before releasing their debut album, LIVE TWOTHOUSANDHATEIN, in May 2019. Spain, Portugal and Turkey followed, extending the project’s reach across a European circuit increasingly receptive to its hybrid approach.

    Later that year came an invitation from the Biennale to perform during the opening of Heat at the Church of Misericordia in Venice. It was a significant setting for a project whose music has always occupied an open space between disciplines, drawing on the physicality of performance as much as on the possibilities of the recording studio.

    Then the world stopped.

    During the first lockdown in London, Tina and Ian continued to work together and produced Fog. Created during a period defined by isolation, uncertainty and a sudden absence of the touring life that had become so important to them, the release marked another stage in the duo’s development. With the usual movement temporarily suspended, the studio became the place where that movement could continue in another form.

    By May 2022, Hate Moss were ready to enter their next phase. Their second album, NaN, was released by Stock-a Production in collaboration with Brazilian label Before Sunrise Records, opening the door to an extraordinary period of touring. Across 2023, the duo played more than 150 concerts throughout Europe, the UK and Turkey, carrying NaN into clubs, venues and festivals and gradually expanding the audience around their live performances.

    The following year took them across the Atlantic. In 2024, Hate Moss toured South America, travelling through Brazil, Uruguay, Argentina and Chile and appearing at a number of festivals. At the same time, NaN itself began to evolve beyond the form in which it had originally been released. Tina and Ian invited friends and musicians from their wider scene to remix or reinterpret selected tracks, turning the album into an open-ended collaborative project. The resulting versions were released digitally, one track at a time, throughout 2024.

    The idea of music as something that can keep changing runs through the history of Hate Moss. A song can exist as a studio recording, become something more physical on stage, be reshaped by another musician and return in a completely different form. Their work has increasingly developed around that sense of permeability, with electronics, voice, rhythm, noise and performance continually shifting their relationship to one another.

    In June 2025, Mercimek Days brought that live dimension into focus. Released through Trovarobato and recorded live at Karga in Istanbul, the EP features the previously unreleased “Aiknow” alongside live versions of “Remake the Time (Part 1 and Part 2)” and “Birdaha”. Rather than functioning simply as another chapter of recorded material, the release documents the physical energy that had become such a defining part of the duo’s identity after years spent on the road.

    Istanbul occupies an important place in that journey. So does the broader geography of Hate Moss, whose music has increasingly been shaped by the places in which it has been performed and the communities encountered along the way. Italy and Brazil remain fundamental points of reference, but London is where those histories meet, and the project has continued to extend that meeting across Europe, the Mediterranean and South America.

    From late August to late September 2025, Hate Moss returned to South America for another tour. In January 2026, they released their third LP, A Hot Mess, through Trovarobato, bringing together another stage of a musical language that has spent almost a decade developing through movement, experimentation and live performance.

    The title A Hot Mess feels particularly fitting for a project whose music thrives on collisions. The duo’s sound carries traces of Italian and Brazilian singer-songwriters from the 1960s and 70s, particularly in the way personal experience and social observation can exist within the same song. Around that foundation sit the psychedelic impulses of rave and trip-hop, abrasive industrial textures and the restless energy of electronic music. There is also a connection to the contemporary Mediterranean alternative scene, where traditional musical references have increasingly been pulled apart, reworked and placed into dialogue with electronic and experimental forms.

    These influences rarely arrive in isolation. They overlap, interfere with one another and create new shapes. A melodic gesture can carry the memory of a songwriter before being swallowed by a heavier electronic pulse; a rhythm can suggest the dancefloor while the surrounding textures move towards something darker and more industrial. The music retains a sense of song while allowing sound, atmosphere and physical rhythm to take an equally important role.

    That tension is particularly apparent in the live setting. Hate Moss have spent much of their existence travelling between clubs and festivals, and the stage has become a place where the distinctions between genres become increasingly fluid. The music can become heavier, stranger or more immediate in performance, with the duo using the energy of the room as part of the process.

    During the first part of 2026, A Hot Mess was taken across Europe and the UK, with performances in clubs and festivals extending into Eastern regions including Georgia, Armenia, Turkey and Greece. The growing attention around the new record led to further invitations beyond Europe, with Hate Moss scheduled to perform at festivals in South Korea and Japan during September and October. From there, the project will continue its journey with another tour across South America.

    The international scale of that itinerary reflects something fundamental about Hate Moss. Since the creation of Stock-a Records in 2017, Tina and Ian have built their project around exchange: between Italy and Brazil, between London and the places they visit, between the studio and the stage, and between their own music and the artists they invite into it. Their catalogue has grown alongside a network of musicians, producers, labels, venues and audiences that stretches across several continents.

    It is this constant movement that gives Hate Moss its particular character. Their music carries the history of Italian and Brazilian songwriting into the contemporary electronic landscape, allowing the intimacy of the singer-songwriter tradition to meet the collective energy of rave and club culture. Trip-hop, industrial music and experimental electronics add further layers, while the Mediterranean alternative underground provides another point of reference for their restless approach to tradition and reinvention.

    There is something appropriately London about the way all these elements coexist. The city provided the original meeting point, but the project has since become too geographically expansive to belong to any single place. Its identity has been shaped as much by Istanbul, São Paulo, Venice, Lisbon, Buenos Aires or Tbilisi as it has by London, with each journey adding another perspective to the music.

    Almost ten years after Tina and Ian first began working together, Hate Moss have turned that movement into an artistic principle. A Hot Mess arrives as the latest expression of it: a record shaped by years of touring, collaboration and experimentation, and by a musical imagination that continues to move between cultures, scenes and generations. Their work lives in that restless space between the familiar and the unexpected, where a song can become a performance, a performance can become a recording, and a recording can begin another journey.

On 7 October, you can catch Hate Moss live at the MiL Festival, on the Sotão stage.

Photo 1: Fernando Pauludo

Photo 2: Liliana Ricci

Photo 3: Music Note Book

    No dia 19 de setembro de 2026, foi preciso descer fundo para encontrar o rock no seu estado mais selvagem. Na cave da Groovie Records, em Lisboa, a música tomou conta da sala do terceiro piso subterrâneo do icónico edifício da loja de discos, transformando aquele espaço num dos palcos mais elétricos e insólitos do rock subterrâneo da cidade. Quem desceu aquelas escadas sabia, mais ou menos, ao que vinha. O que encontrou, porém, foi muito mais do que estava à espera.

    Os Pink Pussycats From Hell entraram em cena sem tempo para cerimónias. A atuação foi visceral, rápida e sem tréguas, construída a partir de um alinhamento conciso em que havia uma regra tão simples quanto absurda: todas as canções tinham obrigatoriamente de começar pela palavra Hell no título.

    Mas o ataque não vinha apenas dos amplificadores. Nos Pink Pussycats From Hell, o espetáculo também se veste e, naquela tarde, vestiu-se para o caos. O baterista Danger Rabbit surgiu completamente equipado com um fato de coelho, como se tivesse saído diretamente de um universo paralelo onde o rock'n'roll e o absurdo decidiram formar uma banda. Atrás da bateria, manteve um ritmo frenético e incansável do princípio ao fim.

    À frente, o guitarrista e vocalista Mighty Hunter tratou de acrescentar mais uma camada de teatralidade à coisa. Ao microfone, surgiu com uma máscara de wrestler ao melhor estilo da lucha libre, transformando cada entrada vocal numa espécie de confronto de arena e injetando no concerto uma dose extra de atitude.

    O resultado foi uma descarga de energia crua, um som avassalador e uma estética perfeitamente sintonizada com a natureza caótica e festiva da banda. Não havia muito espaço para respirar e aparentemente ninguém na sala estava interessado em fazê-lo.

    Quando parecia que o concerto tinha chegado ao fim, os Pink Pussycats From Hell decidiram não sair simplesmente de palco. Em vez disso, convidaram o público a subir e juntar-se à festa, incluindo uma participação direta na bateria. O encerramento deixou assim de ser apenas o último momento do espetáculo para se transformar numa celebração coletiva, num daqueles instantes de pura comunhão rock'n'roll em que a fronteira entre banda e público simplesmente desaparece.

    Lá em baixo, no terceiro subterrâneo da Groovie Records, entre paredes carregadas de ressonância, o eco dos amplificadores e o entusiasmo de quem tinha descido para assistir ao concerto, a loja voltou a provar por que razão continua a ocupar um lugar especial no mapa da música de culto em Lisboa.

    Os Pink Pussycats From Hell vieram fazer do subterrâneo da Groovie Records um lugar à parte, onde o ruído, a teatralidade e a velocidade se encontraram numa descarga de rock'n'roll sem travões. Quando as últimas notas desapareceram, ficou a sensação de que aquilo tinha acabado demasiado cedo. Setembro nunca tinha soado tão Hell.

Texto e fotografias de Antonio Colombini