From the heart of Alcobaça, Bruno Monteiro emerged into music first as the drummer of Stone Dead, a band adored by fans for its raw energy and electrifying performances. That early immersion in the intensity of rock gave him the rhythm, resilience, and daring that would later fuel his solo project. On stage and on record, Bruno is Mr. Gallini: an artist, a storyteller, an architect of soundscapes that challenge genres and expectations.

    Mr. Gallini’s solo work is a laboratory of sound, a place where punk, pop, folk, electronic textures, and psychedelia collide. His music breathes, it expands, it grabs you and transports you to unexpected places, always guided by authenticity and imagination.

    His journey began with Lovely Demos (2018), an intimate and acoustic debut that hinted at his unique vision. This was followed by The Organist (2019), where electronic elements fused with pop in expansive, unpredictable sonic worlds. In 2025, he unveiled Já Ninguém Vai Mudar o Mundo, the final chapter of this trilogy and his first full album in Portuguese. Each track is a mosaic of rhythm, texture, and story — from raw punk to tropical grooves, from poetic melancholy to bursts of electric intensity. Songs like “Primavera” exude life and energy, while “Pano Verde” carries listeners on a transatlantic sonic journey.

    Live, Mr. Gallini transforms space and time. Every show is a living, visceral, unpredictable experience. He commands silence and crescendo alike, builds tension and releases it with precision. His music moves not just ears but bodies and minds, inviting audiences to feel, react, and live every note.

    At present, Mr. Gallini is on tour across Brazil, Uruguay, and Argentina, performing in cities including São Paulo, Rio de Janeiro, Brasília, and Buenos Aires. Each stage becomes an extension of his universe, where Portuguese music pulses in new territories, forging connections between cultures, rhythms, and emotions. This tour proves that Bruno Monteiro’s music transcends borders: it is felt before it is understood.

    Being a drummer for Stone Dead did not define him, but it gave him the pulse, the stamina, and the live experience that now inform every note of his solo work. Today, Mr. Gallini walks the line between the intimate and the explosive, the experimental and the visceral, proving that Portuguese music has a powerful, unforgettable voice on the world stage.

    Mr. Gallini is more than a musician: he is a storyteller, an architect of emotion and experience, transforming every note into gesture, every chord into landscape, and every live show into a cinematic journey. On every stage, in every city, he continues to demonstrate that the extraordinary is born from curiosity, courage, and an unshakable love for music.

    Havia uma espécie de ironia em colocar os Amyl and the Sniffers tão perto do fim do Vodafone Paredes de Coura. Depois de quatro dias a acumular concertos, noites mal dormidas e quilómetros percorridos entre palcos, o corpo pedia descanso. Amy Taylor parecia ter vindo precisamente para impedir que isso acontecesse.

    Os australianos chegaram ao palco Vodafone sem qualquer intenção de facilitar a vida a ninguém. Desde “Control”, o concerto foi uma sucessão de golpes rápidos, guitarras afiadas, bateria acelerada e uma frente de palco que rapidamente deixou de conhecer o conceito de espaço pessoal. Não havia tempo para contemplação, havia música para tocar e havia um público para gastar.

    Amy Taylor é, naturalmente, impossível de ignorar, corre, salta, grita, dança e movimenta-se pelo palco com uma energia que parece não obedecer às mesmas regras que o resto dos mortais. Não é apenas a vocalista de uma banda punk; é praticamente o seu próprio acontecimento, cada gesto parece acontecer um segundo antes de ser possível antecipá-lo.

Ao lado dela, Gus Romer no baixo, Declan Martens na guitarra e Jonatan Boulet na bateria mantêm a máquina em funcionamento. E há um elemento que merece particular destaque: os solos de guitarra de Martens ao vivo, ganham uma força que nem sempre é possível perceber nas gravações. São agressivos, imprevisíveis e cheios de personalidade, acrescentando às músicas uma dimensão própria. Não são apenas momentos para mostrar técnica; fazem parte da identidade do concerto e tornam cada tema mais especial, mais físico e, sobretudo, mais original quando ouvido ao vivo.

    O alinhamento percorreu sobretudo o mais recente Cartoon Darkness, mas sem esquecer os temas que ajudaram a construir a identidade da banda. “Do It Do It”, “Cup of Destiny”, “Capital”, “Security”, “Doing in Me Head” e “Balaclava Lover Boogie” mantiveram o concerto em permanente aceleração.

Depois vieram alguns dos temas que já fazem parte do ADN dos Amyl and the Sniffers. “Guided by Angels”, “Me and The Girls”, “Tiny Bikini”, “Jerkin’”, “Hertz” e “Some Mutts (Can’t Be Muzzled)” foram recebidos por um público que já sabia exatamente ao que vinha, não era preciso explicar nada, bastavam os primeiros acordes para o movimento começar.

E o movimento foi uma constante, á frente do palco, formavam-se mosh pits, havia saltos, empurrões e crowd surfing. Atrás, quem já não tinha pernas para acompanhar continuava a cantar e a assistir à tempestade. Era o último dia, mas ninguém parecia interessado em comportar-se como se fosse.

    Há também uma dimensão particularmente divertida nos Amyl and the Sniffers, o punk da banda não se leva demasiado a sério. Existe irreverência, humor e uma certa dose de absurdo, mas tudo isso convive com uma enorme precisão musical. As músicas são diretas, rápidas e aparentemente simples, mas funcionam porque cada elemento está exatamente onde tem de estar.

    Amy é, inevitavelmente, o centro de tudo, há qualquer coisa na forma como ocupa o palco que faz com que as músicas ganhem uma tensão diferente, sobretudo quando decide esticar uma pausa ou carregar numa frase até ao limite. Os refrões deixam de ser apenas momentos de reconhecimento e passam a ser momentos de participação, daqueles que acabam gritados por centenas ou milhares de pessoas. A distância entre quem está em palco e quem está no público praticamente desaparece. Há uma espécie de confronto permanente, mas também de cumplicidade: Amy provoca, a plateia responde, ela devolve, e assim sucessivamente. É dessa troca, quase física, que nasce grande parte da energia do concerto.

    Guitarras, baixo, bateria., gritos, suor e solos de guitarra que ao vivo, dão às músicas uma vida que simplesmente não existe da mesma forma numa gravação.

    Havia qualquer coisa de estranho naquela última atuação: em vez de se sentir o peso de um festival a chegar ao fim, o concerto dos Amyl and the Sniffers tinha a urgência de quem ainda estava a ganhar balanço. A banda tocava como se a noite estivesse longe de acabar e como se aquele palco fosse o ponto de partida para mais algumas horas de caos, suor e guitarras.

    Talvez por isso o fim tenha sido tão certeiro. Coura não recebeu uma despedida sentimental nem uma saída em bicos de pés. Recebeu Amyl e os Sniffers em modo de ataque, a deixar o palco Vodafone depois de o terem tratado como se ainda fosse preciso provar alguma coisa. Se era para fechar a porta, mais valia bater com ela.

Fotografias: Hugo Lima

    Depois da explosão dos MEUTE, o palco Vodafone mudou completamente de ambiente. Entrou em cena Thundercat, acompanhado por Justin Brown na bateria e Dennis Hamm nos teclados, para um concerto onde o baixo deixou de ocupar o lugar habitual de um baixo e passou a estar no centro de praticamente tudo o que acontecia em palco.

    Isso torna impossível falar de Thundercat sem começar precisamente pelo baixo. O instrumento, de seis cordas, dourado e cheio de brilhantes, era impossível de ignorar debaixo das luzes do palco. É lindo e Thundercat segurava-o como se fosse uma extensão do próprio corpo e, quando começava a tocar, rapidamente se percebia que aquele instrumento não estava ali apenas para compor a imagem. As seis cordas tornavam-se protagonistas, desenhando linhas rápidas, melódicas e cheias de mudanças, enquanto o dourado refletia as luzes a cada movimento. É bonito, estranho e completamente adequado ao universo de Thundercat.

    O concerto começou com “Children of the Baked Potato”, seguindo-se “Candlelight” e “No More Lies”, antes de chegarem “Black Qualls” e “How Sway / Uh Uh”. A setlist continuou por “Overseas”, “I Wish I Didn't Waste Your Time”, “Pozole”, “A.D.D. Through the Roof”, “Walking on the Moon” e “Anakin Learns His Fate”.

    Desde os primeiros minutos viu-se que não seria um concerto para acompanhar apenas pela melodia. Havia demasiadas coisas a acontecer ao mesmo tempo, o baixo avançava por caminhos inesperados, a bateria respondia, os teclados acrescentavam novas camadas e a voz de Thundercat aparecia no meio de tudo, mais suave e melódica, como um abraço. Ao lado dele, Justin Brown era uma presença fundamental, a bateria não se limitava a marcar o tempo: acompanhava as mudanças do baixo, abria espaço e, em determinados momentos, parecia provocar uma nova direção para a música. Dennis Hamm, nos teclados, completava o trio e ajudava a criar aquela sonoridade que parece nunca estar completamente parada.

    Havia momentos em que os três músicos pareciam perfeitamente sincronizados e outros em que a música adquiria uma liberdade diferente, quase como se estivéssemos a assistir a uma conversa entre instrumentos. Uma linha de baixo surgia, a bateria respondia, os teclados entravam e, quando dávamos por isso, a música já tinha seguido para outro lugar, pessoalmente adoramos quando sentimos isto.

As mãos percorriam o baixo com uma velocidade impressionante, mas aquilo que mais chamava a atenção não era apenas a técnica. Era a forma como conseguia fazer um instrumento tão associado ao ritmo assumir tantas outras funções. O baixo podia marcar a base, mas também podia cantar, criar uma melodia ou tornar-se praticamente o protagonista de uma passagem inteira. Quem não sabe o quanto é difícil tocar ritmo e cantar ao mesmo tempo, que é melodia, pode não ter reparado nestes pormenores, para nós é surpreendente.

    A música foi passando pelo funk, jazz, soul, R&B e eletrónica, sem que nenhum destes universos parecesse dominar completamente os outros e é precisamente essa mistura que dava ao concerto uma identidade tão particular.

    Visualmente, também havia espaço para a personalidade do músico. O baixo brilhante, a imagem descontraída de Thundercat e o capacete em forma de bola de espelhos usado por Justin Brown criavam um ambiente quase psicadélico. Nada parecia demasiado sério, mesmo quando aquilo que acontecia musicalmente exigia uma enorme concentração. Foi perfeito a nível visual e de música.

    Era igualmente impossível não reparar na reação do público. Depois da energia imediata dos MEUTE, a resposta a Thundercat acontecia de outra forma. Havia quem dançasse, quem cantasse e quem simplesmente ficasse a olhar para o palco, tentando acompanhar aquilo que estava a acontecer e havia ainda os casais abraçados.

    A certa altura, a música parecia afastar-se completamente da estrutura inicial e os três músicos deixavam-na crescer através dos instrumentos. O baixo acelerava, a bateria acompanhava e os teclados preenchiam os espaços. Por momentos, era fácil esquecer que estávamos num festival e imaginar que aqueles três músicos tinham simplesmente encontrado um palco suficientemente grande para brincar com as suas próprias canções.

    Até chegarem “Funny Thing” e “Them Changes” e a energia mudou. “Funny Thing” trouxe uma resposta imediata do público, com aquela melodia que rapidamente se instala na cabeça, mas foi “Them Changes” que criou um dos momentos mais fortes da noite. A canção aproximou ainda mais o palco da plateia e milhares de pessoas reconheceram imediatamente aquelas notas.

    Thundercat já não estava apenas a tocar para Coura, Coura estava a cantar com ele, o que foi particularmente bonito. Conseguiu assim encontrar um lugar muito próprio no último dia do festival. Depois da festa dos MEUTE e antes da intensidade dos Prostitute e dos Amyl and the Sniffers, trouxe uma energia diferente e muito bonita.

    Três músicos foram suficientes para encher aquele palco de som, ainda temos uma imagem muito marcada, Thundercat no centro, o baixo dourado a refletir as luzes, os dedos a percorrer as seis cordas e, atrás dele, bateria e teclados a acompanhar cada mudança de direção.

    Durante aquele concerto, o baixo deixou de ser apenas o instrumento que segura a música. Tornou-se voz, ritmo, melodia e personagem principal. E naquele palco de Coura, entre brilhantes, funk, jazz, soul e eletrónica, Thundercat mostrou como é possível transformar um instrumento numa linguagem completamente própria.

    O último dia começou com uma sensação diferente no Taboão. Depois de três dias de música, noites longas e um recinto que já fazia parte da rotina de quem ali estava, havia no ar aquela consciência inevitável de que tudo estava a chegar ao fim. Às 16h30, Noiserv abriu o Coura Sem Paredes, enquanto pouco depois, às 17h10, Patrick Watson, sozinho ao piano, dava início à programação do palco Vodafone. Era uma forma particularmente adequada de começar o último capítulo: depois de dias de grandes produções e multidões, o festival começava com a simplicidade de uma voz, um piano e um espaço inteiro disposto a ouvir.

    Às 18h10, Hudson Freeman continuou a tarde no Coura Sem Paredes, enquanto Cate Le Bon, às 18h55, levava para o palco principal a sua personalidade artística singular. A tarde avançava lentamente, mas já se sentia que o último dia tinha uma identidade própria. Não havia a urgência dos primeiros dias; havia uma espécie de vontade de aproveitar cada momento, como se cada concerto trouxesse consigo a consciência de que aquele seria o último fim de tarde passado no Taboão.

    Às 19h55, Sophia Stel ocupou o Coura Sem Paredes e, pouco depois, às 20h45, Meute fizeram o palco Vodafone explodir de energia. A banda alemã transformou a música eletrónica em espetáculo através de metais e percussão, levando para o recinto uma força física que rapidamente contagiou o público. Depois de um início de tarde mais contemplativo, o ambiente mudou completamente: já não era apenas uma questão de ouvir música, mas de sentir o ritmo a atravessar o espaço.

    Enquanto a noite avançava, Julia Mestre atuava às 21h45 no Coura Sem Paredes, criando um contraste com a intensidade que se sentia no palco principal. Às 22h45, Thundercat assumiu o protagonismo, trazendo consigo o seu baixo virtuoso e uma sonoridade impossível de encaixar numa única categoria. Funk, jazz, soul e eletrónica encontraram-se num concerto que manteve o último dia em movimento e deu ao festival mais um daqueles momentos em que a música parece existir num território próprio.

    Às 23h45, Prostitute levaram o Coura Sem Paredes para uma dimensão mais crua e intensa. Já perto da meia-noite, o recinto começava a entrar naquele estado característico da última noite: toda a gente sabe que é a última oportunidade para estar ali, por isso ninguém parece ter pressa de abandonar o espaço. Há quem dance, quem procure os últimos concertos, quem se sente na relva e quem simplesmente fique parado a absorver o ambiente.

    Às 00h35, Amyl and the Sniffers chegaram ao palco Vodafone e trouxeram consigo a descarga de energia que a última noite pedia. O punk da banda australiana encontrou um público já completamente entregue, transformando o palco numa explosão de movimento. Era difícil imaginar uma forma mais direta de entrar na reta final do festival: guitarras, suor, gritos e uma multidão que parecia querer gastar as últimas reservas de energia antes do adeus.

    Mas ainda havia madrugada pela frente. À 01h35, Dame Area assumiram o Coura Sem Paredes, prolongando a noite com uma sonoridade marcada pela eletrónica e pelo pós-punk. E, às 02h50, Marie Davidson, em DJ set, ficou encarregada de conduzir os últimos resistentes pela madrugada. Já não havia amanhã de festival para esperar. Cada música tinha agora um peso diferente porque era uma das últimas.

    E talvez seja essa a parte mais estranha do último dia, durante horas, o festival continua a funcionar exatamente como nos dias anteriores, mas por baixo de tudo existe a certeza de que desta vez não haverá outro concerto depois daquele. Quando Marie Davidson terminou, o Taboão começou finalmente a perder o som, as luzes foram desaparecendo e o espaço que durante quatro dias tinha sido ocupado por milhares de pessoas começou a recuperar o silêncio.

    O último dia não precisou de um grande momento para se despedir. Teve Patrick Watson ao piano, a energia de Meute, a liberdade musical de Thundercat, a explosão de Amyl and the Sniffers e a eletrónica que levou a madrugada até ao fim. Mas, acima de tudo, teve aquela sensação inevitável de despedida que se instala quando já não há mais horários para consultar nem concertos para esperar. Quando a última música terminou, não acabou apenas uma noite, começou o silêncio de um lugar que, durante quatro dias, nunca pareceu dormir, mais de 115 mil pessoas estiveram no Couraíso e agora só nos resta esperar pela próxima edição, que será entre 18 e 21 de Agosto de 2027. Até lá.

    Depois da energia dos Bloc Party, o palco Vodafone preparava-se para receber M.I.A.e se havia alguma dúvida sobre o que o público procurava naquele momento, rapidamente desapareceu: queria dançar.

    M.I.A. entrou em palco e transformou o recinto numa pista de dança, cruzando hip-hop, eletrónica, pop e ritmos de diferentes partes do mundo. Os graves tomaram conta do recinto e o público respondeu imediatamente, num concerto onde ficar parado parecia praticamente impossível.

    Visualmente, o espetáculo era dominado pelo branco e pelo dourado, com grandes mantas térmicas douradas, semelhantes às utilizadas nas urgências, a fazerem parte da imagem de palco. O resultado era invulgar e, em determinados momentos, quase surreal. O dourado refletia a luz e criava uma espécie de aura em torno da artista.

    Havia também uma dimensão política e religiosa muito presente. M.I.A. nunca deixou de trazer para a sua música questões relacionadas com guerra, migração, identidade, poder e desigualdade, e em Coura essas ideias estavam integradas no próprio espetáculo. Por vezes, a forma como se dirigia ao público e conduzia as respostas fazia o concerto parecer quase uma cerimónia.

    Mas, no meio de tudo isso, foram as canções mais antigas que provocaram as maiores reações. Temas como “Bamboo Banga”, “Bird Song”, “Bad Girls” e, sobretudo, “Paper Planes” fizeram o público reconhecer imediatamente aquilo que estava a ouvir e responder com uma energia diferente.

“Paper Planes” foi um dos grandes momentos da noite. Bastaram os primeiros sons para o Taboão reconhecer a canção e transformar o concerto num enorme coro. Eram músicas que muitos tinham guardado na memória durante anos e que, ali, voltavam a fazer sentido num palco de festival.

Foi precisamente essa combinação que tornou a atuação interessante, M.I.A. trouxe uma forte componente política e visual, mas Coura queria sobretudo dançar. E quando chegaram as canções que fazem parte da memória coletiva do seu público, a resposta foi imediata.

Entre o branco, o dourado, a política, a religião e, sobretudo, muita vontade de dançar, M.I.A. encontrou em Coura um público disposto a entregar-se ao caos. E quando recuperou as canções antigas, percebeu-se que ainda havia muita gente por ali que sabia exatamente porque tinha esperado tanto por aquele momento, para dançar as musicas mais antigas.

Para verem a reportagem completa devem ir ao nosso instagram

    Vinte anos depois da primeira passagem pelo Vodafone Paredes de Coura, os Bloc Party regressaram ao mesmo palco. Havia, por isso, uma expectativa especial em torno deste reencontro: voltar a ver ao vivo uma banda que marcou uma geração, tantos anos depois, traz sempre o risco de a memória ser melhor do que a realidade. Em Coura, esse risco desapareceu rapidamente.

    Enquanto esperava pelo concerto, fui falando com algumas pessoas do público. Eram, na sua maioria, bastante jovens e, para minha surpresa, praticamente ninguém conhecia os Bloc Party. Expliquei-lhes que estavam perante uma banda que tinha marcado uma geração e que valia a pena ficar para ver. A verdade é que não precisei de esperar muito para perceber que o concerto falaria por si.

    Quando os primeiros acordes começaram, a reação foi imediata. A energia das guitarras, a presença de Kele Okereke e a força das canções começaram a conquistar um público que, poucos minutos antes, ainda não sabia muito bem quem tinha pela frente. E houve um momento particularmente curioso: durante o concerto, algumas das pessoas com quem tinha falado antes vieram ter comigo para dizer que eu tinha razão. Afinal, os Bloc Party eram mesmo muito bons. E talvez não haja melhor elogio para uma banda que regressa vinte anos depois.

    O concerto arrancou com “Coming On Strong”, seguindo-se “Mercury” e “Love Bombs”, num alinhamento que desde cedo mostrou que esta não seria apenas uma viagem nostálgica ao passado. Havia espaço para diferentes fases da carreira e para perceber como a identidade dos Bloc Party foi mudando ao longo dos anos.

    Mas, inevitavelmente, foi nas canções mais antigas que a ligação com o público se tornou mais forte. “Song for Clay (Disappear Here)”, “Banquet”, “Hunting for Witches”, “Positive Tension”, “Helicopter” e “This Modern Love” trouxeram consigo memórias de uma época em que os Bloc Party estavam no centro de uma nova vaga de indie rock. Algo bastante interessante foi perceber que essas canções continuam a funcionar. “Banquet” continua a provocar uma reação imediata, “Helicopter” continua a ser uma descarga de energia e “This Modern Love” mantém intacta a capacidade de transformar milhares de pessoas num só coro.

    Pelo meio, houve também espaço para material mais recente. “Traps”, “Different Drugs”, “Lagoon Blue” e “The Love Within” mostraram que os Bloc Party não vivem apenas da nostalgia e que continuam a procurar novas formas de trabalhar a sua música.

    Kele Okereke manteve uma presença segura e carismática, enquanto a banda foi construindo um concerto que alternou entre momentos mais melódicos e outros de pura intensidade. Na frente do palco, o público respondeu com saltos, mosh pits e crowd surfing. Mas talvez mais interessante tenha sido olhar para quem estava a descobrir a banda naquele momento e perceber como aquelas mesmas canções, que já têm duas décadas, continuavam a funcionar com uma geração que ainda não as tinha ouvido ao vivo.

    Foi tão bom rever os Bloc Party tantos anos depois e perceber que continuam a ter a mesma capacidade de nos fazer querer saltar, cantar e dançar. Não desiludiram, pelo contrário, provaram que há bandas que conseguem atravessar duas décadas sem perder aquilo que as tornou especiais.

    No final, ficou também a sensação de que aquela noite serviu para apresentar os Bloc Party a uma nova geração. Alguns chegaram ao concerto sem saber muito bem quem eram e saíram de lá convertidos.

    Vinte anos depois, os Bloc Party regressaram a Coura e não desiludiram. Foi um reencontro com uma banda que continua a saber fazer aquilo que sempre fez melhor: pegar em guitarras, ritmos nervosos e grandes canções e transformar tudo isso num concerto que nos faz lembrar porque é que gostávamos tanto deles e perceber porque é que, para quem os descobriu naquela noite, conheceu mais uma banda para a sua lista de bandas preferidas.

Para veres a reportagem fotografica completa passa pelo nosso instagram.

Texto: Sofia Reis

Fotografia. José Almeida

    Depois da celebração da música portuguesa que marcou a tarde, o palco Vodafone recebeu Benjamin Clementine. A mudança foi imediata, onde antes existia uma banda, convidados e uma dimensão coletiva, passou a estar uma única figura no centro do palco, acompanhada por um piano e por uma voz que rapidamente se tornou o elemento dominante de todo o espaço.

    O cenário acompanhava essa simplicidade, quase todo branco, com o piano no centro, deixava pouco espaço para distrações. De pés descalços, óculos escuros e um longo sobretudo preto, o britânico entrou em palco sem grandes cerimónias, nem precisava. A partir das primeiras notas, ficou claro que aquele seria um concerto em que a presença do artista teria tanto peso como a própria música.

    A música de Clementine vive precisamente nessa fronteira entre o íntimo e o grandioso. O piano pode começar de forma delicada, mas a voz nunca permanece muito tempo no mesmo lugar. Pode tornar-se contida, quase sussurrada, e segundos depois ganhar uma força completamente diferente. Entre o jazz, a música clássica, o soul e a palavra falada, Clementine construiu ao longo da carreira um universo muito próprio, impossível de resumir numa só definição. Em Coura, essa personalidade esteve presente do primeiro ao último minuto.

    O alinhamento percorreu diferentes momentos da sua carreira, passando por temas como “Damn Abraham”, “Nicholas Nepolitano”, “Toxicaliphobia”, “Spare Me the Shakespeare”, “Delighted” e “Nemesis”. Mais do que simplesmente cantar, Clementine interpretava cada música com todo o corpo. Movimentava-se pelo palco, gesticulava, afastava-se do piano e regressava a ele, deixando que cada pausa tivesse quase tanta importância como cada palavra.

    Havia uma dimensão teatral evidente, mas nunca parecia existir apenas para criar espetáculo. Os movimentos, os silêncios e a forma como dizia cada frase faziam parte da própria interpretação.

    A certa altura, Clementine interrompeu o concerto para ensinar uma das letras ao público. Repetiu a passagem várias vezes e foi conduzindo a plateia até que esta conseguisse acompanhá-lo. De repente, milhares de pessoas estavam a cantar juntas uma parte que, poucos instantes antes, lhes era desconhecida. Foi um dos momentos mais espontâneos da noite e também um dos que mais aproximou artista e público.

Depois, “Phantom of Aleppoville” e “Adios” devolveram ao concerto a sua dimensão mais dramática. O piano continuava a parecer pequeno perante o palco Vodafone, mas isso pouco importava. Clementine não precisava de aumentar a produção para ocupar aquele espaço. Fazia-o através da voz, da expressão e da intensidade com que interpretava cada tema.

“London” trouxe uma mudança subtil antes de “Cornerstone” aproximar novamente a atuação da plateia. O público respondeu em coro e, naquele momento, a distância entre o palco e o anfiteatro pareceu desaparecer. Clementine já não estava apenas a apresentar as suas canções; estava a partilhá-las diretamente com quem tinha vindo ouvi-las.

Com “I Won’t Complain”, surgiu outro dos momentos mais fortes da atuação. É uma canção que demonstra particularmente bem a capacidade de Clementine para transformar uma composição aparentemente simples numa interpretação emocionalmente enorme. A voz muda de intensidade dentro de uma mesma frase e cada alteração parece carregar uma intenção diferente.

“Jupiter” trouxe mais uma mudança de ambiente antes de “Condolence”, um dos momentos mais marcantes do repertório de Clementine. Piano, voz e silêncio foram suficientes para criar uma atmosfera de enorme intensidade. Não havia nada a mais, e talvez fosse precisamente essa ausência que tornava tudo tão forte.

    O concerto terminou com “Tempus Fugit”. O título, associado à passagem do tempo, acabou por ganhar um significado especial naquele contexto. O festival aproximava-se do seu último dia e, embora durante aquele concerto fosse fácil esquecer o relógio e deixar que o tempo passasse para segundo plano, também aquela atuação tinha inevitavelmente de terminar.

    Ao longo de toda a noite, Clementine mostrou que não precisava de uma banda grande, de efeitos ou de uma produção excessiva para se impor num palco daquela dimensão. Um piano, uma voz os seus músicos e uma presença absolutamente singular foram suficientes.

    Houve representação, emoção, silêncio, humor, intensidade e momentos de verdadeira proximidade com o público. Mais do que tentar dominar o tamanho do palco, Clementine encontra outra solução nos seus concertos, fazer com que o público se aproximasse dele através da música e é sempre essa a imagem que fica.

    Durante pouco mais de uma hora, um palco pensado para milhares de pessoas pareceu pertencer a uma única pessoa. E Benjamin Clementine conseguiu que, no meio de todo aquele espaço, cada palavra parecesse ter sido dita apenas para quem estava a ouvi-la.

Para veres a reportagem fotografica passa pelo nosso instagram.

Texto: Sofia Reis

Fotografias: José Almeida

    Houve qualquer coisa de especial na presença dos MEUTE no Vodafone Paredes de Coura. A banda alemã chegou ao palco Vodafone para transformar a eletrónica em algo completamente físico, orgânico e impossível de ignorar. Com metais, percussão e uma energia aparentemente inesgotável, os MEUTE fizeram aquilo que sabem fazer melhor: pegar em música eletrónica e levá-la para o território de uma verdadeira banda de rua.

    O concerto tenha começado muito antes da chegada ao palco. Durante a tarde, os MEUTE já tinham aparecido no recinto para uma atuação inesperada no meio da relva, rodeados pelo público e sem a distância habitual entre palco e plateia. Foi um daqueles momentos espontâneos que fazem um festival ganhar outra dimensão. Quem estava por ali acabou por se aproximar, formando rapidamente uma roda à volta da banda, enquanto os metais e a percussão faziam o resto.

Ver os MEUTE na relva e, horas depois, no palco principal, permitiu perceber duas faces diferentes da mesma banda. Se na atuação improvisada havia proximidade e a sensação de estarmos perante uma verdadeira banda de rua, no palco Vodafone essa energia ganhou uma escala muito maior.

    Quando começaram a tocar, quem não os conhecia percebeu rapidamente que não estava perante uma simples atuação de música eletrónica. Não havia DJs escondidos atrás de uma mesa. Havia músicos a tocar, a suar e a mover-se em palco, com trompetes, saxofones, trombones e percussão a criarem uma parede sonora que atravessava o recinto, era impossível não dançar.

    A música dos MEUTE vive precisamente dessa transformação. Tem a base e a pulsação da eletrónica, mas ganha outra dimensão quando é interpretada por uma formação inteira de músicos. Os beats continuam presentes, mas são os instrumentos tocados em palco que dão ao som uma energia diferente, mais humana e imprevisível.

    O público respondeu desde os primeiros momentos, o ritmo puxava pelo corpo e rapidamente o recinto transformou-se numa enorme pista de dança. Cada entrada dos metais acrescentava uma nova camada e a percussão mantinha tudo em movimento. A banda funcionava com uma precisão impressionante, mas sem perder a espontaneidade que torna cada atuação tão especial.

    Durante o concerto, falámos também com um grupo de portugueses que vive na Alemanha e que estava em Coura precisamente por causa dos MEUTE. Foi daqueles encontros que nos ficam. Gostamos particularmente de encontrar pessoas nos concertos que estão ali por uma banda específica, que conhecem o que estão a ver e que vieram de propósito para viver aquele momento. Há qualquer coisa de especial nessa dedicação.

    E a relação com o público não terminou em Coura,     poucos dias depois, os MEUTE voltaram a encontrar-se com as pessoas em Portugal, levando a sua música gratuitamente para a rua, primeiro no Porto e depois em Lisboa. Mais uma vez, a banda escolheu aproximar-se das pessoas e levar o concerto para fora dos espaços tradicionais.

Essa escolha diz muito sobre aquilo que os MEUTE são. A música deles parece pedir precisamente esse contacto direto. Funciona num festival, numa sala, numa rua ou no meio da relva. Onde houver espaço para juntar pessoas, tocar e dançar, existe espaço para os MEUTE.

    Em Coura, essa capacidade ficou particularmente evidente porque tivemos a oportunidade de os ver em dois contextos completamente diferentes no mesmo dia. Primeiro, próximos do público, na relva. Depois, diante de milhares de pessoas, no palco Vodafone.

    Os MEUTE são uma banda que não precisa de paredes para criar um concerto. Pode ser na relva, num palco ou no meio da rua. Basta juntar metais, percussão, músicos com um enorme talento e capacidade para os fazer soar assim e um público com vontade de dançar.

    Quando os Prostitute chegaram ao Coura Sem Paredes, o Vodafone Paredes de Coura já estava completamente mergulhado na noite. Depois da dimensão mais festiva e acessível dos concertos que tinham passado pelo palco Vodafone, a banda trouxe consigo uma atmosfera mais pesada, desconfortável e difícil de ignorar.

    O som dos Prostitute não parece interessado em facilitar a vida a quem está a ouvir, há uma base de noise, punk e post-hardcore, mas também uma vontade evidente de levar cada música para um lugar mais extremo. As guitarras são agressivas, a bateria parece estar constantemente a ameaçar perder o controlo e tudo acontece com uma intensidade que não deixa muito espaço para respirar.

    No centro de tudo está Kazra, cuja presença em palco funciona quase como mais um instrumento. A voz não surge simplesmente para acompanhar a música, é usada como mais uma camada de tensão, entre gritos, palavras e momentos em que parece estar prestes a romper completamente com aquilo que a banda está a construir. Essa é talvez uma das características mais interessantes dos Prostitute ao vivo: há uma sensação constante de instabilidade. Mesmo quando a banda parece estar perfeitamente controlada, existe qualquer coisa que nos faz pensar que tudo pode desabar a qualquer momento.

    O resultado é um concerto particularmente físico. As guitarras criam uma parede de som, a bateria empurra tudo para a frente e Kazra movimenta-se no meio daquele caos como se estivesse simultaneamente a provocá-lo e a tentar escapar dele. Não é uma atuação feita para ficar simplesmente a observar. A música exige uma reação e houve muita, o publico estava on fire.

    No Coura Sem Paredes, essa intensidade encontrou um público já preparado para a madrugada. A energia do recinto tinha mudado e os Prostitute aproveitaram esse momento para criar um ambiente muito próprio, mais escuro e agressivo. Era música para quem ainda queria descobrir até onde a noite podia ir.

    Há também uma diferença importante entre ouvir os Prostitute numa gravação e vê-los num palco. Em disco, conseguimos perceber melhor as diferentes camadas da música. Ao vivo, essas camadas parecem juntar-se numa massa única de som, onde a guitarra, a bateria e a voz se confundem e ganham uma dimensão mais bruta.

    Os Prostitute não procuram tornar o noise bonito nem o punk confortável, eles pegam nesses elementos e deixam-nos existir na sua forma mais áspera, criando uma experiência que pode ser desconcertante, mas que dificilmente passa despercebida.

    Quando a atuação avançava, já não havia grande preocupação em separar cada elemento, o importante era a sensação criada pelo conjunto: o peso das guitarras, a bateria, os gritos e aquela tensão permanente que atravessava o espaço e claro a energia que se misturava com a energia do público, como se fosse uma extensão deles mesmos

    Os Prostitute não foram ao Coura para tornar a noite mais fácil, ou agradar, foram para a tornar mais intensa. Entre noise, punk, post-hardcore e uma presença em palco impossível de ignorar, deixaram no Coura Sem Paredes um dos momentos mais crus da noite e mais intensos, foi um daqueles concertos que não pedem necessariamente para ser compreendidos, mas que exigem ser sentidos. Estamos ansiosos por os voltar a ver. 

Texto: Sofia Reis

Fotografias: Hugo Lima

    Às 18h40, quando Sérgio Godinho entrou no palco Vodafone, não chegou sozinho. Trouxe consigo Os Assessores e uma verdadeira pequena comunidade de músicos, num concerto pensado como encontro entre gerações e como celebração da liberdade. Samuel Úria, Manuela Azevedo, Milhanas, A Garota Não, Ana Lua Caiano e Capicua foram entrando ao longo da atuação, fazendo com que aquilo que podia ser apenas uma celebração de uma carreira com mais de cinquenta anos se transformasse numa coisa muito mais viva: uma canção portuguesa a ser passada de mão em mão.

    O horário podia parecer demasiado cedo para um dos grandes momentos da tarde. O próprio Sérgio Godinho manifestou preocupação com isso, sobretudo pela possibilidade de o público ainda não ter chegado ao recinto. Mas a resposta esteve à vista quando subiu ao palco: o anfiteatro estava cheio. A moldura humana na encosta era lindíssima e, olhando para ela, tornava-se difícil imaginar que aquele concerto pudesse ter começado cedo demais.

    Godinho tem 80 anos, mas a idade pareceu mais um dado biográfico do que uma explicação para aquilo que estava a acontecer em palco. Não havia ali uma figura a ser homenageada à distância. Havia um músico no centro do palco, atento, concentrado e ainda completamente dentro das suas canções. E talvez seja essa uma das coisas mais impressionantes em Sérgio Godinho: ouvir hoje temas escritos há décadas sem que pareçam peças de um passado fechado.

    O que tornava aquela moldura humana ainda mais bonita era a sua diversidade, havia público de todas as idades, desde quem cresceu com aquelas canções até uma geração muito mais jovem, que decidiu chegar cedo ao festival precisamente para as ouvir. Do mais novo ao mais velho, estavam todos a cantar. Não havia uma fronteira entre gerações, durante aquele concerto, as canções pertenciam a todos.

    O concerto começou por passar por “Grão da Mesma Mó” e “Cuidado com as Imitações”, antes de chegar a “Maré Alta”, com Samuel Úria. A presença dos convidados foi dando novas cores às canções, não se tratava simplesmente de chamar artistas conhecidos para fazer participações, cada entrada alterava a textura do espetáculo e fazia com que aquelas músicas ganhassem outra vida.

    Quando chegou “A Democracia”, com Ana Lua Caiano, a palavra ganhou naturalmente outro peso. Depois veio “Balada da Rita”, com A Garota Não, e o palco foi-se tornando cada vez mais numa espécie de retrato da música portuguesa contemporânea. Artistas de gerações diferentes encontravam-se nas canções de Godinho sem as transformar em relíquias.

    E havia uma ideia a atravessar tudo: a liberdade não como uma palavra antiga, mas como uma coisa que ainda precisa de ser cantada. Foi isso que deu particular força ao concerto. “Liberdade”, composta em 1974, continua a ser o eixo deste espetáculo Liberdade25, mas Godinho não precisou de transformar a atuação numa aula de História. As próprias canções carregam a memória. O público conhece-as, reconhece-as e, sobretudo, sabe que continuam a dizer qualquer coisa no presente.

    Há ainda uma dimensão particularmente forte nas palavras de Sérgio Godinho quando olhamos para o momento histórico em que começou a escrever. Eram tempos de ditadura, em que a liberdade era uma coisa pela qual se sonhava e que muitos desejavam conquistar. Hoje não vivemos numa ditadura, mas isso não significa que a nossa liberdade seja exatamente a mesma de então ou que não tenhamos perdido parte dela pelo caminho. Godinho lembrou precisamente isso: a liberdade não é uma coisa que possamos simplesmente tomar como garantida. Pode diminuir sem que nos apercebamos, pode ser condicionada de formas que não são imediatamente políticas ou evidentes, e pode desaparecer aos poucos do nosso quotidiano. Talvez por isso aquelas canções tenham soado tão atuais em Coura. Não porque estejamos a viver o mesmo tempo, mas porque continuam a lembrar-nos que a liberdade, depois de conquistada, também precisa de ser cuidada.

    A certa altura, o concerto desviou-se para “Domingo”, tema originalmente popularizado pelo Conjunto António Mafra. Foi uma escolha inesperada e deliciosa dentro do alinhamento, mostrando outra faceta de Godinho, a capacidade de olhar para a música popular portuguesa sem preconceitos e de a trazer para o seu próprio universo.

    Depois apareceu Manuela Azevedo, primeiro em “Espetáculo” e mais tarde, juntamente com Samuel Úria, em “Os Vampiros”, de José Afonso. A canção ganhou naquele contexto uma força particular. Não era apenas uma homenagem a Zeca Afonso, era mais uma ponte entre diferentes momentos da história da música portuguesa e entre artistas que, décadas depois, continuam a encontrar nas mesmas palavras motivos para cantar.

    Com Capicua, chegou “Liberdade”, e o palco foi-se enchendo ainda mais de vozes. No final, todos os convidados juntaram-se a Godinho para aquela que era, desde o início, a canção que dava nome ao espetáculo. O resultado teve menos de final protocolar e mais de celebração coletiva. A canção deixou de pertencer apenas a Sérgio Godinho e passou a pertencer àquele palco inteiro.

    Ainda houve tempo para “Com um Brilhozinho nos Olhos”, “O Fugitivo” e “O Primeiro Dia”, completando um alinhamento que atravessou diferentes momentos da carreira. E talvez seja precisamente essa variedade que tornou o concerto tão especial: havia canções políticas, canções de amor, histórias, ironia, memória e canções que parecem ter sido escritas para sobreviver ao tempo.

    Mas o mais bonito aconteceu na relação entre Godinho e os convidados. Não parecia haver uma tentativa de mostrar quem era a estrela maior. O palco funcionava como uma mesa onde todos tinham lugar. Cada músico chegava, cantava, acrescentava qualquer coisa e deixava a canção seguir o seu caminho.

    E depois aconteceu algo que tornou o concerto ainda mais especial. Quando terminou, começámos a ver grande parte daquele público, sobretudo muitos dos mais jovens, a sair do recinto. Não estavam a abandonar o festival. Tinham ido para lá directos da praia fluvial para assistir ao concerto e, agora, voltavam à sua noite: jantar, tomar banho e regressar depois ao festival. É um detalhe aparentemente pequeno, mas que diz muito sobre a importância que aquele momento tinha tido para eles. Tinham organizado a própria tarde em função de Sérgio Godinho.

    Sendo uma geração tão nova, foi particularmente bonito assistir a essa atitude. Num festival onde convivem artistas de diferentes épocas, aqueles jovens tinham escolhido estar ali, naquele horário, para ouvir músicas que nasceram muito antes de eles próprios. Não estavam apenas a reconhecer um nome histórico, estavam a cantar as canções.

    O público percebeu isso. Havia diferentes gerações diante do palco, muitas delas provavelmente separadas por décadas de música, mas reunidas nas mesmas palavras. Sérgio Godinho conseguiu uma coisa difícil: fazer com que uma carreira com mais de meio século parecesse não uma retrospectiva, mas uma conversa que ainda está a acontecer.

    Foi um dos momentos mais bonitos do festival, se não mesmo o mais bonito. Porque naquele fim de tarde havia uma imagem difícil de esquecer: um anfiteatro cheio, com várias gerações lado a lado, todas a cantar Sérgio Godinho. E depois, já fora do recinto, aquela mesma geração mais jovem a seguir para jantar e tomar banho antes de regressar à noite. Como se o concerto tivesse sido o primeiro compromisso do dia e um compromisso que ninguém queria falhar.

    Sérgio Godinho subiu ao palco com mais de cinquenta anos de canções às costas e saiu de lá com a prova de que elas ainda não envelheceram. Em Coura, “Liberdade” não foi apenas o nome de um espetáculo. Foi uma palavra cantada por várias gerações ao mesmo tempo e, durante aquelas horas, pareceu que ainda havia muito caminho para a canção percorrer.

Texto: Sofia Reis

Fotografias: Hugo Lima