O último dia começou com uma sensação diferente no Taboão. Depois de três dias de música, noites longas e um recinto que já fazia parte da rotina de quem ali estava, havia no ar aquela consciência inevitável de que tudo estava a chegar ao fim. Às 16h30, Noiserv abriu o Coura Sem Paredes, enquanto pouco depois, às 17h10, Patrick Watson, sozinho ao piano, dava início à programação do palco Vodafone. Era uma forma particularmente adequada de começar o último capítulo: depois de dias de grandes produções e multidões, o festival começava com a simplicidade de uma voz, um piano e um espaço inteiro disposto a ouvir.

    Às 18h10, Hudson Freeman continuou a tarde no Coura Sem Paredes, enquanto Cate Le Bon, às 18h55, levava para o palco principal a sua personalidade artística singular. A tarde avançava lentamente, mas já se sentia que o último dia tinha uma identidade própria. Não havia a urgência dos primeiros dias; havia uma espécie de vontade de aproveitar cada momento, como se cada concerto trouxesse consigo a consciência de que aquele seria o último fim de tarde passado no Taboão.

    Às 19h55, Sophia Stel ocupou o Coura Sem Paredes e, pouco depois, às 20h45, Meute fizeram o palco Vodafone explodir de energia. A banda alemã transformou a música eletrónica em espetáculo através de metais e percussão, levando para o recinto uma força física que rapidamente contagiou o público. Depois de um início de tarde mais contemplativo, o ambiente mudou completamente: já não era apenas uma questão de ouvir música, mas de sentir o ritmo a atravessar o espaço.

    Enquanto a noite avançava, Julia Mestre atuava às 21h45 no Coura Sem Paredes, criando um contraste com a intensidade que se sentia no palco principal. Às 22h45, Thundercat assumiu o protagonismo, trazendo consigo o seu baixo virtuoso e uma sonoridade impossível de encaixar numa única categoria. Funk, jazz, soul e eletrónica encontraram-se num concerto que manteve o último dia em movimento e deu ao festival mais um daqueles momentos em que a música parece existir num território próprio.

    Às 23h45, Prostitute levaram o Coura Sem Paredes para uma dimensão mais crua e intensa. Já perto da meia-noite, o recinto começava a entrar naquele estado característico da última noite: toda a gente sabe que é a última oportunidade para estar ali, por isso ninguém parece ter pressa de abandonar o espaço. Há quem dance, quem procure os últimos concertos, quem se sente na relva e quem simplesmente fique parado a absorver o ambiente.

    Às 00h35, Amyl and the Sniffers chegaram ao palco Vodafone e trouxeram consigo a descarga de energia que a última noite pedia. O punk da banda australiana encontrou um público já completamente entregue, transformando o palco numa explosão de movimento. Era difícil imaginar uma forma mais direta de entrar na reta final do festival: guitarras, suor, gritos e uma multidão que parecia querer gastar as últimas reservas de energia antes do adeus.

    Mas ainda havia madrugada pela frente. À 01h35, Dame Area assumiram o Coura Sem Paredes, prolongando a noite com uma sonoridade marcada pela eletrónica e pelo pós-punk. E, às 02h50, Marie Davidson, em DJ set, ficou encarregada de conduzir os últimos resistentes pela madrugada. Já não havia amanhã de festival para esperar. Cada música tinha agora um peso diferente porque era uma das últimas.

    E talvez seja essa a parte mais estranha do último dia, durante horas, o festival continua a funcionar exatamente como nos dias anteriores, mas por baixo de tudo existe a certeza de que desta vez não haverá outro concerto depois daquele. Quando Marie Davidson terminou, o Taboão começou finalmente a perder o som, as luzes foram desaparecendo e o espaço que durante quatro dias tinha sido ocupado por milhares de pessoas começou a recuperar o silêncio.

    O último dia não precisou de um grande momento para se despedir. Teve Patrick Watson ao piano, a energia de Meute, a liberdade musical de Thundercat, a explosão de Amyl and the Sniffers e a eletrónica que levou a madrugada até ao fim. Mas, acima de tudo, teve aquela sensação inevitável de despedida que se instala quando já não há mais horários para consultar nem concertos para esperar. Quando a última música terminou, não acabou apenas uma noite, começou o silêncio de um lugar que, durante quatro dias, nunca pareceu dormir, mais de 115 mil pessoas estiveram no Couraíso e agora só nos resta esperar pela próxima edição, que será entre 18 e 21 de Agosto de 2027. Até lá.

    Houve qualquer coisa de especial na presença dos MEUTE no Vodafone Paredes de Coura. A banda alemã chegou ao palco Vodafone para transformar a eletrónica em algo completamente físico, orgânico e impossível de ignorar. Com metais, percussão e uma energia aparentemente inesgotável, os MEUTE fizeram aquilo que sabem fazer melhor: pegar em música eletrónica e levá-la para o território de uma verdadeira banda de rua.

    O concerto tenha começado muito antes da chegada ao palco. Durante a tarde, os MEUTE já tinham aparecido no recinto para uma atuação inesperada no meio da relva, rodeados pelo público e sem a distância habitual entre palco e plateia. Foi um daqueles momentos espontâneos que fazem um festival ganhar outra dimensão. Quem estava por ali acabou por se aproximar, formando rapidamente uma roda à volta da banda, enquanto os metais e a percussão faziam o resto.

Ver os MEUTE na relva e, horas depois, no palco principal, permitiu perceber duas faces diferentes da mesma banda. Se na atuação improvisada havia proximidade e a sensação de estarmos perante uma verdadeira banda de rua, no palco Vodafone essa energia ganhou uma escala muito maior.

    Quando começaram a tocar, quem não os conhecia percebeu rapidamente que não estava perante uma simples atuação de música eletrónica. Não havia DJs escondidos atrás de uma mesa. Havia músicos a tocar, a suar e a mover-se em palco, com trompetes, saxofones, trombones e percussão a criarem uma parede sonora que atravessava o recinto, era impossível não dançar.

    A música dos MEUTE vive precisamente dessa transformação. Tem a base e a pulsação da eletrónica, mas ganha outra dimensão quando é interpretada por uma formação inteira de músicos. Os beats continuam presentes, mas são os instrumentos tocados em palco que dão ao som uma energia diferente, mais humana e imprevisível.

    O público respondeu desde os primeiros momentos, o ritmo puxava pelo corpo e rapidamente o recinto transformou-se numa enorme pista de dança. Cada entrada dos metais acrescentava uma nova camada e a percussão mantinha tudo em movimento. A banda funcionava com uma precisão impressionante, mas sem perder a espontaneidade que torna cada atuação tão especial.

    Durante o concerto, falámos também com um grupo de portugueses que vive na Alemanha e que estava em Coura precisamente por causa dos MEUTE. Foi daqueles encontros que nos ficam. Gostamos particularmente de encontrar pessoas nos concertos que estão ali por uma banda específica, que conhecem o que estão a ver e que vieram de propósito para viver aquele momento. Há qualquer coisa de especial nessa dedicação.

    E a relação com o público não terminou em Coura,     poucos dias depois, os MEUTE voltaram a encontrar-se com as pessoas em Portugal, levando a sua música gratuitamente para a rua, primeiro no Porto e depois em Lisboa. Mais uma vez, a banda escolheu aproximar-se das pessoas e levar o concerto para fora dos espaços tradicionais.

Essa escolha diz muito sobre aquilo que os MEUTE são. A música deles parece pedir precisamente esse contacto direto. Funciona num festival, numa sala, numa rua ou no meio da relva. Onde houver espaço para juntar pessoas, tocar e dançar, existe espaço para os MEUTE.

    Em Coura, essa capacidade ficou particularmente evidente porque tivemos a oportunidade de os ver em dois contextos completamente diferentes no mesmo dia. Primeiro, próximos do público, na relva. Depois, diante de milhares de pessoas, no palco Vodafone.

    Os MEUTE são uma banda que não precisa de paredes para criar um concerto. Pode ser na relva, num palco ou no meio da rua. Basta juntar metais, percussão, músicos com um enorme talento e capacidade para os fazer soar assim e um público com vontade de dançar.

    Quando os Prostitute chegaram ao Coura Sem Paredes, o Vodafone Paredes de Coura já estava completamente mergulhado na noite. Depois da dimensão mais festiva e acessível dos concertos que tinham passado pelo palco Vodafone, a banda trouxe consigo uma atmosfera mais pesada, desconfortável e difícil de ignorar.

    O som dos Prostitute não parece interessado em facilitar a vida a quem está a ouvir, há uma base de noise, punk e post-hardcore, mas também uma vontade evidente de levar cada música para um lugar mais extremo. As guitarras são agressivas, a bateria parece estar constantemente a ameaçar perder o controlo e tudo acontece com uma intensidade que não deixa muito espaço para respirar.

    No centro de tudo está Kazra, cuja presença em palco funciona quase como mais um instrumento. A voz não surge simplesmente para acompanhar a música, é usada como mais uma camada de tensão, entre gritos, palavras e momentos em que parece estar prestes a romper completamente com aquilo que a banda está a construir. Essa é talvez uma das características mais interessantes dos Prostitute ao vivo: há uma sensação constante de instabilidade. Mesmo quando a banda parece estar perfeitamente controlada, existe qualquer coisa que nos faz pensar que tudo pode desabar a qualquer momento.

    O resultado é um concerto particularmente físico. As guitarras criam uma parede de som, a bateria empurra tudo para a frente e Kazra movimenta-se no meio daquele caos como se estivesse simultaneamente a provocá-lo e a tentar escapar dele. Não é uma atuação feita para ficar simplesmente a observar. A música exige uma reação e houve muita, o publico estava on fire.

    No Coura Sem Paredes, essa intensidade encontrou um público já preparado para a madrugada. A energia do recinto tinha mudado e os Prostitute aproveitaram esse momento para criar um ambiente muito próprio, mais escuro e agressivo. Era música para quem ainda queria descobrir até onde a noite podia ir.

    Há também uma diferença importante entre ouvir os Prostitute numa gravação e vê-los num palco. Em disco, conseguimos perceber melhor as diferentes camadas da música. Ao vivo, essas camadas parecem juntar-se numa massa única de som, onde a guitarra, a bateria e a voz se confundem e ganham uma dimensão mais bruta.

    Os Prostitute não procuram tornar o noise bonito nem o punk confortável, eles pegam nesses elementos e deixam-nos existir na sua forma mais áspera, criando uma experiência que pode ser desconcertante, mas que dificilmente passa despercebida.

    Quando a atuação avançava, já não havia grande preocupação em separar cada elemento, o importante era a sensação criada pelo conjunto: o peso das guitarras, a bateria, os gritos e aquela tensão permanente que atravessava o espaço e claro a energia que se misturava com a energia do público, como se fosse uma extensão deles mesmos

    Os Prostitute não foram ao Coura para tornar a noite mais fácil, ou agradar, foram para a tornar mais intensa. Entre noise, punk, post-hardcore e uma presença em palco impossível de ignorar, deixaram no Coura Sem Paredes um dos momentos mais crus da noite e mais intensos, foi um daqueles concertos que não pedem necessariamente para ser compreendidos, mas que exigem ser sentidos. Estamos ansiosos por os voltar a ver. 

Texto: Sofia Reis

Fotografias: Hugo Lima

    Às 18h40, quando Sérgio Godinho entrou no palco Vodafone, não chegou sozinho. Trouxe consigo Os Assessores e uma verdadeira pequena comunidade de músicos, num concerto pensado como encontro entre gerações e como celebração da liberdade. Samuel Úria, Manuela Azevedo, Milhanas, A Garota Não, Ana Lua Caiano e Capicua foram entrando ao longo da atuação, fazendo com que aquilo que podia ser apenas uma celebração de uma carreira com mais de cinquenta anos se transformasse numa coisa muito mais viva: uma canção portuguesa a ser passada de mão em mão.

    O horário podia parecer demasiado cedo para um dos grandes momentos da tarde. O próprio Sérgio Godinho manifestou preocupação com isso, sobretudo pela possibilidade de o público ainda não ter chegado ao recinto. Mas a resposta esteve à vista quando subiu ao palco: o anfiteatro estava cheio. A moldura humana na encosta era lindíssima e, olhando para ela, tornava-se difícil imaginar que aquele concerto pudesse ter começado cedo demais.

    Godinho tem 80 anos, mas a idade pareceu mais um dado biográfico do que uma explicação para aquilo que estava a acontecer em palco. Não havia ali uma figura a ser homenageada à distância. Havia um músico no centro do palco, atento, concentrado e ainda completamente dentro das suas canções. E talvez seja essa uma das coisas mais impressionantes em Sérgio Godinho: ouvir hoje temas escritos há décadas sem que pareçam peças de um passado fechado.

    O que tornava aquela moldura humana ainda mais bonita era a sua diversidade, havia público de todas as idades, desde quem cresceu com aquelas canções até uma geração muito mais jovem, que decidiu chegar cedo ao festival precisamente para as ouvir. Do mais novo ao mais velho, estavam todos a cantar. Não havia uma fronteira entre gerações, durante aquele concerto, as canções pertenciam a todos.

    O concerto começou por passar por “Grão da Mesma Mó” e “Cuidado com as Imitações”, antes de chegar a “Maré Alta”, com Samuel Úria. A presença dos convidados foi dando novas cores às canções, não se tratava simplesmente de chamar artistas conhecidos para fazer participações, cada entrada alterava a textura do espetáculo e fazia com que aquelas músicas ganhassem outra vida.

    Quando chegou “A Democracia”, com Ana Lua Caiano, a palavra ganhou naturalmente outro peso. Depois veio “Balada da Rita”, com A Garota Não, e o palco foi-se tornando cada vez mais numa espécie de retrato da música portuguesa contemporânea. Artistas de gerações diferentes encontravam-se nas canções de Godinho sem as transformar em relíquias.

    E havia uma ideia a atravessar tudo: a liberdade não como uma palavra antiga, mas como uma coisa que ainda precisa de ser cantada. Foi isso que deu particular força ao concerto. “Liberdade”, composta em 1974, continua a ser o eixo deste espetáculo Liberdade25, mas Godinho não precisou de transformar a atuação numa aula de História. As próprias canções carregam a memória. O público conhece-as, reconhece-as e, sobretudo, sabe que continuam a dizer qualquer coisa no presente.

    Há ainda uma dimensão particularmente forte nas palavras de Sérgio Godinho quando olhamos para o momento histórico em que começou a escrever. Eram tempos de ditadura, em que a liberdade era uma coisa pela qual se sonhava e que muitos desejavam conquistar. Hoje não vivemos numa ditadura, mas isso não significa que a nossa liberdade seja exatamente a mesma de então ou que não tenhamos perdido parte dela pelo caminho. Godinho lembrou precisamente isso: a liberdade não é uma coisa que possamos simplesmente tomar como garantida. Pode diminuir sem que nos apercebamos, pode ser condicionada de formas que não são imediatamente políticas ou evidentes, e pode desaparecer aos poucos do nosso quotidiano. Talvez por isso aquelas canções tenham soado tão atuais em Coura. Não porque estejamos a viver o mesmo tempo, mas porque continuam a lembrar-nos que a liberdade, depois de conquistada, também precisa de ser cuidada.

    A certa altura, o concerto desviou-se para “Domingo”, tema originalmente popularizado pelo Conjunto António Mafra. Foi uma escolha inesperada e deliciosa dentro do alinhamento, mostrando outra faceta de Godinho, a capacidade de olhar para a música popular portuguesa sem preconceitos e de a trazer para o seu próprio universo.

    Depois apareceu Manuela Azevedo, primeiro em “Espetáculo” e mais tarde, juntamente com Samuel Úria, em “Os Vampiros”, de José Afonso. A canção ganhou naquele contexto uma força particular. Não era apenas uma homenagem a Zeca Afonso, era mais uma ponte entre diferentes momentos da história da música portuguesa e entre artistas que, décadas depois, continuam a encontrar nas mesmas palavras motivos para cantar.

    Com Capicua, chegou “Liberdade”, e o palco foi-se enchendo ainda mais de vozes. No final, todos os convidados juntaram-se a Godinho para aquela que era, desde o início, a canção que dava nome ao espetáculo. O resultado teve menos de final protocolar e mais de celebração coletiva. A canção deixou de pertencer apenas a Sérgio Godinho e passou a pertencer àquele palco inteiro.

    Ainda houve tempo para “Com um Brilhozinho nos Olhos”, “O Fugitivo” e “O Primeiro Dia”, completando um alinhamento que atravessou diferentes momentos da carreira. E talvez seja precisamente essa variedade que tornou o concerto tão especial: havia canções políticas, canções de amor, histórias, ironia, memória e canções que parecem ter sido escritas para sobreviver ao tempo.

    Mas o mais bonito aconteceu na relação entre Godinho e os convidados. Não parecia haver uma tentativa de mostrar quem era a estrela maior. O palco funcionava como uma mesa onde todos tinham lugar. Cada músico chegava, cantava, acrescentava qualquer coisa e deixava a canção seguir o seu caminho.

    E depois aconteceu algo que tornou o concerto ainda mais especial. Quando terminou, começámos a ver grande parte daquele público, sobretudo muitos dos mais jovens, a sair do recinto. Não estavam a abandonar o festival. Tinham ido para lá directos da praia fluvial para assistir ao concerto e, agora, voltavam à sua noite: jantar, tomar banho e regressar depois ao festival. É um detalhe aparentemente pequeno, mas que diz muito sobre a importância que aquele momento tinha tido para eles. Tinham organizado a própria tarde em função de Sérgio Godinho.

    Sendo uma geração tão nova, foi particularmente bonito assistir a essa atitude. Num festival onde convivem artistas de diferentes épocas, aqueles jovens tinham escolhido estar ali, naquele horário, para ouvir músicas que nasceram muito antes de eles próprios. Não estavam apenas a reconhecer um nome histórico, estavam a cantar as canções.

    O público percebeu isso. Havia diferentes gerações diante do palco, muitas delas provavelmente separadas por décadas de música, mas reunidas nas mesmas palavras. Sérgio Godinho conseguiu uma coisa difícil: fazer com que uma carreira com mais de meio século parecesse não uma retrospectiva, mas uma conversa que ainda está a acontecer.

    Foi um dos momentos mais bonitos do festival, se não mesmo o mais bonito. Porque naquele fim de tarde havia uma imagem difícil de esquecer: um anfiteatro cheio, com várias gerações lado a lado, todas a cantar Sérgio Godinho. E depois, já fora do recinto, aquela mesma geração mais jovem a seguir para jantar e tomar banho antes de regressar à noite. Como se o concerto tivesse sido o primeiro compromisso do dia e um compromisso que ninguém queria falhar.

    Sérgio Godinho subiu ao palco com mais de cinquenta anos de canções às costas e saiu de lá com a prova de que elas ainda não envelheceram. Em Coura, “Liberdade” não foi apenas o nome de um espetáculo. Foi uma palavra cantada por várias gerações ao mesmo tempo e, durante aquelas horas, pareceu que ainda havia muito caminho para a canção percorrer.

Texto: Sofia Reis

Fotografias: Hugo Lima

    A sexta-feira começou cedo no Taboão, com Noko Woi, às 16h15, a abrir o Coura Sem Paredes enquanto o recinto voltava lentamente a ganhar movimento. Pouco depois, às 16h55, Carolina Durante deram início à programação do palco Vodafone, trazendo consigo a energia urgente das guitarras e ajudando a tirar o festival da ressaca de mais uma madrugada. Entre quem chegava, quem ainda procurava um lugar para descansar e quem já estava preparado para mais uma noite, o terceiro dia começou a ganhar forma sem pressa.

    Às 17h55, Strawberry Guy assumiram o Coura Sem Paredes, criando um ambiente mais leve e melódico, enquanto às 18h40 chegava um dos momentos mais especiais da tarde: Sérgio Godinho & Os Assessores com Amigos. A presença de Sérgio Godinho trouxe consigo várias décadas de música portuguesa para um festival que, durante estes dias, tinha sido dominado por diferentes gerações e geografias musicais. O concerto funcionou também como um encontro entre passado e presente, com Os Assessores e os amigos a ajudarem a transportar aquelas canções para o cenário de Coura. Num festival habituado a olhar para o que está a acontecer agora, houve espaço para parar e reconhecer aquilo que já faz parte da história da música portuguesa.

    Enquanto a tarde começava a desaparecer, Ryan Davis & The Roadhouse Band ocuparam o Coura Sem Paredes, às 19h55, preparando o ambiente para uma noite que iria alternar entre diferentes formas de intensidade. No palco principal, às 20h40, Benjamin Clementine trouxe uma presença completamente diferente. A sua voz, a expressividade e a dimensão teatral da atuação fizeram com que o palco parecesse, por momentos, demasiado pequeno para a personalidade do artista. Depois de uma tarde marcada por guitarras e pela celebração da música portuguesa, o festival entrou num território mais dramático e emocional.

    Às 21h55, Terraplana levaram o seu universo para o Coura Sem Paredes, enquanto o palco principal começava a preparar uma das atuações mais aguardadas da noite. Às 22h45, Bloc Party entraram em cena e fizeram Coura regressar às guitarras. A banda britânica trouxe consigo uma parte importante da memória do indie rock dos anos 2000, mas o concerto não viveu apenas da nostalgia. O público respondeu às canções com a intensidade de quem conhece aquelas músicas há anos, criando uma ligação entre diferentes gerações de festivaleiros.

    À meia-noite, Vendredi Sur Mer deram início à transição para a madrugada no Coura Sem Paredes. A atmosfera tornou-se mais eletrónica e dançável, preparando o terreno para aquilo que seria o grande momento da noite. À 01h00, M.I.A. subiu ao palco Vodafone e alterou completamente a escala do festival. A artista trouxe para Coura uma mistura de hip-hop, eletrónica, pop e influências de diferentes partes do mundo, acompanhada por uma presença em palco que transformou o concerto numa experiência visual e física. Depois de uma noite em que a memória e a canção tiveram um papel importante, M.I.A. trouxe o festival para o presente, mas numa atmosfera diferente.

    E a madrugada ainda tinha muito para dar. Às 02h00, Maruja ocuparam o Coura Sem Paredes, acrescentando uma dimensão mais intensa e experimental à noite. O público que permanecia no recinto começava a distribuir-se pelos espaços, já completamente entregue ao ritmo próprio das madrugadas de Coura. Às 03h25, Joy Orbison fecharam a programação, levando o festival para um território de música eletrónica que prolongou a noite até às primeiras horas da manhã.

    Quando Joy Orbison terminou, já depois das três da manhã, o Taboão voltava a entrar naquele estado estranho entre a festa e o silêncio. O terceiro dia tinha atravessado décadas, estilos e estados de espírito sem nunca parecer parado no mesmo lugar. Da voz de Sérgio Godinho aos graves de Joy Orbison, passando pelo dramatismo de Benjamin Clementine, pelas guitarras dos Bloc Party e pelo caos mental de M.I.A., a sexta-feira foi uma viagem que nunca deixou o passado ficar demasiado longe do futuro.

Texto: Sofia Reis

Fotografias: Hugo Lima

    Às 00h30, o palco Coura Sem Paredes recebeu os WU LYF, e havia qualquer coisa de improvável naquele encontro. Uma banda que tinha desaparecido durante anos, que deixara para trás uma legião de seguidores e um disco de culto, estava novamente diante de um público português. Quinze anos depois da primeira passagem por Portugal, o regresso acontecia agora com uma história completamente diferente às costas: a separação, o silêncio, o reencontro e, desde 2025, uma nova vida para os WU LYF.

    A primeira coisa que se impõe é o som, não é música que entre devagarinho, entra pelas paredes. As guitarras chegam carregadas de reverberação, a bateria empurra tudo para a frente e a voz de Ellery James Roberts aparece no meio daquele nevoeiro sonoro como se estivesse a tentar rasgá-lo. Há post-punk, rock alternativo, gospel e uma intensidade quase espiritual, mas nenhuma dessas referências explica por completo aquilo que acontece quando os quatro elementos começam a tocar juntos.

    A voz de Roberts continua a ser uma das grandes armas dos WU LYF. É áspera, urgente e profundamente física. Há momentos em que parece estar a cantar e outros em que parece simplesmente não conseguir conter aquilo que está a sair de dentro dele. A voz não fica por cima da música como uma camada independente; mistura-se com as guitarras, desaparece no ruído e volta a surgir, como se estivesse a lutar pelo seu próprio espaço.

    E as guitarras são fundamentais nessa luta, criam uma massa sonora densa, mas não uniforme. Há momentos de enorme intensidade e outros em que o som se abre, permitindo que a melodia respire. A banda consegue passar de uma sensação quase claustrofóbica para outra mais expansiva sem perder a identidade.

    Mas este não é apenas o regresso de uma banda a tocar as canções que a tornaram conhecida. Depois de mais de uma década afastados, os WU LYF voltaram em 2025 e trouxeram consigo “A New Life Is Coming”, a primeira música inédita do grupo em treze anos, o regresso ganhou assim uma dimensão diferente, havia a memória, mas também havia algo novo para apresentar, o que tornou tudo mais interessante. Essa coexistência entre passado e presente estava no centro do concerto. Go Tell Fire to the Mountain continua a ser uma referência inevitável quando se fala dos WU LYF, mas a banda não pareceu interessada em transformar Coura num exercício de nostalgia. As novas canções fazem parte desta nova fase e mostram que o regresso não aconteceu apenas para repetir uma fórmula que funcionou há quinze anos.

Há, aliás, qualquer coisa de fascinante nesta segunda vida, os WU LYF regressaram depois de terem desaparecido num momento em que a sua própria mitologia já estava construída. Poderiam ter voltado apenas para revisitar essa história. Em vez disso, voltaram a escrever, a gravar e a descobrir o que aquela banda pode ser agora. Talvez seja por isso que a atuação tenha tido uma dimensão tão intensa. Existe passado em cada guitarra, mas não há vontade de ficar preso a ele. A música continua a ter aquela atmosfera sombria e quase religiosa, mas agora existe também o peso dos anos que passaram e tudo aquilo que aconteceu durante o silêncio.

    Ellery James Roberts permanece no centro dessa transformação, a sua presença em palco é magnética, mas não depende de grandes discursos. É a própria voz que conduz o concerto, quando sobe de intensidade, parece puxar toda a banda consigo; quando recua, deixa aparecer as camadas que normalmente ficam escondidas no meio do ruído. 

    Àquela hora, o Coura Sem Paredes parecia feito para aquele som. A noite já tinha tomado conta do recinto e as luzes encontravam as guitarras, criando uma atmosfera quase cinematográfica. Não era necessário acrescentar nada. Os WU LYF já traziam consigo a escuridão suficiente.

    Há algo particularmente simbólico em vê-los novamente em Portugal quinze anos depois, a banda que em tempos parecia destinada a desaparecer na sua própria lenda voltou a existir fora dela. Não é exatamente a mesma banda, porque nenhum regresso depois de tantos anos pode ser, mas também não é uma versão diluída daquilo que foram. É outra coisa, é uma banda mais velha, com mais silêncio atrás de si, mas ainda capaz de transformar guitarras, bateria e uma voz em algo que parece estar constantemente prestes a explodir.

    Os WU LYF passaram quinze anos longe e em Paredes de Coura, não voltaram para recuperar o tempo perdido, voltaram reinventados.

Encontras a reportagem fotográfica no nosso instagram, passa por lá e deixa o teu carinho.

Edição: Sofia Reis

Fotografia: Jose Almeida

    Às 22h15, o palco Coura Sem Paredes recebeu Pale Jay, e a noite ganhou outra temperatura. Entre soul, funk e R&B, o músico norte-americano trouxe para o Taboão uma música quente, elegante e cheia de groove. Mas havia uma coisa que o próprio Pale Jay quis explicar logo ao público: tinha partido um tornozelo e, por isso, não podia dançar como costuma fazer nos seus concertos. Ainda assim, estava ali para dar o seu melhor. E a promessa ficou cumprida.

    A diferença era visível, Pale Jay esteve sempre de pé, mas os movimentos estavam necessariamente mais contidos. Dançou muito menos do que seria habitual, sem nunca deixar que isso o transformasse numa presença imóvel. Continuou a mexer-se, a sentir o ritmo e a ocupar o palco dentro dos limites que o corpo daquela noite lhe permitia. O tornozelo estava partido, mas o concerto não.

    E foi a música que tratou de preencher aquilo que faltava em movimento. A voz de Pale Jay, quente e envolvente, encontrou uma banda capaz de construir à sua volta um groove sólido, elegante e cheio de espaço. O baixo marcava o caminho, a bateria segurava o balanço e os teclados acrescentavam camadas, criando aquele tipo de som que não precisa de pedir ao público para mexer o corpo, o corpo começa a mexer-se sozinho.

    Houve algo particularmente interessante em vê-lo naquela condição, pois não tentou fingir que estava a fazer o concerto habitual, sabia que não podia dançar da mesma maneira e o público também sabia. Em vez de deixar que a lesão dominasse a narrativa, simplesmente continuou. De pé, com movimentos mais pequenos, suaves e concentrando a energia na voz e na interpretação, conseguiu manter uma presença forte durante toda a atuação.

    Essa entrega sentia-se sobretudo nas canções. O soul aparecia na voz, o funk no ritmo e uma certa melancolia atravessava algumas das melodias, criando um concerto que tanto podia fazer o público balançar como simplesmente ficar a ouvir. Pale Jay tem essa capacidade de juntar calor e fragilidade na mesma música, sem precisar de exagerar nenhum dos dois.

    A banda teve também um papel essencial. Em vez de tentar compensar a menor mobilidade do vocalista com excesso de energia, construiu um espaço onde ele podia continuar a comandar o concerto. O som era suficientemente rico para preencher o palco, mas nunca esmagava a voz.

    E assim, aos poucos, aquilo que podia ter sido uma limitação tornou-se apenas mais um detalhe da noite. Pale Jay dançou pouco, mas não esteve parado. Esteve de pé, presente e entregue, fazendo o possível para que o tornozelo partido não se tornasse maior do que a música.

    Foi um bom concerto precisamente porque não houve necessidade de transformar a lesão numa história de superação. Pale Jay encontrou uma forma diferente de estar em palco sem perder aquilo que o torna especial. Naquela noite, o corpo obrigou-o a reduzir a dança, mas não conseguiu reduzir o groove. E talvez seja essa a melhor imagem do concerto, Pale Jay de pé, a mexer-se dentro do possível, a cantar com toda a força e a deixar a música fazer o resto.

Encontras a reportagem fotográfica no nosso instagram.

Edição: Sofia Reis

Fotografia: José Almeida

    Às 21h00 de quinta-feira, o palco Vodafone recebeu Kurt Vile & The Violators, num daqueles momentos em que o festival parece mudar de velocidade sem perder intensidade. Depois da tarde e da passagem de Aldous Harding, Kurt Vile surgiu com a sua postura descontraída, guitarra ao peito e aquela voz arrastada que é imediatamente reconhecível. Não precisou de uma entrada explosiva. Bastaram os primeiros acordes para o Taboão entrar no universo particular do músico norte-americano.

    Acompanhado pelos Violators, Vile trouxe para Coura um som cheio de nuances. As guitarras iam alternando entre momentos mais limpos e outros mais densos, criando diferentes texturas sem nunca perder o lado melódico das canções. A voz de Vile funcionava como um fio condutor, enquanto a banda acrescentava força e detalhe a cada tema. Havia peso, mas também espaço; havia distorção, mas nunca uma vontade de a usar apenas para fazer barulho.

    O repertório desta fase da digressão atravessava diferentes momentos da carreira, com temas como “Pretty Pimpin”, “Wakin on a Pretty Day”, “Rock o’ Stone”, “Girl Called Alex”, “Like Exploding Stones” e “Mount Airy Hill (Way Gone)”. São músicas com personalidades próprias, que passam pelo rock, pelo folk e por uma dimensão mais psicadélica, mas que partilham aquela assinatura muito particular de Kurt Vile.

    E ganham vida sobretudo através das guitarras. Houve momentos em que estas se tornavam quase hipnóticas, outros em que assumiam uma presença mais agressiva e outros ainda em que deixavam simplesmente a melodia avançar. Os Violators foram fundamentais nessa construção. Cada instrumento parecia encontrar o seu lugar sem disputar o protagonismo, criando um som cheio e envolvente que se espalhava pelo anfiteatro.

    “Pretty Pimpin” é talvez um dos melhores exemplos da capacidade de Vile para transformar uma canção aparentemente simples numa coisa muito própria. A guitarra e a melodia ficam imediatamente na cabeça, enquanto a voz mantém aquele tom descontraído, quase como se estivesse a contar uma história ao acaso. Ao vivo, a banda dá-lhe outra dimensão, tornando-a maior sem lhe retirar a personalidade.

    Já “Wakin on a Pretty Day” representa outro lado do músico. É uma canção que encontra beleza na observação do quotidiano, naquele tipo de escrita aparentemente casual que, nas mãos de Vile, ganha uma dimensão quase cinematográfica. O mesmo acontece com temas como “Mount Airy Hill (Way Gone)”, onde a música parece abrir espaço para o ouvinte simplesmente permanecer dentro dela.

    Mas o concerto não viveu apenas dessas paisagens mais contemplativas. “Rock o’ Stone”, “Girl Called Alex” e “Like Exploding Stones” mostram diferentes lados do repertório de Vile, permitindo que as guitarras ganhassem outras cores e que os Violators mostrassem toda a sua força como banda. A atuação nunca ficou presa a uma única textura. Havia sempre pequenas mudanças no som, na intensidade ou na forma como os instrumentos se relacionavam e até momentos de humor de Kurt Vile.

    É precisamente aí que Kurt Vile se distingue. As canções podem parecer descontraídas, mas estão cheias de detalhes. Há melodias que se cruzam, guitarras que acrescentam novas camadas e uma atenção muito particular à textura do som. Nada parece colocado ali apenas para preencher espaço.

    E depois existe o próprio Kurt Vile. A sua postura em palco é quase o oposto daquilo que se poderia esperar de alguém que está a comandar um palco de festival. Não há necessidade de grandes discursos ou de movimentos constantes. Nunca pareceu precisar de provar que estava a dominar o palco. A música fazia esse trabalho por ele. Enquanto os Violators construíam aquela paisagem sonora à sua volta, Vile permanecia no centro, guitarra nas mãos e uma calma quase desconcertante.

    Essa combinação funcionou especialmente bem em Paredes de Coura. O Taboão, já mergulhado na noite, oferecia o espaço perfeito para aquelas guitarras se espalharem. As luzes atravessavam o palco, a natureza desaparecia lentamente na escuridão e a música encontrava espaço para respirar.

    Não foi um concerto feito de grandes gestos, nem precisava, nem se esperava, só queríamos a calma e descontração tão características de Kurt Vile com a sua voz tão peculiar. Foi feito de guitarras, melodias, texturas e pequenas mudanças de intensidade. Um concerto onde a força estava menos na necessidade de impressionar e mais na capacidade de construir um ambiente muito próprio.

    Encontras a reportagem fotográfica no nosso instagram.

Texto: Sofia Reis

Fotografia: José Almeida

    O segundo dia começou no Taboão ainda com as últimas memórias da madrugada anterior, mas sem tempo para recuperar. Às 16h30, Milhanas abriram o Coura Sem Paredes, enquanto o recinto começava novamente a receber os primeiros festivaleiros. Pouco depois, às 17h10, A Garota Não levou ao palco Vodafone a sua voz e a sua escrita, dando início a uma tarde que, à semelhança do primeiro dia, iria crescer lentamente até à madrugada.

    Com Tomode, às 18h00, e Aldous Harding, às 19h00, o festival começou a ganhar diferentes tons. Aldous Harding trouxe para o palco principal uma presença mais misteriosa e singular, criando um ambiente que contrastava com a energia que se começava a formar no resto do recinto. Às 20h00, Friko ocuparam o Coura Sem Paredes, mantendo a sucessão de propostas diferentes que fazia com que, a cada mudança de palco, fosse possível encontrar uma atmosfera completamente nova.

    Quando Kurt Vile & The Violators subiram ao palco Vodafone, às 21h00, o dia já tinha entrado definitivamente na noite. A sonoridade descontraída e psicadélica de Kurt Vile encontrou um cenário particularmente adequado em Coura. Sem necessidade de pressa, as guitarras foram preenchendo o espaço e o público foi-se deixando ficar, numa espécie de suspensão entre a tarde e a noite. Ao mesmo tempo, o Coura Sem Paredes preparava uma mudança de ambiente com Pale Jay, às 22h15, trazendo uma dimensão mais soul e quente à noite.

    Às 23h15, chegaram os Hermanos Gutiérrez. As guitarras dos irmãos suíço-equatorianos deram ao palco principal uma atmosfera quase cinematográfica, como se por alguns minutos o Taboão tivesse deixado de ser apenas um recinto de festival para se transformar no cenário de um filme. A música avançava com espaço e calma, criando um contraste interessante com aquilo que estava prestes a acontecer.

    À meia-noite e meia, Wu Lyf assumiram o Coura Sem Paredes e começaram a empurrar a noite para um território mais intenso. Já não havia propriamente sinais da tarde que tinha começado horas antes. O recinto estava cheio, as luzes dominavam o espaço e a madrugada começava a aproximar-se.

    À 01h30, o palco Vodafone recebeu Underworld, e a transformação ficou completa. O duo britânico trouxe uma dimensão eletrónica que alterou completamente a relação do público com o espaço. Os graves atravessavam o Taboão, as luzes acompanhavam os ritmos e o anfiteatro transformou-se numa enorme pista de dança ao ar livre. Depois de uma tarde marcada pela canção, pelo indie e pelas guitarras, Coura encontrava-se agora mergulhado numa experiência totalmente física, feita para dançar e permanecer acordado.

    Mas a madrugada não terminou com Underworld. Às 02h45, Show Me The Body levaram ao Coura Sem Paredes uma energia muito mais agressiva, enquanto às 03h45 Bassvictim prolongaram a noite. A essa hora, já não era apenas o cartaz que mantinha as pessoas no recinto. Era o próprio ambiente de Coura, aquela vontade de adiar o momento de partir por mais um concerto, mais uma música, mais alguns minutos.

    O segundo dia percorreu assim um caminho muito diferente do primeiro. Se a abertura do festival tinha sido marcada pelo eclipse e por uma sucessão de momentos muito contrastantes, a quinta-feira construiu-se lentamente até desembocar na eletrónica de Underworld. Pelo meio houve a personalidade de A Garota Não, o universo singular de Aldous Harding, as guitarras de Kurt Vile e Hermanos Gutiérrez, a soul de Pale Jay e a intensidade de Wu Lyf e Show Me The Body.

    Quando Bassvictim terminaram, às 03h45, o segundo dia já tinha atravessado mais de onze horas de música. O Taboão começava novamente a esvaziar-se, mas ainda havia luzes, vozes e pequenos grupos a caminhar pelo recinto. A noite tinha começado com calma e terminado em movimento, deixando para trás mais uma madrugada de Coura. E, enquanto o festival começava a preparar-se para um novo dia, ficava a sensação de que o segundo capítulo tinha conseguido fazer aquilo que Coura melhor sabe fazer: mudar completamente de ambiente sem nunca perder o fio à sua identidade.

Texto: Sofia Reis

Fotografias: Hugo Lima

    Às 23h05, quando as luzes do palco Vodafone se apagaram, já não havia muito espaço para dúvidas: as Wet Leg eram um dos momentos mais esperados da primeira noite de Paredes de Coura. O público tinha chegado até ali depois de uma tarde que atravessara vários estados de espírito, desde o do eclipse à intensidade de CMAT, e agora encontrava nas duas britânicas uma mudança de energia. “catch these fists” abriu o concerto sem cerimónia, lançando imediatamente guitarras e movimento sobre um anfiteatro que já estava completamente cheio.

    A entrada em “Wet Dream” confirmou aquilo que os primeiros acordes tinham anunciado. A música que ajudou a apresentar as Wet Leg ao mundo transformou-se num coro coletivo, com a voz de Rhian Teasdale a misturar-se com milhares de vozes vindas da plateia. Seguiram-se “liquidize” e “Too Late Now”, duas canções que mostraram desde cedo a capacidade da banda para alternar entre o impulso mais dançável e momentos onde a melodia ganha espaço. O concerto não avançava em linha reta; ia mudando de forma, sempre com aquela estranha combinação de humor, ironia e melancolia que se tornou parte da identidade das Wet Leg.

    Ao vivo, porém, há uma coisa que os discos não conseguem reproduzir: a sensação de que tudo pode descambar a qualquer momento. “Ur Mum” trouxe precisamente essa energia. O público já não estava apenas a assistir; estava dentro da música. Os corpos começaram a ocupar cada vez mais espaço, os saltos levantaram pó do chão e o anfiteatro ganhou uma espécie de movimento próprio. As Wet Leg não precisavam de pedir participação, a resposta estava à frente delas.

    Depois veio “Chaise Longue”, e o concerto encontrou um dos seus momentos mais reconhecíveis. A música continua a carregar aquele humor absurdo e despreocupado que marcou o início da banda, mas em Coura já não tinha nada de novidade. Era uma canção conhecida por milhares de pessoas e, quando chegou o momento certo, o palco praticamente desapareceu atrás do coro do público. A força da música estava precisamente nessa simplicidade: poucas ideias, um refrão impossível de esquecer e um anfiteatro inteiro disposto a gritá-lo.

    A reta final passou por “Angelica”, “CPR” e “mangetout”, aproximando o concerto da atual fase da banda. E é aqui que se percebe que as Wet Leg já não são apenas a banda de “Chaise Longue”. O novo material trouxe consigo uma maior segurança e uma paleta mais ampla, sem apagar a personalidade que as tornou reconhecíveis. Há mais camadas, mais espaço para explorar diferentes ritmos e uma confiança evidente em palco.

Essa evolução foi talvez o aspeto mais interessante da atuação. As Wet Leg continuam a ter o humor e a espontaneidade que sempre as acompanharam, mas já não dependem da surpresa. Rhian Teasdale e Hester Chambers parecem confortáveis dentro do próprio universo e sabem conduzir um concerto entre momentos de pura diversão e outros mais melódicos sem perder a atenção de quem está do outro lado.

    E Coura soube responder. O ambiente junto ao palco foi crescendo até se tornar quase impossível distinguir onde acabava a banda e começava o público. As guitarras atravessavam o recinto, as luzes recortavam a noite e o chão transformava-se numa nuvem de pó sempre que a multidão saltava. Depois de um eclipse que tinha feito toda a gente olhar para o céu algumas horas antes, o espetáculo estava agora completamente no chão, nos corpos e no movimento de quem tinha ficado para ouvir as Wet Leg.

“catch these fists”, “Wet Dream”, “liquidize”, “Too Late Now”, “Ur Mum”, “Chaise Longue”, “Angelica”, “CPR” e “mangetout” funcionaram como uma espécie de retrato da banda neste momento da carreira: reconhecível, mas já muito maior do que o fenómeno inicial que as lançou para o mundo.

    As Wet Leg não deram ao público apenas um conjunto de canções; deram-lhe um espaço para perder o controlo durante alguns minutos. E talvez seja essa a imagem que melhor resume o concerto: um palco iluminado, a banda, à frente, um anfiteatro inteiro transformado numa nuvem de pó em movimento.

A nossa reportagem fotográfica, está no nosso instagram.

Texto: Sofia Reis

Fotografia: José Almeida