Os Baleia Baleia Baleia chegaram ao Sótão da Casa Capitão como quem entra num espaço já em movimento, continuando uma linguagem que há muito vem a ser afinada: a de fazer muito com o mínimo, até que o mínimo deixe de parecer pouco.

    Num formato reduzido ao essencial, baixo, bateria e voz, o duo mantém-se fiel a uma gramática própria onde o rock alternativo dos anos 90 não é memória, mas matéria bruta para reconfiguração. Em palco, essa matéria nunca se fixa. É instável, respira em tensão e vai-se dobrando entre energia física, ironia e um certo prazer no desvio.

    O concerto abre antes mesmo da presença dos músicos. A sala cheia é ocupada por uma faixa que se impõe como um corpo invisível, quase uma música de intervenção sem rosto, um manifesto sem emissor claro. Prolonga-se no tempo de forma ambígua, como se recusasse terminar ou começar. O público permanece nesse intervalo suspenso, entre a estranheza e a expectativa, sem saber bem onde colocar o corpo.

    Quando o duo finalmente entra em palco, não há corte, apenas continuação. A energia que parecia dispersa encontra direção, como se aquela introdução tivesse sido uma preparação silenciosa do terreno. Aos poucos, ao longo das músicas seguintes, o sentido desse início revela-se. O que parecia enigmático ou excessivo encaixa, reorganiza-se e ganha lógica interna.

    Este concerto surge no contexto de OUTRA VEZ ARROZ, o próximo disco da banda, onde a ideia de repetição não é desgaste, mas método. A noção de “receita sólida” que pode ser refeita sem perder sabor atravessa também o palco. O que se vê não é variação em torno de uma fórmula, mas insistência até que a fórmula se transforme.

    Em palco, essa insistência traduz-se numa oscilação constante entre controlo e ruído. O punk surge fragmentado, o grunge aparece distorcido e a sátira infiltra-se em tudo, não como comentário exterior, mas como parte do próprio mecanismo. Mesmo nos momentos mais diretos, há sempre a sensação de que algo está a ser desmontado enquanto acontece.

    O espaço do Sótão amplifica tudo isto. A proximidade extrema elimina distância e transforma o concerto num objeto quase táctil. Não há respiro entre palco e público, apenas uma mesma massa de presença comprimida, onde o som parece circular sem mediação. O caráter DIY do projeto não é estética, mas condição, uma forma de estar que recusa acabamento excessivo.

    E no centro de tudo permanece aquele início. A faixa sem rosto, o manifesto sem corpo, que durante algum tempo pareceu um desvio e que, no final, se revela como chave de leitura. Como se o concerto tivesse começado antes de alguém o reconhecer como tal.