O último dia começou com uma sensação diferente no Taboão. Depois de três dias de música, noites longas e um recinto que já fazia parte da rotina de quem ali estava, havia no ar aquela consciência inevitável de que tudo estava a chegar ao fim. Às 16h30, Noiserv abriu o Coura Sem Paredes, enquanto pouco depois, às 17h10, Patrick Watson, sozinho ao piano, dava início à programação do palco Vodafone. Era uma forma particularmente adequada de começar o último capítulo: depois de dias de grandes produções e multidões, o festival começava com a simplicidade de uma voz, um piano e um espaço inteiro disposto a ouvir.

    Às 18h10, Hudson Freeman continuou a tarde no Coura Sem Paredes, enquanto Cate Le Bon, às 18h55, levava para o palco principal a sua personalidade artística singular. A tarde avançava lentamente, mas já se sentia que o último dia tinha uma identidade própria. Não havia a urgência dos primeiros dias; havia uma espécie de vontade de aproveitar cada momento, como se cada concerto trouxesse consigo a consciência de que aquele seria o último fim de tarde passado no Taboão.

    Às 19h55, Sophia Stel ocupou o Coura Sem Paredes e, pouco depois, às 20h45, Meute fizeram o palco Vodafone explodir de energia. A banda alemã transformou a música eletrónica em espetáculo através de metais e percussão, levando para o recinto uma força física que rapidamente contagiou o público. Depois de um início de tarde mais contemplativo, o ambiente mudou completamente: já não era apenas uma questão de ouvir música, mas de sentir o ritmo a atravessar o espaço.

    Enquanto a noite avançava, Julia Mestre atuava às 21h45 no Coura Sem Paredes, criando um contraste com a intensidade que se sentia no palco principal. Às 22h45, Thundercat assumiu o protagonismo, trazendo consigo o seu baixo virtuoso e uma sonoridade impossível de encaixar numa única categoria. Funk, jazz, soul e eletrónica encontraram-se num concerto que manteve o último dia em movimento e deu ao festival mais um daqueles momentos em que a música parece existir num território próprio.

    Às 23h45, Prostitute levaram o Coura Sem Paredes para uma dimensão mais crua e intensa. Já perto da meia-noite, o recinto começava a entrar naquele estado característico da última noite: toda a gente sabe que é a última oportunidade para estar ali, por isso ninguém parece ter pressa de abandonar o espaço. Há quem dance, quem procure os últimos concertos, quem se sente na relva e quem simplesmente fique parado a absorver o ambiente.

    Às 00h35, Amyl and the Sniffers chegaram ao palco Vodafone e trouxeram consigo a descarga de energia que a última noite pedia. O punk da banda australiana encontrou um público já completamente entregue, transformando o palco numa explosão de movimento. Era difícil imaginar uma forma mais direta de entrar na reta final do festival: guitarras, suor, gritos e uma multidão que parecia querer gastar as últimas reservas de energia antes do adeus.

    Mas ainda havia madrugada pela frente. À 01h35, Dame Area assumiram o Coura Sem Paredes, prolongando a noite com uma sonoridade marcada pela eletrónica e pelo pós-punk. E, às 02h50, Marie Davidson, em DJ set, ficou encarregada de conduzir os últimos resistentes pela madrugada. Já não havia amanhã de festival para esperar. Cada música tinha agora um peso diferente porque era uma das últimas.

    E talvez seja essa a parte mais estranha do último dia, durante horas, o festival continua a funcionar exatamente como nos dias anteriores, mas por baixo de tudo existe a certeza de que desta vez não haverá outro concerto depois daquele. Quando Marie Davidson terminou, o Taboão começou finalmente a perder o som, as luzes foram desaparecendo e o espaço que durante quatro dias tinha sido ocupado por milhares de pessoas começou a recuperar o silêncio.

    O último dia não precisou de um grande momento para se despedir. Teve Patrick Watson ao piano, a energia de Meute, a liberdade musical de Thundercat, a explosão de Amyl and the Sniffers e a eletrónica que levou a madrugada até ao fim. Mas, acima de tudo, teve aquela sensação inevitável de despedida que se instala quando já não há mais horários para consultar nem concertos para esperar. Quando a última música terminou, não acabou apenas uma noite, começou o silêncio de um lugar que, durante quatro dias, nunca pareceu dormir, mais de 115 mil pessoas estiveram no Couraíso e agora só nos resta esperar pela próxima edição, que será entre 18 e 21 de Agosto de 2027. Até lá.

    Os hórarios do MEO KALORAMA foram divulgados, vamos ajudar-te a criar o teu roteiro dentro do festival, prepara-te para não perder nada.

SEXTA, 28 DE AGOSTO

    O KALORAMA começa a ganhar vida ao fim da tarde, quando o calor começa a desaparecer e a Bela Vista se transforma no cenário perfeito para uma noite longa. A programação arranca com Folk Bitch Trio e Anna von Hausswolff, antes de MARO subir ao palco e preparar o terreno para uma noite que vai crescendo de intensidade. Interpol trazem o seu universo nocturno e elegante, Grace Jones promete uma presença absolutamente magnética e Judeline acrescenta uma das vozes mais interessantes da nova geração. E quando já parecer que a noite chegou ao seu ponto alto, ainda há Robbie Williams, às 01h20, para fechar o primeiro grande capítulo do festival.

    Para quem continuar pela madrugada, o Panorama Lisboa é o lugar certo para seguir viagem, com Nathan Fake, Roman Flügel, hunee e outros nomes da eletrónica a prolongarem a noite até às primeiras horas da manhã.

SÁBADO, 29 DE AGOSTO

    O segundo dia começa mais cedo e pede tempo. Tempo para chegar, circular, descobrir um palco pelo caminho e deixar que o alinhamento dite o percurso. Bruno Pernadas abre uma das sequências mais interessantes da tarde, seguido por Vince Staples e Ravyn Lenae, enquanto Unknown Mortal Orchestra traz ao festival o seu universo psicadélico e imprevisível.

    Mas o sábado guarda o seu grande momento para a madrugada. Às 00h05, Ms. Lauryn Hill sobe ao Palco MEO acompanhada por Wyclef Jean, YG Marley e Zion Marley. É um daqueles concertos que ultrapassam o contexto de um festival e carregam consigo uma parte importante da história da música das últimas décadas. Antes disso, há ainda Criolo, Amaro & Dino e, às 23h00, Sam The Kid com Orquestra & Orelha Negra, numa das atuações portuguesas mais aguardadas da edição.

DOMINGO, 30 DE AGOSTO

    O último dia chega com espírito de despedida, mas a programação não deixa espaço para abrandar. TRAVO, High Vis e Peaches vão construindo a noite até Turnstile entrar em palco às 21h45. A banda norte-americana é conhecida pela energia dos seus concertos e promete transformar a Bela Vista num dos momentos mais físicos do festival.

    Depois, a noite segue por outros caminhos. Freddie Gibbs + The Alchemist e Clipse trazem o hip-hop para o centro da programação, enquanto Wednesday acrescenta uma dose de rock alternativo. E à meia-noite e meia chegam os Deftones, responsáveis pelo último grande momento do Palco MEO. No Panorama Lisboa, a despedida continua pela noite dentro com DJ Lycox, DJ Marfox, Nídia e O Ghettõ.

    Três dias, dezenas de artistas e demasiadas possibilidades para conseguir ver tudo. Talvez seja precisamente essa a graça do KALORAMA: chegar com um plano e acabar a noite num palco completamente diferente daquele que tínhamos imaginado.

MEO KALORAMA | 28, 29 e 30 de agosto | Parque da Bela Vista, Lisboa

    A sexta-feira começou cedo no Taboão, com Noko Woi, às 16h15, a abrir o Coura Sem Paredes enquanto o recinto voltava lentamente a ganhar movimento. Pouco depois, às 16h55, Carolina Durante deram início à programação do palco Vodafone, trazendo consigo a energia urgente das guitarras e ajudando a tirar o festival da ressaca de mais uma madrugada. Entre quem chegava, quem ainda procurava um lugar para descansar e quem já estava preparado para mais uma noite, o terceiro dia começou a ganhar forma sem pressa.

    Às 17h55, Strawberry Guy assumiram o Coura Sem Paredes, criando um ambiente mais leve e melódico, enquanto às 18h40 chegava um dos momentos mais especiais da tarde: Sérgio Godinho & Os Assessores com Amigos. A presença de Sérgio Godinho trouxe consigo várias décadas de música portuguesa para um festival que, durante estes dias, tinha sido dominado por diferentes gerações e geografias musicais. O concerto funcionou também como um encontro entre passado e presente, com Os Assessores e os amigos a ajudarem a transportar aquelas canções para o cenário de Coura. Num festival habituado a olhar para o que está a acontecer agora, houve espaço para parar e reconhecer aquilo que já faz parte da história da música portuguesa.

    Enquanto a tarde começava a desaparecer, Ryan Davis & The Roadhouse Band ocuparam o Coura Sem Paredes, às 19h55, preparando o ambiente para uma noite que iria alternar entre diferentes formas de intensidade. No palco principal, às 20h40, Benjamin Clementine trouxe uma presença completamente diferente. A sua voz, a expressividade e a dimensão teatral da atuação fizeram com que o palco parecesse, por momentos, demasiado pequeno para a personalidade do artista. Depois de uma tarde marcada por guitarras e pela celebração da música portuguesa, o festival entrou num território mais dramático e emocional.

    Às 21h55, Terraplana levaram o seu universo para o Coura Sem Paredes, enquanto o palco principal começava a preparar uma das atuações mais aguardadas da noite. Às 22h45, Bloc Party entraram em cena e fizeram Coura regressar às guitarras. A banda britânica trouxe consigo uma parte importante da memória do indie rock dos anos 2000, mas o concerto não viveu apenas da nostalgia. O público respondeu às canções com a intensidade de quem conhece aquelas músicas há anos, criando uma ligação entre diferentes gerações de festivaleiros.

    À meia-noite, Vendredi Sur Mer deram início à transição para a madrugada no Coura Sem Paredes. A atmosfera tornou-se mais eletrónica e dançável, preparando o terreno para aquilo que seria o grande momento da noite. À 01h00, M.I.A. subiu ao palco Vodafone e alterou completamente a escala do festival. A artista trouxe para Coura uma mistura de hip-hop, eletrónica, pop e influências de diferentes partes do mundo, acompanhada por uma presença em palco que transformou o concerto numa experiência visual e física. Depois de uma noite em que a memória e a canção tiveram um papel importante, M.I.A. trouxe o festival para o presente, mas numa atmosfera diferente.

    E a madrugada ainda tinha muito para dar. Às 02h00, Maruja ocuparam o Coura Sem Paredes, acrescentando uma dimensão mais intensa e experimental à noite. O público que permanecia no recinto começava a distribuir-se pelos espaços, já completamente entregue ao ritmo próprio das madrugadas de Coura. Às 03h25, Joy Orbison fecharam a programação, levando o festival para um território de música eletrónica que prolongou a noite até às primeiras horas da manhã.

    Quando Joy Orbison terminou, já depois das três da manhã, o Taboão voltava a entrar naquele estado estranho entre a festa e o silêncio. O terceiro dia tinha atravessado décadas, estilos e estados de espírito sem nunca parecer parado no mesmo lugar. Da voz de Sérgio Godinho aos graves de Joy Orbison, passando pelo dramatismo de Benjamin Clementine, pelas guitarras dos Bloc Party e pelo caos mental de M.I.A., a sexta-feira foi uma viagem que nunca deixou o passado ficar demasiado longe do futuro.

Texto: Sofia Reis

Fotografias: Hugo Lima

    O segundo dia começou no Taboão ainda com as últimas memórias da madrugada anterior, mas sem tempo para recuperar. Às 16h30, Milhanas abriram o Coura Sem Paredes, enquanto o recinto começava novamente a receber os primeiros festivaleiros. Pouco depois, às 17h10, A Garota Não levou ao palco Vodafone a sua voz e a sua escrita, dando início a uma tarde que, à semelhança do primeiro dia, iria crescer lentamente até à madrugada.

    Com Tomode, às 18h00, e Aldous Harding, às 19h00, o festival começou a ganhar diferentes tons. Aldous Harding trouxe para o palco principal uma presença mais misteriosa e singular, criando um ambiente que contrastava com a energia que se começava a formar no resto do recinto. Às 20h00, Friko ocuparam o Coura Sem Paredes, mantendo a sucessão de propostas diferentes que fazia com que, a cada mudança de palco, fosse possível encontrar uma atmosfera completamente nova.

    Quando Kurt Vile & The Violators subiram ao palco Vodafone, às 21h00, o dia já tinha entrado definitivamente na noite. A sonoridade descontraída e psicadélica de Kurt Vile encontrou um cenário particularmente adequado em Coura. Sem necessidade de pressa, as guitarras foram preenchendo o espaço e o público foi-se deixando ficar, numa espécie de suspensão entre a tarde e a noite. Ao mesmo tempo, o Coura Sem Paredes preparava uma mudança de ambiente com Pale Jay, às 22h15, trazendo uma dimensão mais soul e quente à noite.

    Às 23h15, chegaram os Hermanos Gutiérrez. As guitarras dos irmãos suíço-equatorianos deram ao palco principal uma atmosfera quase cinematográfica, como se por alguns minutos o Taboão tivesse deixado de ser apenas um recinto de festival para se transformar no cenário de um filme. A música avançava com espaço e calma, criando um contraste interessante com aquilo que estava prestes a acontecer.

    À meia-noite e meia, Wu Lyf assumiram o Coura Sem Paredes e começaram a empurrar a noite para um território mais intenso. Já não havia propriamente sinais da tarde que tinha começado horas antes. O recinto estava cheio, as luzes dominavam o espaço e a madrugada começava a aproximar-se.

    À 01h30, o palco Vodafone recebeu Underworld, e a transformação ficou completa. O duo britânico trouxe uma dimensão eletrónica que alterou completamente a relação do público com o espaço. Os graves atravessavam o Taboão, as luzes acompanhavam os ritmos e o anfiteatro transformou-se numa enorme pista de dança ao ar livre. Depois de uma tarde marcada pela canção, pelo indie e pelas guitarras, Coura encontrava-se agora mergulhado numa experiência totalmente física, feita para dançar e permanecer acordado.

    Mas a madrugada não terminou com Underworld. Às 02h45, Show Me The Body levaram ao Coura Sem Paredes uma energia muito mais agressiva, enquanto às 03h45 Bassvictim prolongaram a noite. A essa hora, já não era apenas o cartaz que mantinha as pessoas no recinto. Era o próprio ambiente de Coura, aquela vontade de adiar o momento de partir por mais um concerto, mais uma música, mais alguns minutos.

    O segundo dia percorreu assim um caminho muito diferente do primeiro. Se a abertura do festival tinha sido marcada pelo eclipse e por uma sucessão de momentos muito contrastantes, a quinta-feira construiu-se lentamente até desembocar na eletrónica de Underworld. Pelo meio houve a personalidade de A Garota Não, o universo singular de Aldous Harding, as guitarras de Kurt Vile e Hermanos Gutiérrez, a soul de Pale Jay e a intensidade de Wu Lyf e Show Me The Body.

    Quando Bassvictim terminaram, às 03h45, o segundo dia já tinha atravessado mais de onze horas de música. O Taboão começava novamente a esvaziar-se, mas ainda havia luzes, vozes e pequenos grupos a caminhar pelo recinto. A noite tinha começado com calma e terminado em movimento, deixando para trás mais uma madrugada de Coura. E, enquanto o festival começava a preparar-se para um novo dia, ficava a sensação de que o segundo capítulo tinha conseguido fazer aquilo que Coura melhor sabe fazer: mudar completamente de ambiente sem nunca perder o fio à sua identidade.

Texto: Sofia Reis

Fotografias: Hugo Lima

 A tarde começou a ganhar vida no Taboão com Miramar, às 16h45, no Coura Sem Paredes. Ainda com o recinto a encher e o calor do dia presente, o duo abriu a programação num ambiente que permitia ao público entrar lentamente no espírito de Paredes de Coura. Meia hora depois, às 17h25, Westside Cowboy levaram as suas guitarras para o palco principal, começando a transformar a chegada dos festivaleiros numa verdadeira tarde de música. O primeiro dia ainda estava a começar, mas o recinto já começava a ganhar aquele movimento constante de quem vai de palco em palco, entre concertos, encontros e descobertas.

    Às 18h25, foi a vez de Greg Freeman no Coura Sem Paredes, num registo mais próximo e intimista. Uma hora depois, o palco principal recebeu First Breath After Coma + Salvador Sobral, num dos momentos mais particulares de todo o dia. A atuação de A Residência coincidiu com o eclipse solar parcial, fazendo com que a música e o céu acabassem por dividir a atenção do público. Enquanto a luz se transformava sobre o Taboão, os ecrãs transmitiam o fenómeno e milhares de pessoas acompanhavam aquele momento raro. O eclipse não interrompeu o festival; tornou-se parte dele, acrescentando uma dimensão inesperada a uma atuação que já tinha uma natureza especial.

    Com o fim do eclipse e a chegada da noite, o ambiente começou a mudar. Às 20h15, Horsegirl assumiram o Coura Sem Paredes, enquanto no palco principal CMAT preparava uma das mudanças de energia mais evidentes da tarde. 

    Às 21h00, a artista irlandesa trouxe consigo uma presença de palco exuberante, misturando pop, country e uma boa dose de teatralidade. O público já estava mais concentrado no recinto e a atmosfera começava a deixar para trás a tranquilidade das primeiras horas.

    Às 22h05, os Capitão Fausto levaram a sua música para o Coura Sem Paredes, mantendo uma forte presença portuguesa numa noite dominada por diferentes propostas internacionais. Uma hora depois, às 23h05, chegaram as Wet Leg ao palco principal. A banda britânica encontrou um público já completamente envolvido e trouxe uma energia que encaixava naturalmente no ambiente do festival. As guitarras, o humor e a atitude da banda fizeram o recinto avançar definitivamente para a noite, com cada vez menos espaço entre quem tinha vindo especificamente para as ver e quem simplesmente acabou por ficar.

    À 01h25, Kneecap entraram no palco principal e fizeram a noite ganhar novamente velocidade. A intensidade do trio irlandês encontrou um público preparado para a madrugada, criando um dos momentos de maior energia do primeiro dia. Depois de uma tarde que tinha começado de forma gradual e de uma noite que passara pelo ambiente contemplativo do eclipse, a diferença era evidente: agora o Taboão estava completamente acordado.

    Mas o primeiro dia ainda estava longe de terminar. Às 02h40, Getdown Services assumiram o Coura Sem Paredes, mantendo a música viva quando grande parte dos festivais já estaria a caminhar para o fim. E às 04h00, quando a madrugada já se aproximava da manhã, University fecharam a programação. O último concerto marcou o verdadeiro fim de um dia que tinha começado mais de onze horas antes, quando os primeiros sons de Miramar começaram a surgir no recinto.

    Quando University terminaram, às quatro da manhã, já não havia propriamente uma linha entre a noite e o dia. Restavam o cansaço, algumas luzes ainda acesas, vozes perdidas pelo recinto e aquela sensação estranha de que se tinha vivido muito mais do que cabia num único dia. O Taboão tinha passado da calma da tarde à intensidade da madrugada, com um eclipse pelo meio, e agora começava finalmente a respirar depois de horas sem parar. O primeiro dia tinha chegado ao fim, mas em Paredes de Coura a noite nunca parece realmente acabada, fica fica à espera do dia seguinte.

Texto: Sofia Reis

Fotografias: Hugo Lima

    Há qualquer coisa de especial na última grande noite de verão, chama-se MEO KALORAMA. O calor começa a baixar, Lisboa fica mais lenta e, na Bela Vista, as luzes acendem-se uma a uma. Durante três dias, entre 28 e 30 de agosto, o MEO KALORAMA volta a transformar o Parque da Bela Vista num ponto de encontro para milhares de pessoas, com música, arte, gastronomia e um cartaz que atravessa diferentes gerações e linguagens.

    Na sexta-feira, 28 de agosto, Robbie Williams assume o papel de anfitrião de uma primeira noite que promete ser uma das mais fortes da edição. Com décadas de carreira e um repertório que atravessou gerações, o artista britânico chega à Bela Vista para um daqueles concertos pensados para grandes multidões. No mesmo dia, os Interpol levam ao festival o seu rock alternativo de Nova Iorque, enquanto Grace Jones, uma das figuras mais singulares da música e da cultura pop, promete um espetáculo à altura do seu estatuto. MARO, Anna von Hausswolff, Melody’s Echo Chamber e Judeline completam uma programação que passa por diferentes universos musicais.

    No sábado, 29 de agosto, o ambiente muda e o hip-hop ganha um dos principais lugares da programação. Ms. Lauryn Hill é o grande nome do dia e traz consigo uma carreira que marcou profundamente o hip-hop, o soul e o R&B. Ao seu lado, Black Star, Vince Staples e Unknown Mortal Orchestra apresentam diferentes gerações e abordagens à música contemporânea. Ravyn Lenae e Bruno Pernadas são outras das propostas a descobrir num dia que cruza nomes incontornáveis com artistas que continuam a expandir as fronteiras dos seus géneros.

    A fechar o festival, no domingo, 30 de agosto, chegam os Deftones. A banda norte-americana continua a ocupar um lugar muito particular no rock alternativo, mantendo uma identidade que atravessa décadas sem perder relevância. Turnstile, uma das bandas que mais tem contribuído para renovar o hardcore, junta-se a Clipse, Freddie Gibbs + The Alchemist, High Vis, Wednesday e Peaches numa noite particularmente forte para quem procura guitarras, hip-hop e música alternativa. A programação inclui ainda vários nomes da música eletrónica portuguesa, como DJ Lycox, DJ Marfox e Nídia.

    Mas o KALORAMA não se esgota nos palcos. Uma parte importante da identidade do festival está também na relação que estabelece com o território onde acontece. A Bela Vista não é apenas o cenário dos concertos, mas um espaço onde existe uma comunidade durante todo o ano. Nesse sentido, o festival tem procurado desenvolver iniciativas que aproximam moradores, estruturas locais e público, criando uma relação mais próxima com quem vive na zona e procurando que a presença do evento possa gerar envolvimento para lá dos três dias de programação.

    A sustentabilidade é outra das dimensões que tem vindo a ganhar espaço na construção do festival. A gestão de resíduos, a redução do desperdício, a mobilidade, a utilização mais consciente dos recursos e a sensibilização do público fazem parte de uma preocupação crescente em torno do impacto ambiental de um evento desta dimensão. A ideia é que um festival possa continuar a crescer e a receber milhares de pessoas sem deixar de pensar no território que ocupa e nas consequências da sua presença.

    Entre um concerto e outro, há ainda espaço para a arte, a gastronomia, a eletrónica e para aquela parte dos festivais que não aparece no alinhamento. São os encontros inesperados, as descobertas de última hora, o artista que não conhecíamos e que acaba por se tornar uma das memórias do fim de semana. É também aí que está uma das forças do KALORAMA: na capacidade de construir uma experiência que não depende apenas dos grandes nomes do cartaz, mas que convida o público a percorrer o recinto e a descobrir aquilo que acontece pelo caminho.

    De 28 a 30 de agosto, Robbie Williams, Ms. Lauryn Hill e Deftones lideram três dias com identidades muito diferentes, mas unidos pela mesma vontade de juntar música, pessoas e cidade. Quando as últimas luzes se apagarem na Bela Vista, fica a sensação familiar dos grandes festivais: a de que durante três dias estivemos noutro lugar, mesmo estando em Lisboa.

    Há bandas que só fazem álbuns e concertos e há outras como os Os MДQUIИД. entram em combustão e fazem-nos a nós entrar também. São daquelas bandas que podes ver vinte vezes que o teu corpo vai sentir sempre o mesmo.

    Nos últimos dois anos, o trio lisboeta construiu uma reputação rara: concertos onde o palco deixa de ser fronteira e passa a ser epicentro. O público responde em cadeia, corpos projetados sobre a multidão, crowdsurfing, circle pits que parecem abrir crateras no chão, volume suficiente para transformar repetição em transe. Quem os viu ao vivo sabe que há qualquer coisa de físico na experiência. Como se a música deixasse de ser som para passar a ser impacto. Para nós a pergunta inevitável é: como se grava isso? e a resposta chama-se BODY TRANSMISSION.

    Editado pela londrina Fuzz Club, o segundo LP dos MДQUIИД. chega depois de um dos períodos mais intensos da carreira da banda. O caminho até aqui foi sendo desenhado através dos singles "pressure/pleasure" e "agony", da colaboração com o duo catalão Dame Area em "dança" e da estreia dos MДQUIИД. num tema totalmente instrumental com "simulation". O álbum reúne agora todas essas peças, mas revela uma transformação mais profunda:  o trio funde impulso das jams com a arquitetura da canção.

    Pelo meio, houve uma extensa digressão europeia, a primeira passagem pelo Brasil, uma atuação na icónica KEXP, integrada no Trans Musicales 2025, e uma sucessão de concertos em festivais como The Great Escape Festival, Festival Impulso, Basqueiral e Rock in Bourlon, em França. Em palco, o ritual repetiu-se noite após noite, culminando num dos momentos mais memoráveis da digressão, quando Silvia Konstance, metade do duo catalão Dame Area, subiu ao palco para interpretar "dança" com a banda.

    Mas BODY TRANSMISSION não é um souvenir dessa viagem. É a consequência dela.

"Obrigámo-nos a escrever canções em vez de apenas captar jams. Queríamos que soasse pesado, concentrado e dançável. É um álbum sempre a abrir."

    A frase parece simples. Na prática, redefine completamente a banda.

    Se PRATA (2024) respirava como uma massa viva, expandindo-se, contraindo-se e encontrando força na repetição, BODY TRANSMISSION funciona como uma máquina industrial perfeitamente calibrada, nada sobra, nada abranda. Cada riff entra exatamente quando deve. Cada batida parece empurrar a seguinte e cada silêncio existe apenas para tornar a próxima explosão inevitável.

    É um disco construído sobre fricção. Noise rock contra techno. Krautrock contra thrash metal. Industrial punk contra EBM. O motorik alemão encontra a violência de Arise, dos Sepultura; as sombras eletrónicas de Schwefelgelb cruzam-se com o ADN pós-punk dos Section 25 e a agressividade de Fugitive. Em vez de parecer um exercício de referências, BODY TRANSMISSION faz algo mais difícil: dissolve todas essas linguagens até formar um vocabulário próprio.

    As dez faixas, "4-to-the-floor", "collapsing", "dança", "agony", "bizarro", "valve", "simulation", "step on me", "out of fear" e "pressure/pleasure", comportam-se menos como capítulos independentes do que como uma única corrente elétrica. O álbum quase nunca oferece descanso. Quando parece perder intensidade, está apenas a ganhar impulso.

    Também nas letras existe uma ambição renovada. Temas como "agony" mergulham em questões como a desinformação, o conflito e a alienação, enquanto o restante disco aborda ansiedade, isolamento e a pressão constante da vida contemporânea. Mesmo quando o discurso se torna sombrio, a música recusa o imobilismo: há sempre um ritmo insistente a empurrar tudo para a frente.

    A receção inicial confirma aquilo que os concertos já deixavam adivinhar. BODY TRANSMISSION tem sido apontado por vários meios especializados como um dos lançamentos mais marcantes do ano no universo do noise rock e da música alternativa europeia, elogiado pela capacidade de transportar para estúdio a intensidade quase incontrolável que fez dos MДQUIИД. uma das propostas mais excitantes do circuito underground europeu.

    BODY TRANSMISSION não representa apenas uma evolução em relação a PRATA. É o momento em que os MДQUIИД. deixam de tentar documentar o caos e passam finalmente a dominá-lo. O resultado é um disco simultaneamente mais disciplinado e mais violento, onde a repetição deixa de ser apenas hipnose e passa a ser linguagem, e onde cada canção parece existir no instante imediatamente anterior ao impacto.

    É esse equilíbrio entre precisão e descontrolo que faz de BODY TRANSMISSION o trabalho mais conseguido da banda até à data. Não soa como um concerto gravado. Soa ao momento em que a eletricidade salta do palco para o corpo, antes mesmo de haver tempo para reagir.

Texto: Sofia Reis

Fotofrafia: Emmnuel Poteau

    IDLES brought one of the night’s most intense performances to the Primavera Sound Porto stage. In front of a crowd that quickly became a sea of moving bodies, the British band tore through 17 songs across roughly 85 minutes, driven by heavy guitars, mosh pits and a relentless sense of momentum. “Levitator”, the opening track, set the tone for a show led by Joe Talbot’s commanding presence and his direct connection with the crowd.

    “Never Fight a Man With a Perm” and “Mother” immediately carried that intensity forward. The band’s sharp guitars and muscular rhythm section found a crowd ready to match every shift in pace. Across Parque da Cidade, the music took on a physical dimension: arms in the air, bodies jumping, crowdsurfers cutting through the audience and mosh pits turning the space in front of the stage into a constantly moving organism.

    The setlist travelled across several chapters of the IDLES catalogue, taking in Brutalism, Joy as an Act of Resistance., Ultra Mono, CRAWLER and TANGK. The 17-song selection created a dynamic arc, placing established favourites alongside newer material and shaping the performance through constantly shifting levels of intensity.

    “Gift Horse” and “When the Lights Come On”, both from TANGK, sat naturally alongside “Mr. Motivator”, “Divide and Conquer” and “The Wheel”. Bringing different eras of the band’s catalogue together highlighted the consistency of an identity that has developed over the years. On the Primavera Sound stage, those songs took on another dimension, each one receiving an immediate response from the crowd.

    Joe Talbot was the main catalyst for that exchange. The frontman commanded the stage with an intense presence, moving between screams, physical gestures and direct moments of communication with the audience. His performance balances confrontation with intimacy, turning the songs into meeting points for themes of identity, masculinity, solidarity and vulnerability.

    “I’m Scum” and “Gratitude” brought a more emotional layer to the set. Beneath the force of the guitars and drums, there was room for introspection, revealing the IDLES’ ability to turn personal experience into moments of collective recognition.

    The intensity surged again with “Car Crash”, “1049 Gotho” and “POP POP POP”. Between songs, a brief burst of Peaches’ “Fuck the Pain Away” added an unexpected twist before “War”. Later, “Danny Nedelko” became another celebratory high point, incorporating a passage from “I Will Survive” and reinforcing the theatrical, spontaneous character of the performance.

    The construction of the setlist proved crucial to the show’s momentum. Each song operated as part of a larger narrative, with moments of heightened tension giving way to passages of greater emotional weight. The result was a performance in constant motion, capable of holding the crowd’s attention from its opening notes to its final moments.

    “Dancer”, towards the end of the set, paved the way for “Rottweiler”. The final song brought the approximately 85-minute performance to a close, completing a journey that had begun with “Levitator”. Across 17 tracks, IDLES turned their catalogue into a collective experience in which music, movement and audience participation became part of the same language.

    The scale of Primavera Sound Porto amplified that effect. Parque da Cidade’s open setting allowed the band’s energy to spread through the crowd, creating a particularly strong connection between stage and audience. Every chorus seemed to return to the band with renewed force, establishing a continuous exchange between the two.

    IDLES delivered a physical, emotional and deeply communicative performance. Their music became a meeting point for anger, vulnerability, humour and celebration, while Joe Talbot emerged as the central figure in an experience built around constant interaction with the crowd.

    When “Rottweiler” came to an end, what remained was the image of an exhausted, exhilarated audience after 85 minutes of sustained intensity. At Primavera Sound Porto, IDLES turned Parque da Cidade into a space of collective catharsis, where every guitar, every beat and every voice contributed to the same sensation: the feeling of being part of something larger than the concert itself.

    Check out our IDLES photos on our Instagram and show us some love.

Words by Sofia Reis

Photos by Hugo Lima

    By the third day of Primavera Sound Porto 2026, the festival had fully settled into its own rhythm. The early sense of exploration had given way to familiarity. The paths through City Park were no longer routes to be discovered, but places people instinctively understood. Favourite meeting points had emerged, the shade beneath the trees had become part of daily routines and the movement between stages carried the confidence of an audience that already knew the language of the festival. Yet the feeling was not one of repetition. If anything, the third day brought a stronger sense of anticipation. Primavera Sound Porto had reached a point where every performance felt connected to everything that had happened before, while still leaving room for unexpected encounters.

    The park had become more than a festival venue. It had become a temporary city. Across the lawns, people rested between concerts, exchanged impressions of previous performances and planned the next few hours while surrounded by thousands of others following their own routes through the programme. Some arrived early for artists they already knew. Others wandered without a fixed destination, allowing the festival to decide where they would end up. That balance between intention and discovery has always been one of Primavera Sound Porto's greatest strengths. By the third day, the audience was more experienced, but no less curious. The atmosphere throughout City Park carried a different kind of energy. There was less urgency than on the opening day, but a greater sense of attention. Every stage represented a different possibility, and every concert contributed to the larger identity of a festival built around musical diversity rather than a single dominant sound.

    A day that began with different voices, the afternoon opened with a series of performances that immediately established the range of the day's programme. On the Estrella Damm Stage, NAPA began the day with a light and direct performance, offering a relaxed entry point into a programme that would gradually increase in intensity. Their approach created a welcoming atmosphere, allowing the audience to settle into the afternoon while the festival continued to fill around them. 

    Over on the ZYN Stage, The Sophs introduced a more restrained and introspective mood. Their performance relied on subtle details and careful construction, creating a quieter space within the movement of the wider festival.

    At the Primavera Stage, Aiko el grupo brought a different kind of immediacy. Their pop-driven approach connected quickly with the audience, delivering a performance based around energy, accessibility and direct communication.

    Then, on the Vodafone Stage, Triángulo de Amor Bizarro introduced the first major shift in intensity. The Spanish band have built their reputation around the tension between noise and melody, and their live performance reflected that constant balance. Dense guitars, sharp changes in dynamics and a feeling of controlled pressure gave their set a powerful presence. It was an early reminder that the third day would not follow a single emotional direction.

    The festival begins to deepen, as the afternoon progressed, Primavera Sound Porto moved into a more structured and confident phase.

    Yard Act, performing on the Estrella Damm Stage, brought one of the day's most distinctive approaches. The Leeds group have always treated songwriting as a form of observation, combining post-punk rhythms with sharp social commentary and a particular attention to language. Live, those qualities became even more apparent. James Smith delivered each lyric with precision, moving between spoken-word phrasing, irony and criticism while the band built a sound that felt both immediate and carefully arranged. Their performance transformed the stage into a space for collective reflection, where songs became conversations about the world outside the festival itself.

    On the Vodafone Stage, Mike D offered a completely different perspective, using his set as a journey through the history and evolution of hip hop. With a career spanning decades, his presence carried the weight of experience, but the performance was not simply a celebration of the past. Instead, it worked as a carefully curated exploration of sounds, influences and cultural moments that shaped the genre over time. The result was a reminder that musical history is never static. It continues to move through generations, constantly being reinterpreted by new audiences.

    At the Primavera Stage, Duquesa delivered one of the strongest Portuguese performances of the day. With confidence and a clear sense of identity, the artist demonstrated why national acts continue to occupy an increasingly important position within the Primavera Sound Porto landscape. The performance felt assured and direct, connecting naturally with an audience ready to embrace both established international names and emerging local voices.

    Meanwhile, at the ZYN Stage, Criolo, Amaro & Dino created one of the day's most fluid musical encounters. Their performance was built around exchange. Different backgrounds, influences and traditions met without losing their individuality, creating a set defined by movement and collaboration. Rather than presenting different styles as separate elements, they allowed them to exist together naturally. It was precisely the kind of meeting point that Primavera Sound Porto has become known for creating.

    By the end of the afternoon, the third day had already revealed its central idea, this was a festival at full capacity, not only in terms of audience numbers, but in terms of musical possibilities. The programme was not asking listeners to choose between different worlds, it was inviting them to move between all of them. As evening arrived at City Park, the third day of Primavera Sound Porto 2026 entered a more emotionally charged phase. The afternoon had been defined by ideas, textures and different approaches to songwriting. Now, as the light disappeared and the stages became the centre of attention, the festival began to move between celebration, experimentation and deeper moments of reflection.

    The night opened with a series of performances that once again demonstrated the breadth of Primavera's vision.

    On the Estrella Damm Stage, JADE brought a direct and energetic approach to pop, creating one of the evening's most immediate connections with the audience. Her performance was built around confidence, movement and a sense of shared celebration, with the crowd responding from the first moments. Rather than relying on distance or spectacle, the concert worked through proximity. Every song strengthened the connection between artist and audience, turning the stage into a meeting point between performer and those watching.

    Over on the Primavera Stage, Sudan Archives delivered one of the most distinctive performances of the day. The Los Angeles artist has always existed somewhere between tradition and experimentation, combining violin, electronic production and physical performance into a language entirely her own. Live, those elements became even more powerful. The violin was not simply an instrument within the arrangement. It became part of the movement, the rhythm and the visual identity of the performance. Sudan Archives created a set that felt constantly in motion, where sound and body worked together as part of the same expression. It was one of the moments that best represented Primavera's willingness to give space to artists who refuse simple categories.

    At the ZYN Stage, Smerz offered a completely different experience, the Norwegian duo created a more controlled and minimalist atmosphere, using space and restraint as essential parts of their performance. In the middle of a festival day increasingly defined by intensity, their set provided a moment of concentration. Rather than filling every second with sound, Smerz allowed silence and detail to become part of the music. It was a quieter but equally important moment, proving once again that intensity does not always come from volume.

    On the Vodafone Stage, Amaarae shifted the atmosphere once again. Her performance transformed the space into a celebration of rhythm, movement and connection. Blending pop, R&B and contemporary influences, she created an environment where the audience became part of the performance itself. The energy was immediate and constant, with the crowd responding to every change in pace. It was another example of the festival's ability to move effortlessly between introspection and collective celebration.

    Massive Attack and the weight of the night. As the night progressed, Primavera Sound Porto reached one of its most significant moments of the entire 2026 edition. Massive Attack arrived on the Estrella Damm Stage with a performance that went far beyond a traditional concert. Few bands have developed such a strong relationship between sound, image and social commentary. Since the beginning of their career, Massive Attack have created music that reflects the tensions of the world around them, and their live performances continue that tradition. From the opening moments, the stage became a carefully constructed audiovisual experience. Images, messages and music existed together, creating a performance where every element carried purpose. The songs did not simply follow one another. They built a larger narrative, one that explored politics, society and the emotions that exist beneath both. The weight of the performance came not only from the band's catalogue, but from the way those songs felt connected to the present moment. Tracks that have travelled across decades still carried urgency, proving that some music does not age because the questions behind it remain unresolved. The audience watched with complete attention.

    But Primavera's third day was never built around a single emotional register. After the intensity and atmosphere of Massive Attack, the festival moved towards a different kind of release.

    On the Vodafone Stage, IDLES brought their unmistakable physical energy to the crowd. The British band's live reputation has always been built around connection, and that relationship was immediately visible. The performance was direct, loud and built around movement, with the audience responding as an active part of the show rather than distant observers. Every song created a reaction. The space in front of the stage became a constant exchange of energy between band and crowd, reflecting the sense of community that has become central to IDLES' identity.

    At the ZYN Stage, fakemink explored a different territory entirely. Their performance embraced fragmentation and experimentation, creating a sound world that challenged traditional structures and demanded attention in a different way. It was another example of Primavera's willingness to place artists with contrasting approaches side by side without forcing them into the same conversation.

    The night ended at the Primavera Stage with Model/Actriz, who delivered one of the most physically intense performances of the festival so far. Their music has always been built around tension, repetition and increasing pressure, and the live show amplified those qualities. Each song seemed to push forward without release, creating a performance that grew more intense with every moment. It was a fitting conclusion to a day defined by movement between extremes.

    From the precision of Yard Act to the force of IDLES, from the cultural dialogue of Criolo, Amaro & Dino to the energy of Amaarae, from Sudan Archives' unique combination of sound and performance to Massive Attack's audiovisual scale, the third day revealed a festival comfortable with complexity. Primavera Sound Porto does not need every stage to tell the same story, its strength comes from allowing different narratives to exist at the same time. The third day confirmed that identity once again. It was a day where intensity took many forms, where quiet moments carried as much importance as louder ones and where every audience member could create their own path through the programme.

    And with the fourth day still ahead, the festival had one more transformation waiting. After three days built around guitars, voices, experimentation and unexpected connections, Primavera Sound Porto was ready to enter another dimension entirely: the world of electronic music.

Words By Sofia Reis

Photos by Hugo Lima