Quando os King Gizzard & The Lizard Wizard anunciaram, no verão passado, que estavam a retirar o seu catálogo inteiro do Spotify, parecia mais um capítulo na longa tensão entre músicos e plataformas de streaming,  mas poucos meses depois, o absurdo ultrapassou a ficção científica, a banda australiana encontrou-se alvo de uma imitação feita por AI, prontinha a ocupar o espaço que deixaram vago, daí ao consegui-lo seria outro assunto.

    A história começa logo após o lançamento de "Phantom Island", em junho, cansados da ligação do CEO do Spotify, Daniel Ek, a empresas de tecnologia militar e da forma como a plataforma remunera artistas, os King Gizzard & The Lizard Wizard decidiram sair, um gesto raro, radical e profundamente político, que apoiamos e respeitamos imenso. O que ninguém esperava é que fosse preenchido por uma versão artificial da banda.

    A descoberta foi feita por um utilizador do Reddit, que partilhou a sua surpresa ao encontrar no seu Release Radar uma nova faixa de um artista chamado “King Lizard Wizard”, um nome que só não gritava “impostor” porque a situação era demasiado onírica para ser levada a sério à primeira. A canção chamava-se “Rattlesnake” e se até aqui, já estava a ser surreal, piorou ao perceber que a música soava perigosamente próxima da “Rattlesnake” real, lançada pelos King Gizzard & The Lizard Wizard em 2016. Letra, voz, o groove psicadélico completamente baseados no original, mas o intérprete era um algoritmo.

    O perfil falso tinha ainda outras músicas, todas elas variações toscas, mas inquietantes imitações do som da banda. Capas de álbum geradas por AI tentavam recriar, sem brilho e sem a mesma qualidade, o estilo visual que os King Gizzard & The Lizard Wizard cultivam há mais de uma década. Tudo indica que alguém usou um modelo de AI para fabricar uma versão paralela da banda. Uma versão barata. Uma versão slop.

Confrontado com a situação, Stu Mackenzie, vocalista dos King Gizzard & The Lizard Wizard, respondeu como quem tenta rir para não chorar:

“Estou a tentar ver a ironia desta situação… mas a sério, wtf — estamos verdadeiramente condenados.”

    Os King Gizzard deixaram o Spotify precisamente para não compactuar com aquilo que consideram uma visão distorcida do futuro da música. E foram recebidos pelo futuro distorcido da música. 

Do lado da plataforma, a resposta foi rápida e institucional:

“O Spotify proíbe estritamente qualquer forma de personificação de artistas. O conteúdo foi removido e não foram pagos royalties.”

Caso encerrado? Nada disso.

    Mais do que um "clone", é um sintoma de uma doença que se avizinha, este episódio expôs de forma clara um fenómeno que tem crescido rapidamente: a proliferação de músicas geradas por AI que imitam artistas reais, sem o seu consentimento. Em setembro, o Spotify anunciou ter removido cerca de 75 milhões de músicas criadas por AI, parte de uma ofensiva contra conteúdos fraudulentos e tentativas de manipulação de royalties através de uploads massivos de música artificial.

    Ainda assim, "clones" continuam a infiltrar-se em playlists personalizadas, escapar aos filtros de moderação e desafiar o próprio conceito de originalidade musical. Enquanto isto, as grandes editoras seguem numa direção ambígua, que achamos perigosa, como por exemplo a Universal, Sony e Warner estarem a assinar acordos que permitem treinar modelos de AI com gravações reais dos seus catálogos de artistas, criando desta forma um futuro onde artistas podem ter clones “oficiais”, versões autorizadas ou autorizáveis da sua própria voz. O uncanny valley nunca pareceu tão real ou tão inevitável.

    Desde que abandonaram o Spotify, os King Gizzard & The Lizard Wizard têm apostado em modelos alternativos, como o Bandcamp, onde disponibilizaram álbuns com o sistema name-your-price, apostando na relação direta com os fãs. O Bandcamp a nosso ver para além dos álbuns físicos, é uma excelente alternativa de ouvirmos e termos os álbuns das bandas que gostamos e apoia-las.

    Este último episódio, porém, empurra-nos para uma discussão muito mais ampla: Quem controla a identidade de um artista na era da AI?
O que significa ser “autêntico” quando até as vozes podem ser clonadas em segundos?
E que parte do futuro da música está a escapar pelos dedos sem que ninguém dá conta? Ou qual o futuro dos músicos e dos concertos? Para não falar na qualidade.

    Os King Gizzard & The Lizard Wizard tornaram-se um exemplo ao sair do Spotify e agora com esta sua “colonização” deram também a excelente oportunidade para repensar nisto da AI, no futuro da musica, da arte que é ser-se músico, na música ao vivo e em tudo o que tudo isso envolve. Esta descoberta dos “clones” deles é uma estranha descoberta e na verdade através da nossa perspectiva, é profundamente perturbador e afinal de contas acaba por ser o reflexo do mundo atual, assim como sintetizou Stu Mackenzie, fazemos nossas as palavras dele:

“Estamos verdadeiramente condenados.”

Fotografias de Paul Hudson

   O Sonic Blast Fest está de volta e, desta vez, não veio anunciar: veio aterrar de punho cerrado. A edição de 2026, marcada para 6 a 8 de agosto na lendária Praia da Duna dos Caldeirões, em Âncora, abriu as hostilidades com 22 bandas que prometem empurrar o Atlântico alguns metros para trás.

O primeiro impacto traz nomes como Turbonegro, High on Fire, Deafheaven, Chat Pile, Midnight, Kylesa, Conan, Dead Meadow e The Casualties, acompanhados por uma força-tarefa sonora que vai do psych ao punk, do doom ao groove: Levitation Room, Elder, Snapped Ankles, N8noface, Adult., Necrot, Early Moods, Margarita Witch Cult, Primitive Ring, Hög, Goya, Ungraven e Frankie and The Witch Fingers.

   Os Turbonegro regressam finalmente a Portugal, agora com Tony Sylvester ao leme, para uma descarga de deathpunk hedonista que transforma qualquer recinto numa celebração de caos organizado. Os High on Fire, comandados pelo xamã do riff Matt Pike, voltam com o seu stoner-sludge de dimensão continental. E os Deafheaven, pela primeira vez no Sonic Blast, vão testar a resistência emocional do público com a sua alquimia entre shoegaze, black metal e luz ofuscante em plena escuridão. Já os Chat Pile chegam para nos lembrar que o verdadeiro terror moderno não está em filmes, está nos riffs e nas letras deles.

  O resto do cartaz mostra porque o Sonic Blast se tornou culto: Midnight trazem celebração blasfema, Levitation Room acende o psych solarengo, Elder e Snapped Ankles voltam para explorar dimensões paralelas, Dead Meadow continuam a liderar a viagem psicotrópica e The Casualties renovam o pacto eterno do punk old-school. Os Kylesa, reativados e com sangue novo a correr nas veias, prometem um dos regressos mais intensos da edição. Pelo caminho, N8noface e Adult. puxam o festival para a eletro-subversão.

  Para quem procura peso até o chão ceder, há munição suficiente: o doom arrastado e esmagador dos Conan, o death metal sem filtros dos Necrot e toda a vaga setentista de fuzz e groove trazida por Early Moods, Margarita Witch Cult, Primitive Ring, Hög e Goya. A fechar o carrossel psicadélico mais intenso da costa portuguesa, surgem Ungraven e Frankie and The Witch Fingers.

Organizado pela Garboyl Lives, o Sonic Blast é mais do que um festival: é uma peregrinação sónica com praia, rio, pinhal, calor, amigos, estrondo e aquela sensação de que o mundo fica suspenso durante três dias. O warm up acontece a 5 de agosto.

Os passes gerais já estão à venda por 100 € na BOL, depois dos bilhetes early bird terem esgotado num ápice.

Em 2024, o festival ultrapassou as 16.500 pessoas nos três dias (mais cerca de 3.000 no warm up). Tudo indica que 2026 vai escrever mais um capítulo estrondoso da saga.

   Os Nation of Language regressam a Lisboa no próximo 28 de novembro de 2025, para um concerto no LAV – Lisboa Ao Vivo, e a expectativa não podia ser maior. Para nós, que já tivemos o prazer de os ver e fotografar noutras passagens por Portugal, este regresso tem um sabor especial: é sempre um privilégio testemunhar ao vivo uma das nossas bandas favoritas, cuja intensidade emocional e estética sonora nos conquista concerto após concerto.

    Formada em Brooklyn, a banda é composta por Ian Richard Devaney, Aidan Noell e Alex MacKaytem vindo a afirmar-se como uma das forças mais interessantes do synth-pop contemporâneo. A banda bebe da energia do new wave e do post-punk dos anos 80, recriando essas referências com uma modernidade elegante e uma sensibilidade lírica que lhes tem garantido um público cada vez mais devoto. Discos como Introduction, Presence, A Way Forward e Strange Discipleconsolidaram a sua identidade: canções melancólicas, envoltas em sintetizadores cintilantes, ritmos precisos e uma voz que parece caminhar entre nostalgia e esperança.

    O concerto no LAV promete trazer tudo aquilo que faz dos Nation of Language uma das bandas mais emocionantes ao vivo. Quem já os viu sabe o que esperar: uma atmosfera imersiva, luzes que acentuam a estética retro-futurista da banda, interpretações intensas e um rigor sonoro que valoriza cada detalhe dos arranjos. É o tipo de espetáculo em que tanto se dança como se contempla. O setlist deverá atravessar os momentos mais marcantes da carreira, misturando canções que os fãs já conhecem de cor com temas mais recentes que mostram a evolução criativa do trio.

    O LAV é o palco perfeito para esta experiência: uma sala de proximidade, onde a ligação entre público e artista se sente com força e onde os ambientes emocionais da banda ganham vida de forma ainda mais íntima. As portas abrem às 21h00, com o concerto marcado para as 22h00, e os bilhetes já estão disponíveis através da Fever.

Para quem já segue a banda, é uma oportunidade de revisitar a energia única que trazem ao palco. Para quem ainda não os viu, é a oportunidade ideal de se render ao universo synth-pop mais apaixonante dos últimos anos. Uma noite que, garantidamente, ficará na memória.

    Com “Acetate” os Hetta dão o grande passo para se afirmarem como uma das bandas mais relevantes da nova vaga de música pesada em Portugal. O disco, marcado por uma urgência feroz e uma precisão incomum, apresenta o grupo num ponto de maturidade surpreendente para um projeto ainda jovem, capaz de equilibrar intensidade emocional e rigor instrumental sem sacrificar a identidade crua que os distingue.

    Ao longo do álbum, a banda demonstra que não está interessada em seguir fórmulas previsíveis dentro do hardcore e do screamo. Em vez disso, constrói um espaço sonoro onde caos e estrutura convivem em tensão permanente. As guitarras, ora cortantes, ora atmosféricas, desenham paisagens de desconforto calculado; a secção rítmica, sólida e impiedosa, funciona como o coração acelerado que impulsiona todo o disco; e a voz de Alex Domingos, sempre no limiar entre vulnerabilidade e explosão, guia o ouvinte através de um território emocionalmente denso, turbulento mas ao mesmo tempo catártico.

   O single “Twin Scissors”, já revelado antes do lançamento, funciona como cartão de visita desta nova era da banda: feroz, incisivo e emocionalmente carregado. É também um exemplo claro da abordagem mais consciente presente em “Acetate”. As músicas não dependem apenas da intensidade, mas da forma como essa intensidade é moldada. Mesmo nos momentos mais agressivos, sente-se uma intenção clara, quase coreográfica, que coloca o álbum acima da reação instintiva típica do género.

    Um dos pontos fortes do disco é a produção, que realça a dinâmica sem domesticar a energia do grupo. Há espaço entre os instrumentos, há contraste, silêncio e explosão, e há um cuidado evidente em preservar a honestidade sonora da banda, não escondendo imperfeições, mas transformando-as em caráter.

Tematicamente “Acetate” mergulha em conflitos internos, desgaste emocional e na sensação omnipresente de estar prestes a rebentar. Não há respostas fáceis, nem mensagens suavizadas. O álbum, tal como a própria banda, recusa o conforto. O que oferece é autenticidade, um retrato cru de inquietações contemporâneas, entregue com a intensidade de quem não tem tempo a perder.

    Se os Hetta já eram conhecidos pela devastadora energia ao vivo, “Acetate” é o sinal de que conseguem transportar essa força para estúdio sem perder impacto. Mais do que um simples lançamento, o álbum funciona como uma espécie de manifesto ou de uma prova de que o hardcore português pode ser tão inovador, emotivo, impactante e poderoso, como qualquer cena internacional e nós nem gostamos de falar de música com este rótulo, porque para nós, música é música a sua nacionalidade tanto faz, mas infelizmente ainda há por aí muita gente que valoriza bastante esse rótulo.

    Queremos com tudo isto dizer que “Acetate” não é apenas um disco promissor, ou mais um disco novo, é um dos trabalhos mais urgentes e genuínos surgidos recentemente no panorama nacional. Uma afirmação poderosa de uma banda que, ao que tudo indica, está apenas a começar.

    Vais poder ouvi-lo a partir de amanhã em todas as plataformas ou melhor ainda compra-lo à banda. 

    Deixamos-te aqui a agenda de concertos para o lançamento do álbum e temos a certeza que não vais querer perder, vê onde estás mais perto se de Lisboa na Casa Capitão dia 4 Dezembro, pelas 20:00, com concertos de Cave Story, Reia Cibele e Prado, ou Porto no Espaço Lovers & Lollypops dia 18 dezembro às 19:00 com concerto de Idle Hand ou Cadima na Lucia-Lima dia 19 dezembro às 22:00. 

Texto: Sofia V.

Fotografias: Francisco Fidalgo

  Os Turnstile preparam-se para incendiar Lisboa na próxima semana, e a cidade sente a aproximação como quem pressente uma onda prestes a rebentar. O LAV – Lisboa Ao Vivo recebe a banda num momento em que o seu impacto global continua a crescer, um fenómeno que já ultrapassa géneros, cenas e fronteiras. Para nós, é também um regresso especial: depois de os vermos e fotografarmos no Primavera Sound Porto, voltamos agora a encontrá-los num espaço íntimo, onde a força da banda se sente ainda mais de perto.

Os Lavoisier regressam com um impulso criativo raro: era com h chega como um relâmpago poético, uma descarga elétrica que amplia tudo o que a dupla já vinha a construir. Patrícia Relvas e Roberto Afonso entram em 2025 com o som expandido, a visão afiada e a vontade clara de abrir novas fronteiras para a música em português.

O novo disco nasce do encontro entre poesia contemporânea e experimentação sonora. Dez poetas — de José Luís Peixoto a Alice Neto de Sousa, de Nástio Mosquito a Vinicius Terra — oferecem palavras que se transformam em território vivo, onde cada faixa respira com intensidade, desejo, ritmo e imaginação. É um álbum que pulsa como um manifesto e vibra como um sonho urgente.

A formação cresce e o universo dos Lavoisier também: Pedro Branco, Ricardo Dias Gomes e Diogo Sousa juntam-se à dupla e criam uma força coletiva impressionante. O resultado é um som com textura, espaço, groove e uma energia que se sente logo no primeiro acorde. era com h afirma-se como um corpo sonoro cheio de espírito e movimento, onde a poesia acende guitarras e o experimentalismo abre novas clareiras de luz.

Cada canção parece feita para despertar algo, um pensamento, um impulso, uma memória e o disco inteiro convida a entrar devagar antes de elevar tudo com poder e festa. É música que pensa e faz dançar; poesia que respira e ganha ritmo.

Para descobrir como este universo foi construído e que caminhos aponta, estivemos à conversa com a banda. Aqui começa a viagem. Bem-vindo ao mundo em expansão dos Lavoisier.

 “era com h” é um título enigmático e quase surreal. O que é que vos atrai nessa ideia do “erro” ou do “imaterial”? Há algo de intuitivo, até espiritual, nessa escolha?

O erro, o imaterial, sempre atraiu, e este título está embebido de tudo isso. era com h, aparece num sonho em tom de prenúncio, é quase surreal. 
O ponto de partida para este trabalho foi o subtítulo: A musicalidade e o gesto na poesia contemporânea, e daqui se evocaram todas as questões pertinentes e saborosas, até mesmo a conclusão de que não seria o título desta obra. Por ser este álbum dedicado à palavra, seria difícil ver aparecer o título que faria jus ao trabalho em causa, e vindo do lado onírico, do inconsciente foi óbvia a sua aceitação. Começando a debulhar tudo o que traz consigo, fez sentido a ambiguidade, se for dito provavelmente será escrito de outra maneira, e aqui gostámos dessa dupla interpretação desse lugar múltiplo da poesia, do que nem tudo o que parece é. Depois falamos de uma era, duma geração onde o h, como letra representa o ser, e ser, somos todos, sem h também. Continuando na debulha, existe também a Hera, a deusa grega, rainha dos deuses, ou simplesmente uma planta trepadeira, que ajuda na purificação do ar.

Desta vez convidaram dez poetas para escreverem letras inéditas. Como é que se compõe música sobre palavras de outras pessoas? Sentiram que foi um desafio ou uma libertação?

Foi um desafio libertador. 
Já existia esse lugar, de musicar poesia, o primeiro foi Álvaro de Campos, num excerto da Saudação a Walt Whitman, depois Judith Teixeira, para mais tarde nos dedicarmos a Miguel Torga, onde nasce "Viagem a um Reino Maravilhoso".
Manuel António Pina sobre o encontro das palavras e da poesia dizia, que seria a hesitação entre o som e o sentido: a parte do som que faz sentido e a parte do sentido que se perde no som. É esse lugar do som que as palavras emitem que traz já o sentido da musicalidade inscrita, o gesto depois acompanha esse som sentido.
Mas voltando à objetividade da pergunta, neste caso houve que trabalhar com a poesia viva, até então só havíamos cantado poetas mortos. São dois pesos diferentes, ambos com muita responsabilidade e loucura ao mesmo tempo.

Há uma clara expansão sonora neste disco: guitarras, baixo, bateria, eletrónica. O que é que motivou essa transição de duo para quinteto? E como é que essa nova química se reflete no som?

O que motivou essa vontade, foi mesmo a vontade de tocarmos com mais músicos. Já lhe tínhamos sentido o gosto um pouco no "Aí ", onde chegámos a apresentar concertos com o Carlos Bica, Lula´s e João Correia, mas era complicado, porque o álbum não tinha sido pensado assim, pois estes músicos participavam apenas em alguns dos temas, então era um corpo estranho. Neste álbum, queríamos muito ter uma banda de raiz, que fizessem as gravações em estúdio e que fossem para a estrada connosco.

Os amigos que se juntaram, foi o acaso dos felizes encontros, o estar atento e valorizar muito a empatia que existe com uns e não com todos.
Pedro Branco, ficou amigo, desde o primeiro dia que nos conhecemos, e foi um dia muito importante para nós e para ele também. Foi o dia em que começamos os ensaios com Fausto Bordalo Dias, para a apresentação na Aula Magna, dos 40 anos de "Por este rio acima". 
Ricardo Dias Gomes, é nos apresentado pela Ava Rocha que colaborou connosco no Aí, aquando uma visita a Lisboa. Mal sabíamos nós, que ele tinha o seu estúdio duas ruas abaixo do nosso, foi muito bom encontrar a sua nave espacial mesmo na galáxia em frente. É um puta músico, produtor,  trabalhou por dez anos com Caetano Veloso, é um ser "espacial" que contribui muito para que este álbum chegasse aqui. 
Diogo Arranja, é apanhado no meio do processo de um álbum, queríamos apenas gravar algumas baterias, o álbum teria sido pensado inicialmente em quarteto. Quando se dá o encontro para as gravações, e um concerto em formato quinteto, vimos o bicho crescer e foi evidente, o Diogo teria que fazer parte de tudo isto. Conhecemo-nos no Faial, numa residência artística para construir Cantares do Andarilho, sobre a obra de Zeca Afonso. É uma pessoa com certeza no olhar, no tempo, no groove que a vida nos dá, se tivermos os olhos abertos, como ele. Esta é a química, para que tudo se transforme.

A vossa música sempre teve uma relação muito forte com a identidade portuguesa. Acham que este álbum representa um afastamento disso ou é uma nova forma de o reinterpretar?

É um álbum que se afasta da ideia de identidade portuguesa que nos é oferecida. 
Não é uma reinterpretação, para nós é a realidade, a identidade portuguesa sempre foi construída desses lugares, que através dos tempos nos deram outra cor. Lavoisier começa com a noção de sermos seres antropófagos, como portugueses, como artistas, como seres atentos ao que nos rodeia, nunca puristas, e de uma identidade só.

Em Berlim, há dez anos, tivemos a necessidade de conhecer música que vinha de um lugar chamado terra, que nos emocionava tanto, Vale de Azares e Lagarelhos, as nossas aldeias. Este estudo e o reconectar a um passado que nos pertencia e que desconhecíamos, surge de uma falta de alimento, que já trazíamos de tantas outras terras.
Foi bom deixar de ter preconceitos em relação à música popular, contudo, talvez como tudo, a moda peca pela repetição, logo pela perda de sentido.
Desta perspetiva, este álbum continua a ter uma forte relação com a identidade portuguesa.

O álbum não tenta, ele retrata e questiona o mundo através dos seus intervenientes. Do espelho do presente à distopia, infelizmente, não é tão grande assim a distância, os poetas que escreveram e os músicos que musicaram são filhos do mesmo tempo, e toda esta constelação permitiu organizar este mapa astral, que nos dá pistas de um futuro que se avizinha tenebroso, se não houver questões, atenção, poesia, música, a arte.

Depois de explorarem a tradição, a poesia e a experimentação, para onde é que os Lavoisier podem seguir a seguir? O que é que ainda falta transformar?

Continua a faltar tempo, para o tanto que há para se transformar! Sabemos apenas, que a seguir a este álbum, deverá existir a continuação do trabalho de estudo chamado Polifonias Singulares, agora o VOL. II

O disco nasce num momento em que a poesia portuguesa está particularmente viva. Sentem que era com h é também uma forma de reivindicar espaço para a palavra dentro da música pop e alternativa?

era com h, vem com o propósito maior de usar e abusar da poesia. Que sejamos inundados com poesia, do pop ao erudito.

Trabalhar com dez poetas implica dez universos diferentes. Como é que evitaram que o álbum se tornasse uma colagem e garantiram que tivesse uma identidade sonora coerente?

A identidade sonora coerente é algo que acontece no processo. De fato era uma das coisas que tínhamos algum receio, ser um álbum feito de ilhas, mas sem muita preocupação. Antes de tudo, queríamos conversar com o poema, sem a manipulação de tentar que pertencesse a um todo, mas acho que é mesmo no processo que o todo ganha forma, e não é um processo muito consciente. Ao mesmo tempo, talvez seja até bem natural, porque será sempre a guitarra e voz do Roberto, a minha voz, a guitarra do Pedro, o baixo do Ricardo e a bateria do Diogo.

Há uma dimensão política subtil no vosso som — pela escolha das palavras, pela forma como tratam o português, pela colaboração entre diferentes geografias. Acham que era com h é também um disco político, mesmo que não o pareça à primeira escuta?

É bom que não pareça à primeira escuta, nem seja realçado por isso. Mas, um álbum é sempre político, se quiseres cantar uma canção sobre as tardes de verão em Alvalade, a comer um gelado cor de rosa, é político. Quando pedimos a poetas para escreverem poemas para serem musicados, não lhes pedimos poemas de amor, e até poderia ser mas, na verdade não pedimos nada. Quisemos, sim, marcar um encontro e esse ser o nosso ponto de partida, quando convidámos o Nastio Mosquito, sabíamos ao que íamos, Portugal Não me Respeita, é um poema que retrata o abandono de idosos num interior desertificado, entupidos com medicamentos para não se lembrarem de ser gente. A Maria do Rosário Pedreira, fala de uma menina que morreu, mas estavam todos distraídos a olhar para as fotografias e mal se aperceberam. Todos eles têm uma mensagem política relevante.  

Ao longo dos anos, têm-se reinventado sem perder a essência. Que conselho dariam ao “vosso eu” de há dez anos, quando começaram a desconstruir a canção portuguesa?

Que por mais impossível que pareça, passados dez anos continuaremos aqui, neste mesmo lugar, como Lavoisier, a fazer música.

Entrevista e texto: Beatriz Silva

Fotografias: Daryan Dornelles

    No dia 31 de outubro, a banda lisboeta Escárnio revelou os dois singles do EP “Dia dos Mortos” — “Faça e Queijo” e “A Espelho Meu” — reafirmando-se como uma presença única na cena alternativa portuguesa. O som da banda é uma mistura explosiva de fúria punk e elegância glam, um rock direto e cru que combina energia, atitude e mensagem sem nunca perder autenticidade.

    No centro deste fogo está Violeta Luz, cuja poesia cantada é das mais intensas e sinceras que se ouvem atualmente no punk rock feminino. Cada letra é um desabafo, um confronto com os seus próprios demónios, carregada de resistência feminina, introspecção e afirmação pessoal. É impossível ouvir as suas vozes sem sentir cada palavra atravessar-te, como se a banda estivesse a arrancar-te do sofá e a colocar-te no meio do palco.

    A banda completa o quadro com os riffs e coros de Pedro Treno, guitarras e harmonias de André Amado e a bateria pulsante de Alexandre Bandola. Gravado, misturado e masterizado por André Isidro, o resultado é um som intenso, honesto e cativante, que te prende do primeiro ao último segundo.

    Mesmo com apenas dois singles, “Dia dos Mortos” mostra que Escárnio não está aqui para fazer rock por fazer: cada acorde, cada palavra e cada batida é uma declaração de força, atitude e verdade. É punk rock feminino com presença, identidade e coração, e uma prova de que Violeta e a sua banda estão entre as vozes mais firmes e genuínas da música alternativa portuguesa de hoje.

    Num país onde a música independente vive um dos períodos mais férteis da sua história recente, o Festival Emergente volta a assumir-se como um radar essencial para perceber o que realmente está a acontecer na cena nacional. A sétima edição — a maior até agora — toma conta da BOTA nos dias 27, 28 e 29 de dezembro, com 18 concertos repartidos por três dias de descoberta. E este ano, depois de termos marcado presença em todas as edições anteriores, damos um passo em frente: somos parceiros oficiais do festival, reforçando um relacionamento que cresceu ao ritmo da própria cena emergente.

  At MIL Lisboa, some gigs pass through the programme like brief sparks, and others leave scorch marks. YARD’s set belonged, unequivocally, to the latter. It was easily one of the festival’s standout performances, and one of the shows I’d walked in most eager to witness. The Dublin trio took the stage like they were firing up an airborne machine on the verge of lift-off, a propulsive force driven by serrated beats, guitars in open combustion, and an electric tension that shook the entire room.

  Their shared history helps explain that rare level of intensity. Emmet White, Dan Malone and George Ryan grew up together, sharing the same streets, the same first bands, and the same instinct to shape sound until it becomes something physical. That common origin arrives onstage with the weight of a silent pact: every beat, every icy arpeggio, every distorted breath feels powered by a single, near-telepathic impulse. It’s more than chemistry; it’s a private language forged through years of rehearsals, sonic obsessions and a collective hunger to push at the edges.

  Each piece behaves like a tectonic plate, shifting slowly before tearing the ground open. No frills, no hesitation, just a focus you can feel thumping in your chest.

Emmet’s vocals slice through the electronics with surgical precision. Malone’s guitar stretches out like a blade of light. Behind drums and synths, Ryan lays down the gravitational law of the room. The crowd answers with absolute conviction.

  What begins as a watchful audience morphs into a collective organism the moment the beats take command. This is the kind of performance that privileges pulse over patter, that would trade a thousand metaphors for one perfectly placed physical jolt. And those jolts come again and again.

  A few days before the show, during a laid-back mini-interview, YARD spoke with real enthusiasm about Máquina, one of Portugal’s most singular bands, which surprised me not for the admiration itself but for how happily they name-checked them.

  For me, this was one of the festival’s defining moments, a performance that stamps itself onto memory, redraws the bar, and forges a true fusion between band and audience. If there are new acts pushing the limits of European electronics, noise and post-punk, YARD are unmistakably among them. That night, MIL Lisboa witnessed an experience that will be hard to forget.

 Fazem canções e atiram pedras ao mesmo tempo, Unsafe Space Garden , o coletivo vimaranense, lança o single “FKNKU”. Que nos chega como uma descarga elétrica num sistema que insiste em adormecer. É agressivo, imprevisível e estranhamente catártico. E é precisamente por isso que funciona.

    O título não engana: lê-se literalmente faca no cu. Um gesto de provocação, sim, mas também de honestidade brutal, a marca registada da banda. “FKNKU” não procura consolo, procura fazer pensar ou sentir. É uma música que fala das dores que se aprendem a esconder, das feridas que o corpo decora e da apatia que se instala quando já nada parece doer.

    Gravado e produzido com o rigor que se tornou assinatura do grupo, o tema é uma viagem por territórios onde o caos e a precisão coexistem em tensão permanente. Guitarras carregadas de fuzz abrem caminho entre camadas de sintetizadores, enquanto a bateria alterna entre o ataque e o vazio. A voz chega crua, quase sem filtro, como se cada palavra fosse uma facada. É rock experimental, mas também performance emocional, é um colapso com método.

    No centro está uma ideia: desconforto como forma de resistência. “FKNKU” não é para soar a palavras agradáveis, mas sim ser verdadeiro e esse é um gesto raro, especialmente num tempo em que tudo parece calibrado para não ofender ninguém e quando se diz uma verdade dezenas ficam ofendidos ou deprimidos.

    O videoclipe, realizado por André Tentugal e protagonizado por Frederico Ferreira, amplifica o impacto. Não é um adereço visual, é uma extensão orgânica da canção, uma peça simbólica onde o corpo é território de conflito, vulnerabilidade e também libertação.