Na noite de 25 de julho, o público do festival Sons no Montijo foi transportado por uma onda sonora psicadélica que uniu passado e contemporaneidade com refinamento e pulsação. Temples, o coletivo inglês de neo‑psicadelia formado em Kettering em 2012 por James Bagshaw (voz e guitarra) e Tom Walmsley (baixo), consolidou uma presença hipnótica e elegante com a adição de Adam Smith (teclados e guitarra rítmica) e Rens Ottink (bateria.

    A sua estreia, Sun Structures (2014), tornou-se um hino revivalista do género, alcançando o nº 7 no Reino Unido e coronado como Álbum do Ano pela Rough Trade. Com influências assumidas pelos Byrds, Nazz, Marc Bolan, Beatles e T. Rex, a banda criou uma estética sonora tão minuciosamente trabalhada que muitos críticos reconheceram o virtuosismo técnico, mas também apontaram uma falta de originalidade profunda. Ainda assim, a entrega foi amplamente celebrada pela sua coerência, atmosfera imersiva e reverência sincera às raízes psicadélicas. Quanto a nós optamos por ignorar a parte da critica falar em falta de originalidade, porque conhecemos o seu trabalho de um outro angulo e sabemos que isso não é verdade, a sua música é a sua essência e não acreditamos que as bandas não tem que fazer musica para se vender ou ter posturas para chamar a atenção, acreditamos nas bandas que usam a usa música como a sua voz, como meio de se expressarem e é isso que Temples fazem, este estilo é a sua voz, a sua forma mais natural e original de se expressarem e acreditem que o primeiro álbum foi feito em casa de um deles e vamos lá pensar em quantas bandas conseguiram chegar onde eles chegaram dessa forma e a serem quem são, sem se venderem ao que vende, a algoritmos ou tendências que chamam a atenção efemeramente? Pois não conseguem dizer, nós conseguimos: Temples.

    Durante o concerto no Montijo, exploraram os seus êxitos mais antigos, como “Shelter Song” e “Move With The Season”, ao mesmo tempo que dava protagonismo ao seu mais recente trabalho, Exotico (2023), uma obra labiríntica, produzida por Sean Ono Lennon, que navega por paisagens de krautrock, dream-pop e temas existenciais como a impermanência e a mente selvagem. Se por um lado ser-se produzido pelo filho do John Lenon é um mérito, por outro lado as raízes da banda vem de um grupo de amigos de 20 anos que gravam um álbum em modo DIY em casa e que esse álbum teve tanto sucesso que os levou a viajar por todo o mundo, vão-nos dizer que eles não são originais, não têm mérito?

    Os seus concertos são um ritual psicadélico contemporâneo, sendo que os em nome próprio são sempre mais especiais, como em qualquer outra banda. Este concerto começou com uma aura contemplativa. Sob luzes quentes e minimalistas, os primeiros acordes de criaram uma atmosfera meditativa que instigava reflexão antes mesmo da explosão sonora. A fusão de teclados etéreos e riffs cristalinos transportou os espectadores para um estado entre sonho e vigilância.

    Quando temas como “Shelter Song” e “Mesmerise” surgiram, o palco transformou-se num caleidoscópio sonoro: guitarras jangly, vocais etéreos e harmonias que enchiam o ar com eco pós-Beatles. A familiaridade, contudo, foi reinventada, cada acorde parecia repensado para o “aqui e agora”. No coração do concerto, espaços mais recentes como faixas de Exotico moveram a experiência para um território mais cerebral e imersivo, com colagens sonoras, grooves repetitivos e um gesto performativo contido mas intenso. O público parecia hipnotizado, o que seria de esperar.

    O ponto alto chegou com a fusão entre passado e presente: o som denso dos teclados sobrepostos a riffs criaram uma paisagem emocional onde nostalgia e expansão sensorial se fundiam. Estavam menos comunicativos do que no último concerto que vimos deles no LAV, mas incrivelmente lá e para o momento

    Num psicadelismo com olhos abertos, os Temples provaram, no palco do Sons no Montijo, que a música psicadélica pode ser artesanal, íntima e emocionalmente potente. Não foi um espetáculo de luzes nem de ostentação, mas foi um cerimonial de presença compartilhada. A sua música, direto e sinuosa, serviu de catalisador para algo maior, uma fusão entre o real do Tejo e o visionário do som.

    Este concerto permitiu perceber que Temples não apenas evocam o passado psicadélico, como também o reescrevem com clareza, visão e urgência contemporânea. Embora o concerto tenha terminado de forma meio que inesperada, devido a problemas com o gerador, o que nos deixou muito tristes, a banda viveu o momento com calma e sempre a tentar manter o público com refrões, com James a levantar a guitarra como um vicking o martelo, mas não houve outra solução sem ser dar como terminado o concerto, foi chato, mas foi algo que pode acontecer em qualquer concerto e foi gerido da melhor forma possível.

  Na noite abafada de 25 de julho, o Montijo foi varrido por uma descarga de som cru, denso e sem concessões. Os britânicos The 113 chegaram sem artifícios e deixaram o público em transe com uma atuação marcada pela precisão cirúrgica, intensidade emocional e um alinhamento poderoso. Para muitos, foi o concerto do festival. Para quem não os conhecia, foi uma apresentação que atravessou a pele e ficou colada aos ossos.

    Os 113 motivos para os ouvir (ou pelo menos 13)

    Originários do Reino Unido, os The 113 não são uma banda para quem procura conforto. A sua sonoridade vive no ponto de fricção entre a claustrofobia urbana e a libertação emocional. Com raízes profundas no pós-punk, naquele território sombrio e urgente que floresceu com Joy Division, Wire, The Fall ou, mais recentemente, Crows e Spectres, a banda constrói paisagens sonoras onde o desconforto é arte. E nós adoramos pós-punk, adoramos o desconforto do som e das palavras, pois mexem com emoções e música que mexe com emoções vale tudo.

    A estética é minimalista, mas a intensidade é total. Letras que falam de apatia, dissociação, ansiedade, alienação, mas também da beleza estranha de observar tudo isso acontecer em tempo real. A sua música pulsa com o peso do concreto e o vazio dos espaços entre palavras. É música feita para ser sentida com o estômago.

    Setlist e narrativa foi uma espiral a partir do abismo. A noite começou com “Backpedaler”, uma abertura que serve de declaração de intenções, não há um terreno seguro, apenas terreno verdadeiro. Com guitarras em loop hipnótico e uma secção rítmica implacável, a banda criou logo ali um vórtice de tensão. O vocalista, olhar fixo num ponto imaginário, parecia distante e presente ao mesmo tempo, o que quanto a nós torna a sua presença muito intensa e interessante.

    “Futility” e “Rats” foram socos sucessivos. A primeira, mais arrastada, mergulha-nos num estado de quase inércia emocional, enquanto a segunda atira-nos diretamente para o caos, com guitarras abrasivas, quase dissonantes, e uma entrega vocal que parecia cuspir desespero.

    Em “Vacant”, o tom muda: menos agressiva, mas mais cortante. Aqui sente-se a herança dos Interpol em dias emocionalmente maus, ou dos Protomartyr em modo contemplativo. A guitarra ecoava como um radar num deserto emocional, enquanto a letra falava de ausência como se fosse um lugar onde se pode viver, ou melhor conviver com a ausência como uma melhor amiga.

    No miolo do concerto, com temas como “Idle”, “Too Awake” e “Nothing”, a banda entrou numa fase quase ritualística, com camadas e camadas de tensão, com momentos em que o silêncio entre faixas era tão pesado quanto o ruído. As dinâmicas entre estrofe e explosão tornaram-se quase previsíveis, mas sempre eficazes. O público, já rendido, oscilava entre o transe emocional e o confronto físico. Adoramos isso nesta banda, eles sobretudo o vocalista enfrenta-nos com o seu olhar, como se estivesse a avaliar-nos mas a sentir o que canta ao mesmo tempo.

    “When I Leave” e “Presence” mostraram uma faceta mais melódica e emocionalmente crua. Em particular, “Presence” foi um dos momentos altos, não tanto pela estrutura da música, mas pela entrega desarmante da banda. Foi ali que o concerto tocou no sublime: quando o ruído se tornou catarse.

    O encerramento foi uma tríade destrutiva: “Fatigue”, “Conscience” e “Pretend”. “Fatigue” soou como o hino involuntário de uma geração exausta. “Conscience” teve algo de espiritual, como se os fantasmas da cidade industrial de onde vieram tivessem subido ao palco. E “Pretend” — última do alinhamento — funcionou como epílogo perfeito: uma reflexão quase niilista, onde tudo se desmorona com beleza.

    O espaço e o som, o contraste entre a música áspera da banda e o cenário bucólico da frente ribeirinha do Montijo só aumentou o impacto. O som esteve, felizmente, à altura: poderoso sem se tornar turvo, com um equilíbrio perfeito entre a secção rítmica e as guitarras. Não havia distrações visuais, apenas luzes e sombras duras, como num laboratório emocional.

    The 113 provaram no Sons no Montijo que são mais do que uma promessa, são uma realidade. A sua atuação foi um mergulho lúcido e brutal numa paisagem emocional onde poucos se atrevem a ir. Não há refrões fáceis, nem momentos “de festival”. Há, sim, verdade. E isso, hoje em dia, é mais raro do que devia, por isso gostamos tanto desta banda, que nunca tínhamos tido oportunidade de ver, mas depois deste concerto, queremos muito voltar a ver.

    O silêncio que se seguiu ao último acorde foi respeito, foi digestão lenta, foi o corpo a perceber o que a mente ainda não conseguia explicar.

  Há concertos que são uma experiência que nos acrescenta porque nos conseguem fazer viver o concerto com todos os sentidos. As  Fin del Mundo no Festival Sons do Montijo foi um desses momentos. A banda argentina, composta por Lucía Masnatta (guitarra e voz), Julieta Heredia (guitarra), Yanina Silva (baixo) e Julieta "Tita" Limia (bateria), trouxe ao palco uma onda sonora tão profunda e imersiva que, logo ao primeiro acorde, sentiu-se como se o tempo e o espaço tivessem parado.

    Formadas em Buenos Aires, Fin del Mundo construíram uma sonoridade que reflete a sua terra implacável, misturada com a pulsante energia da cidade. O nome da banda, que faz referência ao "fim do mundo", não é apenas uma provocação, é uma metáfora para a sua visão apocalíptica e a sua capacidade de transformar esse sentimento de inevitabilidade em música. Cada acorde, cada riff de guitarra, parecia um pedaço do universo que se desfazia e se recriava ali, diante de nós.

    A noite iniciou-se com "Una temporada en el invierno", a canção perfeita para abrir o concerto, que imediatamente nos transportou para uma paisagem invernal e introspetiva. As guitarras tremiam, suaves e cortantes e a presença delas, foi como se o frio se espalhasse pelo recinto, criando uma atmosfera de antecipação, mas também de um certo acolhimento, como se algo de importante estivesse prestes a acontecer.

    A transição para "Cuando todo termine" veio como uma tempestade calma, onde a tensão crescente nas guitarras de Julieta e a batida sólida de Tita davam espaço a uma reflexão mais profunda sobre o fim, um fim que, em vez de ser temido, era aceite com um certo desapego. Não se tratava de desespero, mas de uma resignação quase poética, que trouxe a plateia para mais perto daquilo que Fin del Mundo queria transmitir: o fim de uma era, mas também o começo de algo novo.

    "El día de las flores" foi o ponto de contraste, onde a melancolia foi suavemente substituída por uma sensação mais sonhadora e até luminosa. Como se as flores desabrochassem num inverno congelante, e a música parecia ser uma fuga temporária da rigidez do mundo lá fora. Em seguida, "Vivimos lejos" trouxe de volta a densidade emocional, com as guitarras a reverberar como um eco distante. Uma sensação de saudade pairava no ambiente, mas não era nostálgica, era uma saudade do que ainda não aconteceu, do que talvez nunca venha a acontecer.

    Por fim apresentaram "El fin del mundo", a música que transformou a noite numa verdadeira catástrofe sonora. Foi o momento em que tudo desmoronou. As guitarras gritaram, o baixo de Yanina estremeceu as fundações do espaço e a bateria de Tita foi como uma batida de coração acelerada, sinalizando o caos iminente. A música explodiu num crescendo de energia, onde o post-punk e o shoegaze se fundiram, criando uma atmosfera de destruição sublime.

    "El próximo verano" trouxe uma leve brisa de esperança, quase como se o verão fosse uma promessa num mundo perdido, antes da intensificação com "La noche". Aqui, as guitarras pareciam fazer a noite se estender para sempre, e a energia voltou a ser abrasadora. Mas foi em "Refugio" que a banda conseguiu criar uma pausa, uma quietude quase espiritual. A música sugeria que, por mais que o mundo ruísse ao redor, sempre haveria um lugar para nos refugiarmos, onde a música poderia nos salvar.

    Com "Devenir paisaje", as guitarras de Julieta e Heredia foram transformando o ambiente numa espécie de paisagem líquida, onde o som se diluía e se reconstruía, deixando-nos com a sensação de que o tempo estava a desaparecer. A seguir, "Vendrá la calma" chegou como uma breve janela de luz no meio da tempestade. Não era exatamente calma, mas sim uma promessa de que, após a turbulência, um novo ciclo se iniciaria.

    O concerto chegou ao seu clímax com "El incendio", uma faísca que incendiou tudo ao seu redor. Não era só o fim de uma música, era o fim de uma era, mas também o despertar para a chama que continua a arder. As distorções, as batidas mesclaram-se numa explosão de som, deixando o público atónito, imerso num fogo que não se apagava.

    Formadas em 2016, Fin del Mundo rapidamente se fizeram notar pela sua capacidade de transportar quem as ouve para um outro universo. No entanto, foi após a sua performance para a rádio KEXP em 2022, gravada no CCK em Buenos Aires, que a banda ganhou visibilidade internacional. O seu som singular, marcado por atmosferas densas e poéticas e a sua energia crua, conquistaram uma legião de fãs por todo o mundo. As letras de Fin del Mundo são o grito de quem observa o mundo a desmoronar e recusa-se a sucumbir-lhe. São uma manifestação de resistência, introspeção e força, mesmo quando a realidade parece estar à beira do fim.

    A magia de Fin del Mundo está na sua habilidade de transformar o silêncio em som, o som em emoção e a emoção numa experiência única. Cada concerto, como o vivido no Montijo, é uma viagem sensorial que nos arrasta para dentro do seu mundo e nos deixa com a sensação de que, mesmo que o fim venha, a música será sempre a nossa salvação. Elas não tocam apenas para serem ouvidas, tocam para serem sentidos.

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 Primeiro Dia: Crónica de um festival feito com o coração

    Numa altura em que a grande maioria dos festivais de verão parece ter sido criada por departamentos de marketing e onde a experiência musical está cada vez mais subjugada a patrocínios, filas e zonas VIP, há uma pequena revolução a acontecer à beira do Tejo. Chama-se Festival Sons do Montijo, é gratuito e é, sem exagero, uma carta de amor à música feita com alma. Quem nos segue já sabe que escrevemos com o coração, portanto sabe que se afirmamos isto, é porque de facto o sentimos.

    O primeiro dia da edição de 2025 deixou bem claro que este é um festival diferente. Não há pulseiras que separam as pessoas quase como que classes desde a monarquia ao povo, nem zona exclusiva para influenciadores ou para quem pode pagar mais por aquele golden circle. Há, sim, uma curadoria cuidada, um público atento e uma cidade inteira que se transforma num palco vivo. O Sons do Montijo não é sobre lucros. É sobre paixão. E essa diferença sente-se logo ao primeiro acorde, para não dizer que mal de põe um pé no espaço do festival.

    A marginal do Montijo ganhou vida com um fluxo sereno de pessoas que sabiam ao que vinham: ouvir. Sem pressas, sem distrações. As ruas não estavam cercadas por grades, mas abertas a quem quisesse escutar — e isso, nos dias que correm, é quase revolucionário, defendemos que a musica e a cultura devem ser acessíveis a todos e cada vez mais no caso da música está cada vez mais acessível para alguns. Não dizemos com isto que todos os festivais deveriam ser gratuitos, pois temos a noção dos custos de cá trazer bandas, pois para além de trabalharmos aqui, também trabalhamos na área do booking. Mas defendemos que os preços devem ser menos exagerados do que atualmente são e que dentro dos recintos os bens essenciais sejam com valores mais acessíveis. O Festival Sons do Montijo é a prova que é possível fazer um bom festival, com boas bandas, inclusive com bandas vindas de fora, ser gratuito e ainda praticar preços extremamente acessíveis no espaço do festival para bebidas e comida. Por isso dizemos que este festival não é sobre lucros, é sobre a paixão pela música e um festival organizado com a alma.

    O festival começou com o Dj Balakovm seguindo-se o primeiro concerto da noite com Vaiapraia que trouxe uma descarga de sinceridade e intensidade emocional. Punk queer, cru, íntimo, urgente. Um concerto que não é fácil de rotular e ainda bem. Com letras afiadas, guitarras despidas e uma entrega vulnerável, Vaiapraia mais do que atuar, ele expõe-se sem filtros, é ele sendo ele e é isso que torna os seus concertos sempre tão diferentes e originais.

    Seguiu a noite com Fin del Mundo, um Nevoeiro argentino a pairar sobre o Tejo. Estávamos com muitas expectativas de as ver, já nos tinham falado muito bem delas e raios…o concerto foi mesmo bom e posso disser que superaram as expectativas.

    As Fin del Mundo fizeram da delicadeza o seu maior trunfo. Com um post-rock hipnótico e melodias que pareciam sopros longos em câmara lenta, o quarteto levou-nos para longe mas que ao mesmo tempo trouxe-nos para dentro. Um som que parece feito de paisagens vastas e emoções guardadas, entre guitarras etéreas e baterias suaves, como quem diz muito sem gritar uma única vez.

    The 113 com o seu Pós-punk de arame farpado foi a banda que se seguiu e se havia tranquilidade antes, os The 113 fizeram questão de a rasgar ao meio. Os britânico trouxeram um set furioso, com riffs que cortavam o ar e uma secção rítmica que não deixava ninguém indiferente. Foi sujo, direto, instintivo. Pós-punk sem pose, uma descarga elétrica que fez estremecer o chão de quem estava na frente e deu um necessário abanão à noite, que nos deixou com vontade de mais concertos, mas só se seguiu mais um os Temples, com o seu psicadelismo refinado para um fecho em grande. Já os vimos diversas vezes, a primeira foi em 2014 quando estavam no inicio e já então conquistaram o nosso coração. São mestres da estética psicadélica contemporânea. Vieram com Exotico na bagagem, mas também revisitaram momentos maiores do seu percurso, como Shelter Song e Keep in the Dark. O som era límpido, envolvente, quase cinematográfico. A banda parece tocar em camadas: há o groove, há a melodia, e há aquele brilho quase místico que nos agarra e não larga. Foi uma viagem daquelas em que não nos importamos de nos perder. Apesar de ter acabado de forma inesperada por motivos técnicos, adoramos cada minuto.

    O que se viveu neste primeiro dia não foi apenas uma série de concertos, foi uma afirmação, a de que ainda é possível criar espaços onde a música é o centro — não o adereço. Onde o público é tratado com respeito, e não como consumidor. Onde o som é cuidado, os horários respeitados e os artistas celebrados pelo que são, e não pelo número de seguidores. Onde quem está é pela música e não para lá ir tirar fotografias com outfits e purpurinas.

    O Sons do Montijo é um festival feito com os pés na terra e o coração ao alto. E por isso, não temos dúvidas: voltaremos. Porque a música, quando é vivida assim, deixa sempre vontade de regressar.

    Atenta aos nossos posts porque brevemente iremos publicar todas as fotografias e reviews dos concertos.