Nos últimos tempos, assistimos a dois concertos de Surma tão distintas e tão maravilhosas, que não pudemos deixar de escrever sobre ambas. Estas duas experiências embora partilhassem a mesma essência sonora, foram universos distintos, separados por espaços, atmosferas e intimidades que delinearam dois retratos únicos da mesma artista em movimento.

No Primavera Sound Porto, Surma subiu a um palco imenso, rodeada pelo vasto céu aberto e pelo mar de pessoas que um festival deste calibre atrai. Ali, a sua eletrónica envolvente encontrou a grandiosidade do ar livre, espalhando-se como um feitiço expansivo que dominou o espaço e fez vibrar uma multidão sedenta de inovação. O concerto foi uma obra de artesanato sonoro, onde as camadas ricas, as batidas dançáveis e as atmosferas etéreas combinaram-se num espetáculo de luz e som que hipnotizou a audiência. A sua presença, ali, foi sólida e cativante, preenchendo cada recanto do espaço com uma energia que se expandia, ecoando para além do visível.

Mas o que se passou no Bota, em Lisboa, não foi um simples eco desse momento: foi uma reinvenção, uma outra forma de sentir e de ser sentida. O Bota, com as suas paredes mais próximas, o palco no centro da sala, e o público rodeando cada nota, ofereceu um encontro muito mais direto, quase tribal. A intimidade do espaço anulou distâncias e elevou a música a algo de quase ritualístico. Aqui, Surma invocou uma experiência onde cada textura, cada pausa, cada sopro electrónico parecia estar destinado a um contacto mais profundo e imediato com quem ali estava.

Pedro Melo Alves e João Hasselberg não foram meros convidados, foram elementos essenciais desse triângulo vivo, energia que pulsava e se renovava. A posição cénica, com o palco colocado no centro e os músicos frente a frente, transformou o espaço num campo de força onde a comunicação visual e sonora se entrelaçava numa dança subtil, criando uma corrente elétrica que se espalhava para a audiência, num diálogo permanente e intenso.

Se no Primavera Sound a luz desenhava vastos panoramas coloridos, no Bota as luzes foram feridas abertas no escuro, com projeções líquidas que ondulavam em perfeita simbiose com a música, envolvendo a sala num abraço simultaneamente íntimo e expansivo. A experiência visual ali foi tão visceral quanto o som, contribuindo para que a audiência não se sentisse espectadora, mas parte integrante de um organismo vivo.

Aquele não foi de forma alguma um concerto comum. Não foi um espetáculo passivo, nem um concerto  para assistir à distância ou distante. Foi uma metamorfose coletiva, uma rave íntima, uma viagem onde o som, a luz e o corpo se fundiram num só pulso. O Bota transformou-se num espaço de pertença, onde cada presença, cada respiração, era parte do próprio ritual.

No fim, quando as luzes se apagaram, ficou uma vibração, um eco profundo que continuou a reverberar no interior de cada pessoa ali presente.

Surma mostrou-nos, em dois momentos e dois espaços tão distintos, a vastidão da sua arte e a sua capacidade única de reinventar-se e reinventar o modo como nos conectamos com o som. Se o Primavera Sound foi uma celebração da sua dimensão expansiva, o Bota foi o seu santuário íntimo, uma verdadeira imersão na sua música e no que ela transmite. 

✍🏻 Sofia 

📷 Primavera Sound Porto: Hugo Lima

📷 Bota: António Colombini

    The Primavera Sound Porto 2025 kicked off in grand style, and one of the most anticipated moments was undoubtedly the Parcels concert. The Australian band, known for their sublime fusion of funk, disco, and contemporary pop, brought to the city a captivating sonic and visually stunning performance, unfolding into a true masterclass of technique, groove, and musical production.

    Right from the start, it was clear that the Parcels were masters at creating a unique harmony among their members, delivering a performance of precision but also great spontaneity. Opening with "Free", one of the band’s biggest hits, was a clear statement of intent. The track, which on the album has a more polished and restrained production, gained an organic and expansive dimension live, with the rhythm section taking center stage. The drummer, with his unbeatable groove, became the pillar upon which all the other musicians relied, creating a solid foundation for the harmonic exploration that followed. The guitar and bass, deeply influenced by funk, worked together to craft a complex yet fluid rhythmic tapestry. The bassline of "Free", for example, with its clever use of slides and subtle variations in dynamics, not only supported the track but also created an almost symphonic interdependence with the keyboards. These, with their warm analog timbres, flirted with the sounds of 70s disco but never fell into the trap of pastiche. The combination of vintage elements with contemporary production, a hallmark of the band’s sound, came across even more clearly in the live performance.

    The band's focus on vocal harmonies, always refined and with crystal-clear clarity, added another layer to their music. In tracks like "Tieduprightnow" and "Lightenup", the vocal richness was perfectly complemented by the instrumental section. The vocal harmonies, in turn, followed a classic model, but with the impeccable execution of the band members, giving the performance a rare modernity. This balance between the old and the new was key to the Parcels live experience, where each song seemed to celebrate the music that came before, yet with a personal and current twist.

   The real surprise of the night came during the performance of "Overnight", one of the band’s most well-known tracks. To the delight of the fans present, the Parcels invited Portuguese singer Maro to the stage, who joined the band for a completely reinvigorated version of the song. Her voice, smooth and ethereal, blended perfectly with the band’s pulsating groove, creating a nearly cinematic interpretation of the track. The dynamic between Maro and the Parcels was so natural that the audience quickly realized it was a seamless collaboration, far from a forced addition. Maro, who has already established herself as an up-and-coming artist on the international scene, brought a touch of melancholy and introspection to "Overnight", contrasting with the vibrant energy of the band. This moment was not only a surprise for the audience, but also a symbol of the growing musical exchange between the international and Portuguese scenes, clearly demonstrating the Parcels' versatility in creating new sonic experiences without losing their essence. The interaction between the musicians was fluid, and the collaboration, more than just an addition, elevated the music to a level of emotional intensity that made this moment one of the festival's most memorable.

  Throughout the concert, the Parcels demonstrated impressive technical ability, both in composition and live execution. The use of sound textures was one of the high points, with the band experimenting with different sonic layers and effectively managing space. The way they balanced analog and digital timbres was remarkable. The sound of "Withorwithout", for example, with its pulsating bassline and captivating synthetic melody, was a true journey through time, evoking 70s funk influences but with a production that gave the track an irreproachable modernity. The manipulation of timbres and the alternation between denser and airier moments created a subtle and engaging dynamic, keeping the audience hooked on every shift.

    But the concert was not only an exhibition of technical prowess. It was also a true collective experience, with constant interaction between the musicians and the audience. The band, with their contagious energy, knew how to create an atmosphere where the crowd felt part of the performance. In moments like the chorus of "Tieduprightnow", the audience, without hesitation, surrendered to the energy of the song, in an act of total communion with the music. The use of lighting, with variations of warm and cold tones, helped create different atmospheres, reflecting the emotional intensity of the songs while amplifying the global sensory experience.

    The Parcels concert at Primavera Sound Porto 2025 was, without a doubt, a complete spectacle. The band managed to blend technical precision, sonic experimentation, and contagious energy, creating an experience that went far beyond a simple concert. The collaboration with Maro was one of the high points, not only for the surprise factor but also for how seamlessly she integrated into the band's dynamic, adding a new layer of emotional intensity. The Parcels continue to prove, with performances like this, that they are one of the most interesting and innovative bands on the international scene, managing to create something unique by combining influences from the past with a vibrant, cutting-edge sound. Each concert, like this one, reveals more about their ability to transform music into something deep and unforgettable.

 To Explore additional photographs, please refer to our official Instagram profile @voxpopmusiczine all photos of Parcels were taken by Elisabet Swan for Vox Pop Music Zine.

    Primavera Sound Porto 2025 was marked by The Jesus Lizard performance that will undoubtedly remain in the memories of all present as one of the most intense and overwhelming sets of the festival. The band, renowned for their raw and direct approach to noise rock, lived up to their name and reputation with a show that was, quite literally, a sonic storm.

    From the moment they stepped on stage, The Jesus Lizard displayed their unique ability to create controlled chaos, a trademark that has earned them legendary status in the underground scene. David Yow, the charismatic and unpredictable frontman, was the epicentre of the immense energy radiating from the stage. His near-animalistic presence demanded the audience’s full attention, shifting between moments of total frenzy and eerie pauses that only heightened the tension in the air. His voice, raspy and menacing, resonated in perfect harmony with the whirlwind of distorted guitars and relentless drums, crafting a sense of chaos that was paradoxically hypnotic.

    And as if the performance wasn’t unpredictable enough, Yow took things even further by launching himself into the crowd in a spectacular bout of crowd surfing. Amid the musical mayhem, he was literally carried by the audience, blending with the fans while maintaining his ferocious energy. This gesture, a hallmark of his bold stage persona, only deepened the sense of connection with the crowd, adding an even wilder edge to the experience.

    The rhythm section, with Mac McNeilly pounding the drums with brutal force, served as the foundation upon which the entire performance was built. The sound was crushing and unrelenting, with the bass and drums weaving together in a way that was both precise and unpredictable. The way The Jesus Lizard use dissonance and rhythmic tension to build towards moments of sonic release is one of their greatest strengths. Tracks like “Seasick” and “Puss” are more than just songs on stage, they become explosions of raw energy, brought to life by the almost physical interaction between band and audience.

    Guitarist Duane Denison and bassist David Wm. Sims form an unbeatable sonic partnership, creating layers of dissonance that are both unsettling and irresistible. Denison’s guitar -with its jarring tuning and cutting riffs- sliced through the air, while Sims’ bass lines, fierce and unrelenting, anchored the sound in the abyss, providing a solid foundation as the guitar spiralled in unpredictable directions. This deconstruction of traditional rock, fused with punk and hardcore elements, turned each track into an intense experience, dragging the audience through waves of tension and release.

    Yow, always a master of channelling his energy into a near-feral onstage presence, did far more than sing. He attacked the songs, exorcised his own rage and frustration, and fed off the crowd’s energy in return. This kind of physical and emotional interaction with fans is rare, yet The Jesus Lizard have mastered it over decades of performing. Every gesture and movement from Yow seemed crafted to provoke a primal reaction, while the band charged ahead mercilessly with their frenzied set.

      While the concert surged with moments of near-chaotic intensity, it also included carefully constructed pauses, where the band pulled back from the frenzy to build pockets of suspended tension, only to dive back into the madness moments later. Their ability to balance this manic energy with strategic lulls was crucial to the dynamic of the performance, creating an emotional rollercoaster for everyone present.

    The Jesus Lizard’s live sound is a unique sensory experience. It’s not just a gig; it’s a jolt of adrenaline that hits both body and mind, evoking a discomfort that’s, paradoxically, impossible to resist. Their merciless riffs, ceaseless drumming, and thunderous basslines form a crushing sonic texture that keeps the listener completely enthralled, unable to look away.

    The Jesus Lizard’s performance at Primavera Sound Porto 2025 was a masterclass in sonic aggression, a thrilling demonstration of how noise rock can be urgent, disruptive, and utterly captivating. The band didn’t just play, they tore the stage apart, shattered musical boundaries, and brought the audience closer to something that can only be described as a cathartic experience. This set will be remembered as one of the most powerful and electrifying moments of the festival, proving that even decades on, The Jesus Lizard remain one of the fiercest names in global noise rock.

To Explore additional photographs, please refer to our official Instagram profile, all photos of The Jesus Lizard were taken by Elisabet Swan for Vox Pop Music Zine.

    A biting wind swept through the festival grounds, the kind that stings your face and rattles your bones. But the moment Wet Leg took the stage, wearing half-knowing, half-defiant smiles, it was as if someone had lit a bonfire in the middle of the crowd. “Wet Dream” landed second in the set, a cheeky wink, a signal that this wouldn’t be just another night. And it wasn’t.

    Amid zipped-up jackets and feet that refused to stay still, unfolded a show fuelled by raw light and nervous electricity. Rhian Teasdale, Hester Chambers and the boys, showed no fear in reinventing themselves in front of thousands. They brought with them not just hits, but new, as-yet-unreleased songs that already had shape and soul, among them, “Catch These Fists” and the provocative “CPR”, which nestled in the ear like a whispered secret under moonlight.

    Between songs came soft “obrigada” and “obrigado” spoken with careful, almost shy pronunciation, yet brimming with genuine gratitude. The kind of thank yous that feel earned, heartfelt. As if the band knew they were being embraced, and wanted to give back the best of what they have: off-kilter energy, razor-sharp humour, and the delightfully messy art that’s all their own.

    The guitars sounded like notes passed in the back of the classroom. Choruses landed with the urgency of a summer crush. And when “Chaise Longue” exploded through the speakers, it felt like the cold had been blasted away in one massive, collective shout, as though everyone there had been caught off guard by a sudden, dancing joy.

    At a festival where fresh sounds share space with the weight of legacy, Wet Leg made it clear: the second chapter can be just as captivating as the first or maybe even braver. They came fearless, armed with new songs and firmly grounded in a space they’re boldly reshaping as their own.

    By the end, no one seemed ready to leave. Maybe because, for a that moment, that frozen field became a place where laughter, rhythm, and noise built something close to a home. A warm one. That’s priceless and this is why we love Primavera Sound Porto.

    To Explore additional photographs, please refer to our official Instagram profile @voxpopmusiczine all photos of Wet Leg were taken by Elisabet Swan for Vox Pop Music Zine.

Há salas que não servem apenas para ouvir música — transformam-se, elas próprias, em parte daquilo que se escuta. O DAMAS cave com chão gasto e paredes despidas, é um desses raros espaços em que a proximidade entre palco e plateia dissolve qualquer distância. Ali, o som espalha-se, ocupa o ar sem pressa. Foi este o cenário de uma noite íntima e rara, emque Sallim e Éme, dois nomes centrais da Cafetra Records, trocaram a ideia de espetáculo por algo mais simples e, por isso mesmo, mais profundo: a presença.

Sallim: quando a fragilidade se diz com firmeza

Sallim abriu a noite com uma atuação despojada, onde as palavras e os silêncios conviviam em igualdade. As suas canções, extraídas em parte de a dor, o diagnóstico e o desejo (2023), mas também de poemas soltos e canções reconfiguradas ao vivo, surgiram sem anúncio nem artifício. O que se ouviu foi uma sucessão de gestos contidos, pequenos, lentos, mas carregados de significado.

A voz de Sallim, feita de cristal e pausa, parecia por vezes hesitar, mas era essa hesitação que lhe dava verdade. Cada verso era escolhido com cuidado, como se cada palavra tivesse de provar que merecia estar ali. A guitarra, discreta e constante, servia de base e de amparo. Não havia pressa. Nem disfarce. A fragilidade é assumida como matéria principal.

O que se passou em palco foi quase como entrar num quarto com as cortinas corridas por dentro. Um lugar protegido, sem excessos. E ainda assim, imensamente generoso. Tao simples, ela uma guitarra e a sua suave voz. A sala, em silêncio total, compreendeu que ali não havia espectáculo. Havia alguém a dar-se e o abraço foi recebido com muito carinho. 

Éme: confidência em voz partilhada

Depois da delicadeza crua de Sallim, a noite manteve-se num estado de atenção rara. Éme subiu ao palco sem alarde, com a serenidade de quem se sabe entre iguais. A sua música é feita de imagens pequenas,  uma bicicleta a passar, o cheiro do café acabado de fazer, uma janela aberta à hora certa, memórias do passado, experiências que sentimos como nossas também. Mas é justamente nessa atenção ao detalhe que reside a força do seu trabalho.

Ao vivo, Éme é acompanhado por um grupo de músicos que não só o acompanha, mas constrói com ele. Moxila no cavaquinho e na flauta, Francisca Aires Mateus no violino, Carolina Rodrigues no baixo, e Kellzo na bateria. Cada um parece saber que ali o mais importante não é encher o som, mas dar-lhe espaço. O cavaquinho entrelaça-se com o violino como quem fala baixo. O baixo sustém o chão com doçura. A bateria de Kellzo marca o tempo com leveza e cuidado, quase como se batesse no ar. O violino abraça a história que é a letra de cada canção. 

Éme não canta como quem se dirige a uma multidão. Canta como quem se senta ao lado e fala, devagar. As suas canções são cartas abertas, onde o mais banal ganha contorno emocional. Não há refrões marcantes nem grandes crescendos, há pequenos fragmentos de vida, alinhados com precisão e ternura. O resultado é uma música que não se impõe, mas sente-se, atenta-se a letra e vive-se aquela experiência. Dentro que um alarido de bandas que parecem ter todas o mesmo tipo de som, é uma brisa de ar fresco artistas como Eme que só ele e a guitarra fazem músicas e letras que enchem, que mexem com emoções.

Escuta como acto de proximidade

Sallim e Éme, cada um à sua maneira, mostraram que a canção pode ser mais do que entretenimento: pode ser uma forma de aproximação. Sentimos que foi uma noite de escuta mútua — entre quem canta e quem ouve. E, sobretudo, entre quem sente e para nós não há concertos mais especiais do que aqueles que nos fazem sentir. 

No final da noite, os aplausos não vieram por reflexo, mas por gratidão. Como quem diz: “obrigado por teres partilhado isso comigo”. Num tempo em que tanto da música ao vivo se transforma em ruído ou distração, esta noite lembrou-nos que o essencial ainda é possível. Que uma sala, um grupo de pessoas e vozes honestas podem bastar para criar um espaço onde vale a pena estar. E ouvir.

O concerto dos Quelle Dead Gazelle no Musicbox foi um exercício de energia controlada, execução precisa e envolvimento total do público. Com Filho da Mãe e Afonso Serro a reforçarem o núcleo criativo da banda, o resultado foi um espetáculo coeso, poderoso e sem quebras de intensidade.

Musicalmente, a banda apresentou-se em excelente forma. Miguel Abelaira, na bateria, esteve irrepreensível: a sua abordagem rítmica é agressiva mas calculada, com um domínio técnico evidente e uma força física impressionante. Cada secção era conduzida com clareza, e o groove mantinha-se firme mesmo nos momentos mais caóticos.

Pedro Ferreira, na guitarra, foi responsável por alguns dos momentos mais marcantes da noite. Com uma abordagem que mistura riffs pesados, noise e melodias fragmentadas, Ferreira não se limita a acompanhar, ele conduz. A sua pedalboard bem explorada e a forma como manipula o feedback e os efeitos garantem uma presença sonora dominante e versátil. A guitarra não está ali para preencher, está para provocar, cortar, deslocar. E adoramos isso. O resultado é uma presença sonora imprevisível mas sempre intencional.

Filho da Mãe acrescentou peso e textura com a sua guitarra inconfundível. O seu estilo, que alterna entre técnica apurada e momentos que pareciam de improvisação crua e perfeita, encaixou de forma natural no universo dos Quelle Dead Gazelle. Não procura o protagonismo, mas impõe presença. O som que tira do instrumento é incisivo, emocional e, por vezes, quase desconfortável, no bom sentido. A sua contribuição deu à atuação uma dimensão adicional: mais crua, mais instintiva e avassaladora. 

Afonso Serro, nos sintetizadores, teve um papel mais atmosférico mas igualmente essencial, criou camadas subtis que reforçaram a densidade sonora sem nunca sobrecarregar a mistura. Com sons sublimes e modulações envolventes, ajudou a moldar os espaços entre os instrumentos, preenchendo o ambiente sem se sobrepor.

Fora da execução técnica, foi Miguel Abelaira quem assumiu também o papel de ligação direta com o público. Com um sentido de humor afiado e uma presença descontraída, foi gerindo os momentos entre temas com piadas espontâneas e comentários certeiros. Esses momentos ajudaram a criar uma dinâmica de proximidade, a equilibrar o peso do som com leveza e empatia. A energia não se quebrou, redirecionou-se. O público reagiu não só com atenção e movimento, mas também com riso e reconhecimento.

Esse equilíbrio foi decisivo para o impacto da noite. A intensidade musical nunca se tornou opressiva, precisamente porque havia espaço para a comunicação, para a partilha. A banda manteve o foco e a solidez, mas sem perder o lado humano. Foi uma atuação onde a técnica e a entrega emocional caminharam lado a lado e o público correspondeu com atenção, entrega e energia.

Quelle Dead Gazelle confirmaram, uma vez mais, que são uma das propostas mais consistentes e desafiantes da cena nacional. E ao vivo, mostram que não basta tocar bem, é preciso saber estar em palco, criar ligação e transformar uma atuação num momento que se partilha, em tempo real, com todos os que estão ali, criar uma ligação com o público através de todos os sentidos. Já tinhamos muitas saudades de os ver ao vivo, foi uma noite muito especial, que guardamos com muito carinho na nossa memória. 

    Depois de uma edição memorável em 2024, o MEO Kalorama regressa este ano com uma novidade importante: o festival muda-se de setembro para junho (19 a 21), ocupando a linha da frente da temporada dos grandes concertos ao ar livre. Mas se a data muda, o espírito mantém-se — e é exatamente isso que nos faz querer voltar.

    No ano passado estivemos lá. E adorámos. Em especial, o Palco Lisboa, que nos ficou cravado na pele e nos ouvidos. Foi ali que vimos alguns dos melhores concertos do festival: Yard Act com a sua energia pós-punk acelerada e cínica, o furacão visual e sonoro de Yves Tumor, a libertação sensorial de Moonchild Sanelly e o encanto grooveado dos National Language. Mais do que um palco secundário, o Lisboa foi um espaço de descoberta e afirmação. 

Um cartaz que fala mais alto do que o algoritmo

    Este ano, o Kalorama volta a apostar numa curadoria que não segue modas, cria uma. Numa época em que tantos festivais vivem da espuma do TikTok, aqui aposta-se em música com substância. Há nomes com peso e visão artística.

    FKA twigs, que regressa a Lisboa, continua a ser uma das artistas mais magnéticas da atualidade, misturando dança contemporânea, dor, beleza e som. Como ela própria afirmou, “a vulnerabilidade é o estado mais forte em que podemos estar”. No Kalorama, esse estado torna-se coletivo.

    Do outro lado da introspeção surge Damiano David, vocalista dos Måneskin, agora em carreira a solo com o belíssimo Funny Little Fears. Um disco marcado por influências como Keane, The Killers ou Elton John, onde Damiano canta para se curar: “Este disco foi uma terapia. Um reencontro comigo mesmo”. Um concerto que promete fugir à extravagância e ir direto ao coração.

    E há ainda os franceses L’Impératrice, agora com nova vocalista, depois da saída de Flore Benguigui. É uma nova era para uma banda que nunca teve medo de misturar funk, psicadelismo e pop com requinte francês. Lisboa vai dançar — só ainda não sabemos exatamente com que voz.

    Para além destes nomes, terá também Badbadnotgood, Father John Misty e 2ManyDjs que adoramos e vamos ter muito gosto em ver, para não falar dos míticos Pet Shop Boys e os Scissor Sisters. 

A música portuguesa com o seu espaço e tempo

    O Kalorama não esquece o que é feito por cá. Este ano, o cartaz inclui nomes que têm deixado marca: BRANKO, Best Youth, MAQUINA., Cara de Espelho (projeto recente de Pedro Mafama), e Yakuza, uma das apostas mais refrescantes da cena alternativa. É um line-up nacional que não serve de rodapé,  ocupa lugar central, merecidamente.

Mais do que música: um compromisso real

O festival continua a destacar-se pelo seu compromisso com a sustentabilidade e com a comunidade. Em 2023, foi pioneiro ao obter a certificação B Corp e conseguiu cortar significativamente o uso de plástico e o consumo energético. Plantaram-se mais de mil árvores em parceria com a Quercus, distribuíram-se refeições com a REFOOD, e envolveram-se associações locais como a Chelas é o Sítio para dar voz a quem vive na zona do festival. 

Um festival para quem ainda acredita na música

O MEO Kalorama é feito para quem não quer playlists virais nem filtros. É para quem ainda gosta de descobrir bandas, ouvir álbuns inteiros, ver concertos do início ao fim. Para quem dançou no pó da Bela Vista, de copo na mão, enquanto o sol se punha atrás do palco Lisboa.

Este festival não quer ser o mais comentado, quer ser o mais sentido. E em 2025, tudo indica que o vai voltar a ser.

Deixamos aqui os horários e palcos onde vais querer estar

19 Junho

    Galeria Zé dos Bois, em Lisboa, foi o cenário ideal para uma noite de sons intensos e propostas audaciosas. O punk reinventado por três bandas que deixam claro que o ruído é, mais do que nunca, um campo fértil para a resistência e a expressão. Uma noite inesquecível de experimentação sonora. Escárnio, Gatafunho e Cortada trouxeram consigo uma nova definição do que é o punk hoje, mais imprevisível, mais polido nas margens do ruído e, acima de tudo, com um compromisso forte com o que é subversivo, urgente e radical.

Escárnio: O Novo Grito Feminista

    Escárnio, banda liderada por Violeta Luz, estreou-se ao vivo com o EP Falha-me Deus, num set que, embora relativamente curto, fez questão de estabelecer uma presença sonora e política imediata. A proposta da banda é um punk cru que, em termos sonoros, soa à velha guarda, mas com uma dimensão extra: a vocalização de Violeta não se limita a ser apenas uma emissão, mas um grito de afirmação feminista. As guitarras são secas e a bateria, sem grandes adornos, mantém a dinâmica simples, mas eficaz, focada na intensidade. O desempenho ao vivo foi marcado pela garra e pela entrega da vocalista, que soube tirar partido da sua posição no palco, mesmo que ainda com algum espaço para explorar a teatralidade do momento. O uso das letras, diretas e intensas, revelou um caráter reivindicativo, que transporta para o público a urgência da voz feminina no contexto do punk atual.

Gatafunho: A Irreverência do Caos Organizado

Cortada: Noise-Punk de Precisão Cirúrgica

    A fechar a noite, Cortada apresentou Gānbēi, o seu novo álbum, que foi traduzido ao vivo com a precisão e intensidade de uma descarga elétrica.  Levaram ao palco a sua proposta noise-punk com uma agressividade que, em termos técnicos, não deixou margem para dúvida: o som de Cortada é pesado, abrasivo e imperturbável. A bateria é constante e agressiva, o baixo mantém-se denso e tenso, enquanto a guitarra corta o espaço com distorções que rasgam. O vocal, em overdrive, perde clareza em favor da expressão visceral e não há espaço para nuances — o objetivo é a saturação sensorial. Ao contrário de outros projetos do género, a performance de Cortada não se perde no caos; ao invés disso, revela uma construção tensa, onde cada parte da canção serve o todo. A atenção aos detalhes na produção ao vivo foi um ponto alto, mantendo a brutalidade sem sacrificar a definição do som.

A voz tranquila que canta devagar o que já muitos sabem de cor

  Num Musicbox cheio, entre copos na mão e silêncios cúmplices, Carl Karlsson apresentou Caminhos com a calma de quem sabe que não precisa de provar nada. Com um EP acabado de sair do forno e uma base de fãs que já sabia as letras de trás para a frente, o músico sueco-português mostrou, no passado dia 14 de maio, que a sua música não precisa de pressa, só de espaço para respirar.

   A entrada em palco foi discreta, sem jogos de luz nem grandes gestos. Apenas o som, e logo se percebeu que era disso que a noite ia ser feita. Acompanhado por uma banda afinadíssima (com Martim Seabra no baixo, Velhote do Carmo na guitarra e Kyle Quest na bateria), Carl trouxe para o subterrâneo lisboeta um set feito de texturas quentes, harmonias abertas e batidas que flutuam entre géneros.

  Jazz, soul, bossa nova, hip-hop — Caminhos tem tudo isto e mais qualquer coisa. Mas ao vivo, a mistura soa ainda mais solta, mais física, mais dançável. Sem precisar de “fundir” nada — simplesmente tocando o que lhe faz sentido. A música vive num ponto de equilíbrio raro: sofisticada, sem ser elitista; acessível, sem cair no óbvio.

  O registo vocal é suave, até contido, é precisamente essa contenção que lhe dá força: há ali uma honestidade crua, quase tímida, que conquista sem fazer barulho. Entre músicas, poucas palavras. A presença é generosa, mas nunca forçada. Está ali quem quer partilhar, não quem precisa de atenção.

  O público dele estava lá não estava só a assistir — estava lá com ele. Em algumas canções, ouviram-se vozes vindas da frente da sala, fãs que sabiam cada verso e não hesitaram em fazer parte do refrão. O ambiente era íntimo, mas não silencioso, um completo equilíbrio. 

  No momento final, a banda soltou-se numa jam onde o groove tomou conta do palco. Numa vibração certa, feita para quem sabe ouvir.

Texto: Beatriz Mendes

Fotografia: Sofia R.

    Em "Night Walks", Parcels não só regressam com um novo álbum, como revelam uma faceta mais introspectiva e cinematográfica da sua sonoridade. Se o trabalho anterior da banda já nos mostrava a sua destreza em fundir funk, disco e pop de uma maneira sofisticada, neste novo capítulo, os australianos aprofundam-se num território onde a melancolia e a celebração se misturam, criando uma experiência musical de rara complexidade emocional.

    Desde o início, "Night Walks" sente-se como um passeio através de uma noite sem fim, onde o passado e o futuro se entrelaçam e as fronteiras entre o real e o imaginário desaparecem. A primeira musica, "The Road", é o ponto de partida perfeito para essa jornada: começa suave, com uma melodia contemplativa e uma produção limpa, quase etérea, mas rapidamente ganha uma intensidade suave, que nos vai conduzindo para a imersão no álbum. É uma viagem, e como qualquer boa viagem, começa lentamente, mas à medida que as musicas vão passando, a banda leva-nos para diferentes paisagens sonoras, explorando sons que vão desde o funk de grooves envolventes até as vibrações mais introspectivas da electrónica. O equilíbrio entre a euforia e a introspecção é uma das maiores forças do novo álbum. 

    Enquanto o som da banda continua a ser dançante e sedutor, há uma nuance de vulnerabilidade nas letras e na produção que traz um toque mais humano e introspectivo. "Talk To Me", por exemplo, carrega uma carga emocional que se desvia do usual otimismo das canções anteriores da banda. Aqui, as letras são mais delicadas, quase fragilizadas, como se a banda estivesse a convidar o ouvinte a entrar num momento de diálogo íntimo, onde as palavras são tão importantes quanto as melodias (na verdade para mim é sempre assim).

    Ao longo do álbum, continuam a explorar o seu gosto pela estética retro, mas de forma mais refinada, mais madura. A sonoridade disco e funk, tão presente nos seus trabalhos anteriores, cede agora lugar a um som mais experimental, que mistura camadas de sintetizadores brilhantes com guitarras suaves e percussões subtis, criando uma experiência musical que é ao mesmo tempo familiar e nova. É como se a banda tivesse encontrado uma nova linguagem para expressar as emoções que exploram nas suas letras: uma mistura de nostalgia com o poder de se reinventar.

    A produção de "Night Walks" é refinada e luxuosa, uma obra-prima que sublinha o talento de Parcels para criar atmosferas que transportam o ouvinte para diferentes estados de espírito. Cada faixa é meticulosamente construída, com detalhes subtis que vão se revelando a cada audição. A utilização de espaços sonoros (momentos de silêncio, de sons ligeiramente distantes) confere ao álbum uma sensação de profundidade, como se estivéssemos a caminhar por um ambiente noturno onde cada passo ressoasse com uma força delicada.

    No final, "Night Walks" é mais do que apenas um álbum. É uma noite inteira condensada em música: uma noite de reflexão, de celebração e de uma beleza efémera que se perde nas estrelas. Parcels não estão apenas a construir canções; estão a criar momentos, experiências sonoras que nos fazem sentir e pensar sobre o que nos move, o que nos emociona e o que nos liga uns aos outros. O novo álbum é uma prova do quanto a banda evoluiu, mantendo a sua capacidade de nos fazer dançar, mas agora com um toque de introspecção que torna a experiência ainda mais profunda.

    Felizmente Parcels são uma das bandas do cartaz do Primavera Sound Porto, e quando subirem ao palco a noite vai ganhar uma nova dimensão. O novo álbum é uma declaração de intenções: mais introspectivo, mais cinematográfico, mais imersivo. Ao vivo, essa aura quase onírica vai se materializar em batidas pulsantes e sintetizadores etéreos, como se cada canção fosse uma paisagem sonora que se desenrola à medida que o público se perde na vibração do momento.